Horroris causa

Julio Verne entre nosotros

2012-02-08T09:22:00.000-08:00

Julio Verne entre nosotros

Vicente Quirarte

La primera vez que tuve conocimiento de la novela de Julio Verne Un drame au Mexique fue gracias a las pasiones de mi amigo Frédéric-Yves Jeannet. Nacido en Francia como Verne –aquél en Grenoble, éste en Nantes-, Frédéric ejerció desde muy joven el oficio de explorador del mundo, cristalizado en su primer libro, Lejos de ninguna parte. Como Phileas Fogg, esa pasión viajera lo condujo a encontrarse con la mujer de su vida, en México, y de manera más precisa, en Cuernavaca. A esa ciudad dirigió sus miras desde que devoró las páginas de Under the Volcano, la obra maestra donde Malcolm Lowry hace de Cuanáhuac un obligado sitio de peregrinación para los devotos de la geografía literaria. En las páginas de Lowry, Frédéric hizo un viaje virtual a Cuernavaca. Exploró sus cañadas, su magia, sus cantinas que son simbólica y concretamente, el umbral del paraíso y del infierno. Y fue en Cuernavaca, en la casa distante que allí han construido Frédéric, Angélica y mi ahijado Juan Ángel, donde conocí el texto que ahora Leslie Alger ha traducido y editado a partir de su edición original. Tuve la fortuna de leer la novelita en la reproducción facsimilar que los siempre sabios franceses han hecho de los Voyages Extraordinaires editados por Jules Hetzel, en los cuales se reproducen además las encuadernaciones originales, con sus flamantes rojos y dorados y sus ilustraciones en relieve. Me sorprendió como a muchos que Verne hubiera situado su narración en México, sin haber estado nunca en nuestro país, del mismo modo en que nos alucinaba encontrar aquellas líneas de otro devoto lector de Verne, Arthur Rimbaud, en unas líneas de su poema “Enfance”, perteneciente a las Illuminations: “Este ídolo, ojos negros y crin amarilla, sin padres ni corte, más noble que la fábula, mexicano y flamenco”.

Ahora, gracias a la investigación de Leslie Alger, sabemos que Un drama en México se llamó originalmente Los primeros navíos mexicanos, y que además de estar situada en nuestro país e incluir desde el título su nombre, fue propiamente su primera novela publicada, en 1851. El circuito de ese viaje nunca realizado pero siempre soñado y, por lo tanto, consumado, se cierra cuando la propia Leslie Alger nos informa que en 1910 apareció, como una de las obras póstumas de Verne, otra novela situada en México, titulada El eterno Adán. No me extenderé en la primera obra, pues corresponde ese honor a quien como Leslie Alger nos ha obligado a mirar esa pequeña y significativa obra con nuevos ojos y ha traído a Julio Verne hasta nosotros. Pero haré una última digresión biográfica y bibliográfica que incluye de nuevo, ustedes disculpen, a Frédéric-Yves Jeannet. Ante la cercanía de su cumpleaños número cuarenta, se me ocurrió la obsesiva idea de regalare una primera edición -en francés- de Autor du monde en quatre-vingt jours. Tal decisión fue la llave que me permitió entrar con desplante y confianza a un paraíso que siempre había mirado con veneración y sólo por fuera. Se trata de una maravillosa librería llamada Monte Cristo, y que se encuentra en la calle Monsieur le Prince del Barrio Latino. Vende de exclusivamente libros de aventuras, de Emilio Salgari, Alexandre Dumas y por supuesto, Julio Verne. En el aparador lucen los volúmenes como si apenas hubieran sido impresos y encuadernados, alternados con juguetes de la época: el Nautilius del capitán Nemo, el globo de Phileas Fogg. Es atendida por dos caballeros, jóvenes y flemáticos, justamente orgullosos de su oficio. Cuando pedí el libro que necesitaba, me atendieron con diligencia y fría amabilidad. Me explicaron, por ejemplo, el misterioso motivo por el cual una encuadernación en keratol cuesta casi el doble que la encuadernada en tela. Sólo tenían La vuelta al mundo en la segunda presentación, que igualmente era un regalo digno. Mientras me envolvían el tesoro, les pregunté como al paso si tenían por casualidad Drame au Mexique. Desde la cima de su autoridad me respondieron que esa novela, naturalmente, jamás la había escrito Verne; que si no me refería, acaso a Un drama en los aires, como se llamó originalmente Cinco semanas en globo, que se convertiría en 1863, en el primero de los viajes extraordinarios. Les dije que no y cómo la había leído en edición facsimilar. Entonces procedieron a buscar en los catálogos más autorizados. No la encontraban, y a punto de abandonar una búsqueda bibliográfica que para ellos ya se había convertido en cuestión de honor, les dije que no importaba, que me satisfacía haber contribuido mínimamente a ensanchar su horizonte y que me daba gusto que Verne hubiera dedicado su primera novela a un asunto histórico mexicano, aunque fuera de modo lateral. Por fin, se iluminó el rostro de uno de los caballeros al encontrar la ficha. Yo les había dado el dato incompleto, pues la novela se llama, naturalmente, no Drame au Mexique sino Un drame au Mexique.

La anécdota es ilustrativa de la actitud que los países colonialistas tuvieron sobre los otros y la manera en que nosotros quereos saber sobre ellos y acerca del modo en que nos miran. Es significativo que la segunda edición de la obra, ya hecha por Hetzel, haya aparecido en 1863, cuando México estaba ocupado por el ejército interventor de la patria de Verne. Como ha examinado Jean Chesneaux en su magnífico libro Una lectura política de Julio Verne, no obstante que nuestro autor tenía una visión burguesa de la vida, en sus novelas se notan luces de la utopía de Saint Simon así como la admiración del buen salvaje.

El eterno Adán es una narración dentro de otra narración. Un hombre del futuro, el zartog Sofr-Aï.Sr, vive en el Imperio de Los Siete Mares, en un momento cuando el mundo está convertido en una aldea global y ha alcanzado un alto grado de civilización y civilidad. Un día encuentra un manuscrito escrito en un idioma para él desconocido. Dedica varios años a su desciframiento y finalmente lo ofrece a los ojos de nosotros, sus afortunados lectores. Y aquí comienza para nosotros la parte más intensa, pues se trata de un diario, escrito en primera persona, y situado a comienzos del siglo XX en la ciudad de Rosario, Sinaloa. Dice el personaje narrador: “Aquel día, el 24 de mayo, había reunido a algunos amigos en mi villa de Rosario. Rosario es, o más bien era, una ciudad de México, a orillas del Pacífico, un poco al sur del golfo de California. Me había instalado allí una decena de años antes para dirigir la explotación de una mina de plata que me pertenecía en propiedad. Mis negocios habían prosperado sorprendentemente. Era un hombre rico, muy rico incluso…, y proyectaba regresar dentro de poco tiempo a Francia, mi patria de origen. Mi villa, una de las más lujosas, estaba situada en el punto culminante de un enorme jardín que descendía en pendiente hacia el mar y terminaba de forma brusca en un acantilado cortado a pico, de más de cien metros de altura. Por la parte de atrás de mi villa, el terreno seguía subiendo y, a través de un sinuoso camino, podía alcanzarse la cresta de las montañas, cuya altitud superaba los mil quinientos metros. A menudo era un paseo agradable…varias veces había realizado la ascensión en mi automóvil, un soberbio y potente doble faetón de treinta y cinco caballos, de una de las mejores marcas francesas”.

A comienzos del siglo XX, La Ciudad Asilo del Rosario, antiguamente Real de Minas de Nuestra Señora del Rosario, en el estado de Sinaloa, distaba 5 kilómetros de las vías del ferrocarril del Pacífico. La riqueza mineral contenida en las entrañas sinaloenses había convertido a la población en una de las más activas de la zona, y había sido el origen de fortunas mexicanas y extranjeras. El hijo de una de ellas, Jesús E. Valenzuela, había dedicado parte de ese patrimonio a financiar las aventuras intelectuales de los escritores reunidos alrededor de la Revista Moderna.

Punto de confluencia de empresarios y utopistas, de hombres de Dios y hombres sin ley, Rosario era una población alejada de la autoridad central pero bajo la vigilancia de Francisco Cañedo, que ocupó el escenario político sinaloense desde 1877 hasta 1909. Las altas temperaturas de Rosario se mitigaban con la cercanía del mar y el paso generoso del río Baluarte. Verne no es preciso en su descripción de Rosario, pues no hay mar. El más próximo es Mazatlán, pero aquí, de nuevo, Verne logra que la naturaleza imite al arte. Gilberto Owen, nacido en Rosario en 1904, hará en su novela La llama fría, de 1925, un híbrido entre Rosario y Mazatlán. ¿Eligió Verne la palabra Rosario por su eufonía o por el conocimiento que pudo tener de esa población? Durante el siglo XIX, varios fueron los extranjeros que vinieron a México con el deliberado propósito de hacer un mapa de sus minas. El más célebre, por la obra que escribió fue Henry George Ward, que estuvo entre nosotros en 1827. Rosario fue un mineral de gran importancia desde la época virreinal, y aún a principios del siglo XX, los mineros se dieron el lujo de colocar en la parroquia un barandal de oro macizo. De ahí que la verosimilitud geográfica de Verne, para situar el principio de su novela, sea la correcta.

La situación idílica de la familia que habita Rosario se ve una noche brutalmente interrumpida por un terremoto. Con terror, al salir de la casa los personajes se dan cuenta de que el nivel del mar sube con rapidez inusitada. Suben al poderoso automóvil –en los tiempos de la muerte de Verne apenas comenzaba su imperio- y se dirigen a la parte más alta de Rosario. En el último minuto logran subirse a un barco, el Virginia, que venturosamente llegaba, y a bordo de él recorren lo que antes era tierra. El narrador debe de reconocer: “¡Qué cambio, en el espacio de una corta noche de primavera! Las montañas han desaparecido, todo México ha sido sumergido por las aguas. En su lugar sólo hay un desierto infinito, el árido desierto del mar.” Posteriormente recorren todo el planeta para descubrir que han desaparecido todos los continentes y que ellos son los últimos sobrevivientes de la especie. El mar, ese dominio libre y sin ataduras donde el capitán Nemo hallaba el paralelo para su espíritu anarquista, y donde encuentra el símbolo de la vida y de la eterna compañía de otras criaturas, más dignas que sus semejantes, se ha transformado en inmenso sudario que cubre a los antiguos habitantes del planeta.

De los sobrevivientes, dos de ellos son dos sabios, un inglés llamado Bathusrts y un mexicano, el doctor Moreno. Asimismo, resalta la figura del señor Mendoza, “presidente del tribunal de Rosario, un hombre estimable de mente cultivada, un juez íntegro”.

Si en la novela es un temblor de tierra el que altera la vida armónica de Rosario, en otra historia, ésta de la vida real, ocurrida en 1913, un niño del mineral del Rosario llamado Gilberto Owen dice a su madre: “Creo que va a temblar”. Minutos después comienza un terremoto, venganza simbólica de una tierra vulnerada por varias generaciones de gambusinos, uno de los cuales era el padre del niño Gilberto. A raíz del terremoto y de la Revolución, la familia Owen Estrada emigra, para iniciar la Odisea de uno de nuestros autores que hicieron del viaje uno de los temas fundamentales de su poesía y de su existencia. El terremoto de la novela de Verne –que es en realidad un maremoto de definitivas consecuencias- no puede dejar de evocarnos la pesadilla tangible del Tsunami que, como en la ficción de Verne, que a finales de 2004 borró territorios que apenas ayer estaban en nuestros mapas. Creyente en los poderes benéficos de la naturaleza, y en la capacidad humana para utilizarla en beneficio de la especie humana, en la narración El eterno Adán ese poder generoso se transforma en maligno. Desde su primera novela, Cinco semanas en globo, Verne había dado nuestras de su desprecio a las que, fiel a las ideas de su tiempo, consideraba razas inferiores y de su fe en el progreso como medio para llevar a otras tierras los principios de la civilización, que en la práctica eran los del colonialismo. Sin embargo, en todo momento Verne da un voto de confianza a todos aquellos que, sin importar su origen, su raza o su condición social, defienden los principios morales de la humanidad entera. Como sucede con todo aquel que adquiere la unánime admiración de su especie, varias ciudades reclaman haber sido cuna de su nacimiento. Rosario no es la excepción. Los sinaloenses, y particularmente los nativos de Rosario, ostentan el orgullo de que Verne haya elegido Rosario para situar el principio de su novela apocalíptica. La profesora Schneider, que debe haber nacido cuando Verne ingresaba a la inmortalidad, afirmaba, categórica y sabia, que el autor francés se carteaba con una mujer de Rosario. La anécdota da pie para un nuevo viaje extraordinario. Lo cierto es que el articular en su novela el nombre de la ciudad de Rosario, Verne nos da pie para conversar con él de otra manera y para establecer el principio de varias historias conjeturales. Posiblemente le gustaría saber que esa ciudad sinaloense fue la cuna de Pablo Villavicencio, mejor conocido por su seudónimo El Payo del Rosario, precursor de la Reforma y por lo tanto hermano del espíritu de la revolución de 1848 y la utopía libertaria abrazada por Verne; le hubiera divertido y estimulado saber que en esa villa sinaloense nació el periodista que, al igual que Lizardi, escribiría textos en los que se combinan la puntería crótica son la sátira despiadada, como es el caso de O se destruye el Congreso se lleva el diablo al reyno, de 1823, o uno de 1825 que bien hubiera suscrito Verne: Si no se van los ingleses hemos de ser sus esclavos.

El utopista Saint Simon escribió: “Todo el vapor y la electricidad; sustituir la explotación del hombre por la explotación del globo por la humanidad”. En esta frase, señala Chesneaux, se resume el espíritu de los Viajes extraordinarios de Verne. Además de las novelas donde hace tal planteamiento, diseminado a lo largo de las aventuras que son el eje principal de sus obras, el autor resume sus ideas de anticipación social en el ensayo Une ville idéale (Una ciudad ideal), “leído en la sesión pública de la Academia de Amiens del 12 de diciembre de 1875. Y en Los 500 millones de la Bégum soñaba con una sociedad progresista pero advertía contra los peligros de la desaparición del latín y el griego en los liceos: “la instrucción es puramente científica, comercial e industrial”.

Al situar El eterno Adán en Rosario, donde el personaje narrador tiene una situación no solamente estable sino bonancible, Verne recuerda también el caso histórico del utopista e ingeniero Albert Kimsey Owen, que en 1872, a los 24 años de su edad, llega por primera ocasión a la bahía de Topolobampo. Al apreciar la riqueza de recursos, la belleza del paisaje, la generosidad del clima, exclama: “si con la luz del amanecer aparece un canal hondo y seguro entre este mar interno y e Golfo de California, entonces éste sería el lugar perfecto para una gran ciudad metropolitana. En esas aguas, donde ahora no se ve embarcación alguna, un día acudirían barcos de todas las naciones. En estas planicies habitarán familias felices. Acudirán multitudes de asiáticos y australianos que serán recibidas por los europeos que llegaron a su vez desde las costas del Atlántico por el ferrocarril, cruzando las llanuras y las sierras”. La idea de Owen parecía tan descabellada como la de los ingenieros de Verne: crear un ferrocarril que constituiría la gran línea Asia a Europa vía México y Estados Unidos. Tras cabildeos y ardua labor con gobiernos y empresarios de México y Estados Unidos, en 1886 dio fin a su sueño: se tendieron las vías del ferrocarril y se establecieron los primeros colonos en Topolobampo. Luego enfermedades, hambrunas y descontentos, para 1893 la mayor parte de las familias habían regresado a su lugar de origen.

La destrucción del mundo por fuerzas de la naturaleza convierte a Verne en profeta de los nuevos tiempos. Si bien El eterno Adán no tiene la fuerza de sus obras mayores, ni la solidez de otros personajes, su visión apocalíptica, su ubicación en una población mexicana, aproximan su visión a la de otro profeta desencantado de nuestro tiempo, José Emilio Pacheco.

* Texto leído en la mesa redonda “Julio Verne, viajero virtual de México. En el centenario de su viaje más largo”, celebrada en la Biblioteca Nacional de México, el 17 de marzo de 2005.

El viaje inolvidable

2012-02-08T09:03:00.000-08:00

El viaje inolvidable*

Roberto Coria

En las primeras páginas de 20,000 leguas de viaje submarino, Julio Verne nos advierte, a través del profesor Pierre Aronnax, erudito del Museo de Historia Natural de Paris, de la existencia de un gigantesco monstruo marino que en el año de 1866 ataca y destruye embarcaciones a lo largo de los siete mares. Para darnos una idea de las dimensiones de esta criatura, Verne cita a un par de figuras terribles: el mítico Kraken y la ballena blanca Moby Dick. Esta última, como es bien sabido, es protagonista de la novela homónima de Herman Melville –publicada en 1851- y suele ser considerada el relato canónico de aventuras marinas. Durante muchos años me he adherido a esta opinión casi unánime, pero la relectura indispensable de la más memorable creación de Julio Verne ha puesto en duda mi sentir.

La historia de 20,000 leguas de viaje submarino –cuyo título inicial fue Viaje bajo las olas- inicia en 1866, el mismo año en que Verne comenzó a escribirla. Desde el verano de 1867, Jules Hetzel daba la primicia de su inminente publicación a los suscriptores del Magasin d´education et de récréation. Aseguraba orgulloso que sería“el más extraordinario libro de este minucioso y apasionante autor”. Su versión definitiva, la que Verne escribió después de romper un primer manuscrito, vio la luz el año de 1869 y se convirtió de inmediato en un éxito.

Como sucede en al menos 30 de sus Viajes extraordinarios, Verne utiliza el mar como escenario de esta formidable aventura. Narrada en primera persona por el profesor Aronnax a lo largo de 47 capítulos divididos en dos partes, relata la expedición emprendida por el gobierno norteamericano para dar caza a esa monstruosidad que hunde barcos. Aronnax se encuentra en Nueva York cuando en su calidad de experto –es autor del libro en cuatro tomos Los misterios de los grandes fondos submarinos- recibe una invitación para embarcarse en el USN Abraham Lincoln, capitaneado por el comandante Farragut.

Aronnax es el típico científico de las novelas de Verne. Curiosamente en las ilustraciones que Édouard Riou hace para la novela, ambos tienen un notable parecido. Es un hombre entrado en años, objetivo, cauteloso y apasionado por su campo de estudio, en este caso el mar y sus secretos.

El académico francés va acompañado de su aprendiz Conseil –Consejo en algunas traducciones a nuestro idioma-, joven flamenco que lleva diez años acompañándole en sus correrías y que ha desarrollado una gran capacidad para clasificar especies marinas.

A bordo del Abraham Lincoln también se encuentra el canadiense Ned Land -que Aronnax describe como la mejor arma del buque- conocido como el rey de los arponeros. Es un hombre de gran habilidad y sangre fría, de unos cuarenta años de edad, fuerza formidable, elevada estatura, colérico y poco comunicativo.

Después de semanas de infructuosa búsqueda encuentran finalmente al monstruo marino. Después de una emocionante persecución que seguramente está inspirada en el clásico de Melville, y que Peter Benchley retomó en su novela Tiburón, el monstruo termina por hundir al navío.

Solamente Aronnax, Conseil y Land sobreviven al naufragio. Al despertar descubren que se encuentran en las entrañas del monstruo y que no se trata de un ser viviente, sino de un ingenio mecánico: un submarino. Aparece entonces su anfitrión, un misterioso hombre que se hace llamar Capitán Nemo, quien de inmediato se convierte en el personaje principal de la novela y en el más fascinante y representativo de la obra de Verne. En muchas formas, es también el que mejor refleja sus aspiraciones adolescentes.

Nemo significa en latín Nadie, al igual que su anagrama Omen significa presagio y fatalidad. Es un hombre de nacionalidad desconocida –su origen se revela en otra obra de Verne- que ha roto todo vínculo con la humanidad y se ha lanzado al océano para alcanzar sus propósitos. El mar es su patria adoptiva. Allí ha encontrado la libertad que tanto anhelaba. Habla francés, inglés, alemán y latín sin denotar ningún acento. Estudió ingeniería en Londres, Paris y Nueva York. Es un apasionado de la pintura y la música. Posee una riqueza personal con la que “podría pagar sin problemas la deuda exterior de Francia, que asciende a 12 mil millones de francos”.

Nemo tiene un propósito poderoso: la venganza. Confiesa que alguna vez fue “habitante del país de los oprimidos”, y utiliza sus recursos para aliviar el pesar de los pobres y para vengar a las víctimas de la injusticia. Es para ello que con la ayuda de sus marineros –a quienes se refiere como sus hermanos, sus compatriotas- ha construido el prodigio tecnológico conocido como Nautilus, su hogar y medio de transporte, casi una extensión de sí mismo. Él lo ha diseñado y ensamblado secretamente en una isla con un lago submarino y un volcán apagado.

Como afirma Fernando Savater, el Nautilus es el primero de los submarinos conocidos y el último que olvidaremos. A lo largo de tres capítulos, Nemo describe al asombrado Aronnax los detalles de su construcción y su funcionamiento. Le revela que la fuerza que lo impulsa es la electricidad, pero nunca despeja la duda del método por el cual la genera. ¿Podemos presumir que el Nautilus era un submarino nuclear? El sumergible es una suerte de arca de Noé de artificio, un museo-acuario que alberga una biblioteca conformada por 12,000 volúmenes –el 1% del acervo de esta Biblioteca Nacional- a los que califica como “su único lazo con la tierra”, una colección de arte de los más grandes maestros, la más amplia compilación de especimenes marinos y una infinidad de tesoros que ha recolectado en el fondo del mar. Pero a pesar de contener todas estas maravillas, el Nautilus es también un arma de destrucción, hecho que contraviene la visión optimista de la ciencia que Verne plasma en sus novelas.

Durante casi 10 meses –las 20,000 leguas del título-, los invitados-prisioneros de Nemo viven toda clase de aventuras: hacen una cacería en los fondos marinos, exploran embarcaciones hundidas, recolectan perlas en almejas gigantes, son atacados por nativos salvajes, luchan por escapar de los hielos del Polo Norte, recorren el río Amazonas, se encuentran con ballenas, combaten tiburones sedientos de sangre, descubren la ciudad perdida de la Atlántida y luchan contra un grupo de calamares gigantes. Los detalles los pasaré por alto para invitar a la lectura –o relectura- de este clásico.

Los capitanes del Nautilus y del Pequod comparten muchas semejanzas. Los relatos que protagonizan son espléndidas narraciones donde sus autores, Julio Verne y Herman Melville, hacen gala de detalladas descripciones de la vida marítima y de las técnicas de navegación del siglo XIX. Nemo, al igual que Ahab, se ha lanzado al mar para llevar a cabo su venganza. Los dos sufrieron pérdidas terribles: Nemo la de su esposa e hijos; Ahab la mutilación de su propio cuerpo. La ballena blanca que persigue Nemo es la tiranía. Ambos se fortalecen por su odio, en la misma tradición de personajes como el joven capitán Edmundo Dantés que escapa de prisión para castigar a los culpables de su injusto encarcelamiento, o del millonario Bruce Wayne que adopta la figura de un murciélago para buscar otra forma de justicia.

Sin embargo Nemo no se ha sumergido por completo en la oscuridad. A pesar de los múltiples crímenes que comete, el lector desarrolla simpatía por él. Aronnax emplea adjetivos como extraordinario y fascinante para describirlo. Nemo arriesga su vida para salvar a sus hombres en muchas ocasiones, llora la muerte de sus camaradas de armas y se preocupa por la preservación de las especies marinas –“la voracidad de los pescadores algún día acabará por extinguir a la última ballena del océano”-.

El desenlace de la historia es tan súbito como impresionante. Pero es innegable que Nemo, ese arcángel del odio, ese terrible justiciero, ha alcanzado la gloria y la inmortalidad, al igual que el hombre que lo concibió.

De la novela a la pantalla de plata.

Un documental incluido en la edición especial del DVD de la película 20,000 leguas de viaje submarino (1954), producida por los estudios de Walt Disney, insiste en colocar en el mismo nivel al escritor francés y al cineasta norteamericano. Esto puede ser cuestionado en muchos aspectos, pero lo cierto es que tanto Verne como Disney fueron notables exploradores de los territorios fantásticos y se beneficiaron mutuamente, pues de la unión de sus talentos surgieron numerosas e interesantes adaptaciones cinematográficas.

20,000 leguas de viaje submarino fue el primer proyecto con actores reales de esta compañía y su primera incursión en la técnica de Cinemascope. Su reparto está conformado por Paul Lukas como el profesor Aronnax, Peter Lorre como Conseil, Kirk Douglas como Ned Land y James Mason como el Capitán Nemo, bajo la dirección de Richard Fleischer (quien era hijo del legendario Max Fleischer, acérrimo competidor de Disney y creador de las caricaturas animadas de Superman y Popeye el marino).

Ya desde su primera secuencia, en la que vemos un ejemplar bellamente encuadernado de la novela, la película afianza su relación con la creación de Verne. Sin embargo, este vínculo es bastante libre, como en casi toda novela adaptada para la pantalla grande. El personaje de Pierre Aronnax, que en muchos momentos del metraje sirve como narrador, pasa a un segundo término, mientras Ned Land y el Capitán Nemo acaparan los reflectores.

Los productores no fallan en aplicar el sello de la casa: incluyen un colorido número musical –The Whale of a Tale- para el lucimiento de Kirk Douglas -quien resulta ser más parlanchín que el descrito por Verne- y una amistosa foca llamada Esmeralda, heredera de la tradición de animalitos parlantes que caracteriza a Disney. Peter Lorre, célebre por sus actuaciones en cintas de horror como M el maldito, resulta mucho mayor de edad que el Conseil descrito por Verne. Curiosamente, el actor se quejaba que debió ser él quien interpretara al calamar gigante.

El guionista toma sólo algunos de los momentos más atrayentes y fáciles de realizar –con los avances técnicos disponibles- de la obra y descarta otros de mayores dimensiones. Por sólo citar un ejemplo, la escena climática del combate con el banco de calamares gigantes tuvo que reducirse a sólo uno de estos monstruos. La versión original se desarrollaba en un atardecer, pero los alambres que animaban los tentáculos de la criatura se veían a 20,000 leguas. Se dice que Walt Disney fue quien sugirió que la escena se rodara nuevamente en medio de una tormenta para ocultar los efectos. Hoy en día, la cinta es recordada por esa secuencia.

El resultado final es una película atrayente que cumple con su principal función: llevarnos a mundos fantásticos y cautivar nuestra imaginación.

Que la disfruten.

*Texto leído en el coloquio Julio Verne, en el centenario de su viaje más largo, celebrado en la Biblioteca Nacional de México en el año 2005.

Orgullosamente nacional

2012-02-02T10:24:00.000-08:00

Horrible inmortalidad

2012-01-31T13:08:00.000-08:00

El cuerpo sin vida de la aspirante a actriz Elizabeth Short, conocida como la Dalia Negra, fue descubierto el 15 de enero de 1947 en un lote baldío en la intersección de las avenidas South Norton, Coliseo y Oeste 39, distrito de Leimert Park, en Los Ángeles, California. Si su cadáver no hubiera sido dispuesto de una forma tan brutal, posiblemente su caso no habría trascendido: desnuda, eviscerada y desangrada, partida en dos por la cintura, mutilada facialmente para simular una grotesca sonrisa. La imagen perturbó la opinión pública de su época e incendió la imaginación de una innumerable cantidad de personas –civiles, investigadores y artistas- que buscaban dar una respuesta al misterio. Testigos del Crimen le dedicó su programa 42. Porque sobra decir que su asesino –o asesinos- nunca fue identificado.

Yo conocí el hecho en mi preadolescencia, en un capítulo de 1989 del programa televisivo Misterios sin resolver donde Robert Stack –el antiguo Eliot Ness de Los Intocables- realizaba una semblanza del crimen. Años después, gracias a los consejos de mi amigo y mentor Ricardo Bernal, me hice de la novela La Dalia Negra (1987), donde el escritor norteamericano James Ellroy entremezclaba el caso con su fantasía y demonios personales. El resultado fue una estupenda obra donde el autor daba respuesta al enigma, profundizando en el mundo de privilegios y excesos de la alta sociedad californiana de la época. El libro fue fallidamente trasladado al cine en 2006 por Brian de Palma, pese a su deslumbrante diseño de arte y fotografía, que le valió una nominación al Óscar.

Hablo de todo esto porque la semana pasada vi un episodio de American horror story, la estupenda serie de televisión creada por Ryan Murphy y Brad Falchuk, donde aparecía Elizabeth Short y se daba una explicación coherente –empleando el juego de la imaginación y teniendo en cuenta que se trata de una historia de fantasmas- a su asesinato: deseosa de notoriedad, fue presa de los apetitos de un odontólogo, quien la mata accidentalmente. Acto seguido aparece el fantasma del desquiciado Dr. Montgomery (Matt Ross), quien pone sus talentos al servicio del involuntario homicida. La Dalia Negra fue encarnada por la joven actriz Mena Suivari, objeto del deseo de Kevin Spacey en Belleza americana (Sam Mendes, 1999).

El libro Escenarios del deseo (UNAM, 2009) reúne los ensayos expuestos durante el coloquio homónimo realizado en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional. En él destaco el de mi buen amigo Rafael Aviña, titulado Psicopatía criminal y cine: el caso de La Dalia Negra: “Sin embargo, ningún asesinato violento, ningún crimen sádico puede compararse con el caso de La Dalia Negra, ocurrido hace setenta años: Un caso único, irrepetible y atroz, que rebasa cualquier expectativa o fantasía perversa”.

No imagino qué pasaba por la mente de Elizabeth Short la mañana previa a ese fatídico 15 de enero de 1947. Sin embargo sus sueños –aunque no como los esperaba- se volvieron realidad. “El cuerpo bellísimo de La Dalia Negra se mantiene incorruptible en el deseo, la fantasía y el tiempo. Su cuerpo exánime y profanado se convirtió en un cadáver exquisito en toda la extensión de la palabra, y su hermoso rostro, fascinante y perturbador, no supo jamás de los estragos de la vejez. Si Elizabeth Short no hubiera sido sacrificada, hoy en día sería una respetable anciana de 83 años”, dice Aviña.

Asuntos pendientes (del 2011) 1

2012-01-27T12:13:00.000-08:00

Las últimas semanas he escrito sobre obras que no han sido de mi entero agrado pese a que les he reconocido incontables méritos. Llegué a preguntarme si no me estaría ocurriendo algo. El domingo descubrí, para mi tranquilidad, que había alguien que compartía mi pensar: mi amigo Rafael Aviña. A continuación reproduzco su crítica sobre Sherlock Holmes: Juego de sombras, que apareció el pasado 30 de diciembre del extinto 2011 en la sección Primera fila del diario Reforma.

Deducción que seduce

Rafael Aviña

El año pasado, el hábil cineasta Guy Ritchie consiguió levantar una flamante y exitosa franquicia con la renovada figura del celebérrimo detective del 221B de la calle Baker creado por Sir Arthur Conan Doyle en el siglo 19, interpretado por un estupendo e imparable Robert Downey Jr.

En la vertiginosa y explosiva secuela, Sherlock Holmes: Juego de sombras (EU-Gran Bretaña, 2011), Ritchie apuesta por nuevos guionistas que se apegan más a las aventuras originales de su autor primigenio y rodean el relato de un ambiente siniestro con referencias terroristas, en línea de “El agente secreto” (1907), novela del también escritor británico Joseph Conrad.

Narrada por su inseparable amigo y compañero de peripecias, el Dr. Watson, próximo a casarse, la historia se centra en los avatares del deductivo Holmes para detener a su némesis. El Profesor Moriarty.

Moriarty como un genio del mal, creado por Doyle, decidido a desestabilizar a Europa desatando una guerra mundial y especulando con la industria bélica.

Al mismo tiempo, Holmes –experto boxeador, esgrimista con el bastón y maestro del disfraz- intenta ayudar a una atractiva gitana a encontrar a su hermano, seguidor de causas anarquistas.

A medio camino entre Conrad, Conan Doyle y el vulnerable James Bond de las primeras novelas de Ian Fleming, Sherlock Holmes: Juego de sombras no alcanza el brillante paroxismo de su predecesora.

Sin embargo, se trata de un eficaz espectáculo pirotécnico de acción desbordada, con otra gran banda sonora de Hans Zimmer y buenas intervenciones de personajes secundarios, como la de Stephen Frye en el papel de Mycroft Holmes.

El filme incluye escenas de delirio puro, como ese prólogo en las calles londinenses con Holmes disfrazado como chino, la secuencia de la casa de juego, la persecución en el bosque y el escape en el tren.

Uno de los momentos clave de los relatos originales de Sir Arthur Conan Doyle, que ocurre en las cataratas Reichenbach en Suiza, se inserta aquí, en un filme que insiste más en el humor y la irreverencia.

El filme, que deja de lado la profundidad psicológica de los protagonistas, en aras de una diversión desmedida, eficaz y calculada al mismo tiempo, mantiene la atención constante y da pie a una nueva y anunciada continuación.

Muerte en la familia

2012-01-24T07:42:00.000-08:00

No recuerdo si he hablado del tema en este espacio (lo refiero frecuentemente en mis clases de Criminalística), pero la popular serie de televisión CSI: Crime scene investigation ha perdido mi interés. Reconozco que no es mala. Es producida por el experto en blockbusters Jerry Bruckheimer y por tanto su factura es impecable: destacan su estética cercana al videoclip, sus dramáticos acercamientos a pistas importantes (parodiados incluso en Los Simpson) y el famoso tema musical de The Who. La seguí con entusiasmo desde su estreno el año 2000, pero cuando vi que su protagonista Gil Grissom (William Petersen) movía de su posición original –con guantes, eso sí- un indicio antes de fijarlo fotográficamente, reparé que violaba una máxima del protocolo de trabajo en una escena del crimen. Y de eso conozco algo. “Es una serie de ficción”, pensé, “una licencia narrativa”. Pero tengamos en cuenta que una serie que tiene profundas raíces en la realidad debe seguirla rigurosamente en aras de conseguir verosimilitud. Así sus técnicas (equipos o bases de datos que no existen, por ejemplo), algunos personajes (como la asesina de las maquetas cuyo origen y motivaciones me parecen endebles), omisiones (la sordera progresiva del estelar), cambios de elenco (Lawrence Fishbourne y Ted Danson), fueron alejándome gradualmente. El pasado miércoles vi un capítulo atrasado (de su 9ª temporada) que capturó mi atención: giraba en torno a la pesquisa del asesinato de uno de sus estelares, el criminalista Warrick Brown (Gary Dourdan). Ello me hizo pensar en las causas que mueven a los artífices de una serie literaria, de televisión o una saga cinematográfica a matar a personajes mayores de sus relatos. Este, sin duda alguna, es un movimiento arriesgado porque las víctimas se convierten en seres apreciados por los espectadores, incluso pueden sufrir el hecho como cuando pierden a alguien de su familia. Si no se hace con inteligencia los efectos pueden ser nefastos: la audiencia puede dejar de seguirla definitivamente. He aquí las principales razones que identifico:

1. Necesidades argumentales. Cuando J. K. Rowling decidió asesinar a Sirius Black en Harry Potter y la Orden del Fénix (2003) arrancó el pesar y descontento de sus lectores. Pero la autora lo hizo por una razón poderosa: para que su protagonista pudiera seguir su viaje iniciático debía enfrentarse nuevamente a la pérdida.

2. Hastío. Sir Arthur Conan Doyle asesinó a su personaje más memorable en 1893. Lo arrojó de unas cataratas junto con su némesis, el profesor Moriarty, en el cuento El problema final. En muchas formas fue un acto de defensa propia. La dimensión y popularidad que alcanzó Sherlock Holmes restó importancia a sus otros intereses: la novela histórica y de ciencia ficción, lo esotérico, el ensayo y la dramaturgia. Cuando Doyle se enfrentó al disgusto de sus lectores, al reproche de la misma Reina Victoria y a la falta de respuesta a sus nuevas obras, decidió revivir a su detective. Y lo hizo espectacularmente en El sabueso de los Baskerville (1901 a 1902). La legitimidad de este crimen (asesinar a tu propia creación) es un ejercicio genuino de libertad pero es cuestionable cuando tu “hijo” se posiciona de manera importante en el imaginario de las personas.

3. Por el rechazo del público. El segundo asistente de Batman (en el mundo de los cómics), Jason Todd, no fue bien recibido por los lectores de DC comics. La solución fue someter a su opinión, vía telefónica (como en uno de los populares plebiscitos de esta Ciudad de México), el destino del nuevo Robin. El público habló. Entre diciembre de 1988 y enero de 199 la editorial publicó una serie de historias tituladas Muerte en la familia, a partir de un guión de Jim Starlin con ilustraciones de Jim Aparo, donde el joven héroe murió en una explosión a manos delGuasón.

4. Desacuerdos económicos. Hace unos meses el actor Christopher Meloni solicitó a los productores de La Ley y el Orden: Unidad de Víctimas Especialesun aumento en su salario. Éstos se negaron. Como resultado Meloni abandonó la serie. Argumentalmente se trató de justificar esto con su renuncia a la fuerza policíaca, fortalecido esto por sus constantes problemas de disciplina, con el reforzamiento de personajes secundarios y la inclusión de algunos nuevos. Grave error. Actualmente, al menos, perdió un seguidor devoto (yo). Las personas que conozco y también eran seguidores de la serie han hecho lo mismo, lo cual la coloca en riesgo. Lo mismo ocurrió con el reencuentro que propicia estas líneas. En abril de 2008 el actor Gary Dourdan, que daba vida a Warrick Davis en CSI (como ya mencioné), solicitó un incremento salarial. A los productores les resultó más barato asesinarlo (a Davis). A los pocos meses William Petersen (su mentor Grissom) abandonó la serie. Pero él corrió con mejor suerte. No lo mataron. Las palabras que éste le dedicó en su funeral fueron muy justas y pertinentes para el ejercicio de las personas que comparten mi profesión:

“Nos entrenan para decir a los deudos de las víctimas cuatro palabras: siento mucho su pérdida. Hasta hoy comprendí que significan muy poco”.

Nada nuevo bajo el hielo

2012-01-16T10:15:00.000-08:00

Es curioso que escriba estas líneas justamente hoy que John Carpenter cumple 64 años de vida.

El fenómeno de las precuelas –historias que anteceden a un relato ya popular- es algo que cada vez ocurre con mayor frecuencia en el ámbito cinematográfico. Es cuestionable porque puede interpretarse como voracidad comercial –pregunten a George Lucas si sabe algo de eso- o falta de arrojo para aventurarse con nuevas historias. Se nutren de una curiosidad morbosa del espectador y de una necesidad de conocer datos que no fortalecen algunas historias que se han convertido en auténticos mitos. El primer encuentro con el Maligno del Padre Lankester Merrin (Max von Sydow) de El exorcista de (William Friedkin, 1973) es narrado por Renny Harlin en El exorcista, el comienzo(2004) e interpretado eficazmente por Stellan Skarsgård. Su versión alterna y no aprobada por los estudios Warner para su estreno comercial, Dominion, una precuela de El exorcista, de Paul Schrader (2005), es una mejor cinta. El escritor norteamericano Thomas Harris decidió dar un origen a su célebre asesino serialHannibal Lecter en 2006 en Hannibal, el origen del mal (lo anticipaba desde 1999 en su novela Hannibal). El cineasta Peter Webber lo convirtió en un largometraje el año siguiente. Si bien los resultados con bellos, eficazmente realizados, no aportan mucho al aficionado. Hace unas semanas, con motivos de una trivia, mi amigo y cofrade Antonio Camarillo me preguntó por una buena precuela de cine de horror. Sin pensarlo respondí que The nightcomers (Michael Winner, 1971). La conocí gracias a las obsesiones de otro cofrade, Eduardo Ruiz Saviñón. No recuerdo si fue estrenada en nuestro país. Antecede los hechos descritos por Henry James en Otra vuelta de tuerca (1898), con Marlon Brandocomo el malvado y poco escrupuloso Peter Quint. Como todos saben, el Señor James nos lo presentó como un fantasma. En la cinta de Winner está “vivito y coleando”. En esa forma es más estremecedor. No desperdiciaré su valioso tiempo (ni el mío) hablando de desilusiones. Mejor me referiré a hallazgos afortunados.

Los primeros días del año vi La cosa (Matthijs van Heijningen Jr., 2011), precuela de la afamada cinta que John Carpenter dirigiera en 1982 (basada a su vez en el cuento ¿Quién anda ahí? de John W. Campbell Jr. y en la cinta de 1951 de Christian Nyby y Howard Hawks). Lo primero que me llamó la atención –y cuestioné- es que sus productores ni siquiera hubieran decidido cambiarle el nombre por La cosa: el inicio o La cosa: la llegada. Ello no es raro, porque retoma una línea narrativa –visual y escritural- ya planteada por Bill Lancaster en 1982. No es una mala película. Es un entretenimiento eficaz que aprovecha los avances tecnológicos. De hecho es la cinta que Carpenter habría hecho de disponer de esos recursos hace tres décadas. Básicamente nos narra las desventuras de los exploradores noruegos en su encuentro con la otredad de las que nos enteramos gracias a Kurt Russell y compañía, con un reparto de desconocidos –salvo Mary Elizabeth Winstead y Joel Edgerton, que son prácticamente desconocidos- y secuencias paranoicas que mucho deben a la cinta original, a la era de Douglas MacArthur y la Guerra Fría o al 9/11.

Al final, pese al sano esparcimiento y a que disfruté la experiencia, pervivió una sensación de vacío que puedo atribuir al –que he bautizado como- Síndrome del Abuelo Simpson o a que, efectivamente, no me ofreció nada nuevo. Me inclino a lo segundo.

Sombras nada más

2012-01-13T10:59:00.000-08:00

Habían transcurrido 20 minutos del metraje de Sherlock Holmes: juego de sombras (2011) cuando el desconcierto -una desazón que no esperaba- me invadió. Sinceramente no podía explicarlo. Soy un declarado admirador de su predecesora, Sherlock Holmes (2009). Unos días después de su estreno alabé el desempeño de su protagonista, Robert Downey, Jr., – pese a su nacionalidad, porque no dejo de pensar que el detective debe ser interpretado por un británico-, a su competente reparto, a la puesta en escena –sobre todo la briosa partitura de Hans Zimmer, el vestuario de Jenny Beavan y la brillante fotografía de Philippe Rousselot) y al desempeño de su director Guy Ritchie. Es obvio que el cineasta está plenamente inserto en la gran maquinaria hollywoodense, y eso no es algo malo. Posiblemente mi sentir se debía a las altas expectativas que me había formado, a que era la primera cinta que observaba en pantalla grande en este recién nacido 2012 –y deseaba deslumbrarme- o a que un gran amigo –digno de toda mi confianza- me había hablado maravillas de ella. Y tiene razón, porque de ninguna manera es una mala película. Cuenta con todos los elementos que tanto admiré en la aventura anterior. Es al guión de Michele y Kieran Mulroney al que tengo cosas que reprocharle –y muchas que aplaudirle-. Entre ellas muchas líneas afortunadas (“Observo todo. Esa es mi maldición”). La dupla escritural narra una historia original que guarda una notable relación con El problema final (1893), el cuento donde Arthur Conan Doyle mató a su personaje más memorable. Pero mejor trataré de desmenuzar mis pensamientos.

1. El desempeño del elenco es más que competente. El protagonista es eficiente –como acostumbra-, al igual que Jude Law –según yo, la cinta previa había hecho a un lado la cojera del Dr. Watson-. El actor británico Jared Harris –el malvado Dr. David Robert Jones de la serie Fringe, el Capitán Mike de El curioso caso de Benjamin Button, o el asesino serial Robert Morten de La Ley y el Orden: Unidad de Víctimas Especiales- es un James Moriarty digno, frío, malévolo y encantador. A pesar de ser un actor experimentado, Harris es un rostro relativamente desconocido. Yo hubiera deseado ver a alguien de un perfil similar al de Downey, Jr. como su antagonista –en algún momento se mencionaron nombres como Brad Pitt y Russell Crowe para el papel-. El Moriarty de la primera película, el que se ocultaba en una capa con capucha, salió a la luz. Incluso reveló su faceta de prestigiado académico, autor de “La dinámica de un asteroide”. Como en una cinta romántica, el efecto se basa en la química entre los enamorados en que se centra la historia. Sucede lo mismo en casos como el que propicia estas líneas. Todavía me pregunto si Downey y Harris proyectan suficiente encanto como rivales. Aunque insisto, quedé satisfecho.

2. Por otro lado, elegir a Stephen Fry para interpretar Mycroft Holmes fue algo muy inspirado. Al actor lo admiro desde que estelarizara Oscar Wilde (Brian Gilbert, 1997). El mayor de los Holmes es un personaje interesante, “más inteligente”, como el mismo detective reconoce. Trabaja en las sombras, en una posición nunca aclarada, “al servicio secreto de Su Majestad”. No tiene necesidad de hacer reverencias a la misma Reina Victoria. Pero sobre todo es un eminente victoriano. No lo visualizo presentándose desnudo ante una mujer, ni haciendo eco de las extravagancias de su hermano.

3. Como lo dije, la historia se basa notablemente en El problema final. Y también incluyó al Cnel. Sebastian Moran (Paul Anderson), personaje que bien recuerdan los lectores de Sir Arthur Conan Doyle.

4. La carrera armamentística, industria que creció enormemente en la Inglaterra victoriana, es la base del libreto de los Mulroney. El discurso final del villano sobre la naturaleza humana es muy revelador.

5. Algo que me encantó fue el emblemático enfrentamiento final entre los prestigiados rivales al borde de las cataratas Reichenbach, primero intelectual y luego físico. Que este último fuera detonado porque el héroe pisó intereses económicos del villano es muy relevante en esta época (la de la guerra contra el narcotráfico). Bien lo comprendió Eliot Ness: si quieres lastimar al enemigo, ataca sus bolsillos.

Para finalizar, Sherlock Holmes: juego de sombras es un filme entretenido, impecablemente realizado, pero que a la vez me dejó con muchas interrogantes: ¿cuál es el futuro del nuevo Sherlock Holmes cinematográfico ahora que ya se enfrentó a su máximo enemigo? ¿Qué reto sigue después? Todo es nebuloso.

El sueño americano convertido en pesadilla (previo)

2012-01-05T13:00:00.000-08:00

Ayer, dentro del ciclo de cine “Todos los miércoles, todo Hitchcock” del Film Club Café, tuve el placer de presentar Psicosis (1960), una de las películas más recordadas del afamado director británico. No sé si la mejor –eso puede responderlo el que haya seguido fielmente todo el ciclo-, pero definitivamente es imposible no pensar en ella cuando se habla del virtuosismo del cineasta. Es la que más me gusta de su amplia filmografía. Es una obra cercana a la perfección. Se estrenó el 16 de junio de 1960, en la ciudad de Nueva York, hace poco más de 50 años y permanece vigente en una época donde la locura se ha convertido en un evento cotidiano. Le valió un impresionante reconocimiento del público y la crítica. Fue nominada a cuatro premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográfica de Estados Unidos, incluido el rubro de “mejor director”. No ganó ninguno, aunque debió hacerlo. En 1992 ingresó al Registro Fílmico de la Biblioteca del Congreso de ese país por ser “cultural, histórica y estéticamente significativa”. Todo es curioso porque Hitchcock la realizó sin mayor pretensión que asustar a su público. Pero en más de un sentido el Mago del Suspenso –sobrenombre que la cinta robusteció- jugaba a la segura. En breve reproduciré en este espacio un texto que preparé para la ocasión. Que los Reyes Magos cumplan sus anhelos.

Retrato de un vampiro

2011-12-31T12:23:00.000-08:00

Juan Francisco López Moctezuma nació el mismo año que se estrenara la inolvidable película protagonizada por Bela Lugosi (Drácula, 1931, Tod Browning). Abandonó el mundo físico hace poco más de 15 años, en circunstancias que contrastaban con el lujo y comodidades que conoció en vida. En su faceta de Mr. Hyde fue un actor, escritor, productor y director de cine que no tuvo un justo reconocimiento en su época. Como Dr. Jekyll, fue conductor de noticieros, corresponsal en el extranjero, locutor de radio y melómano irredento. En mi adolescencia lo escuchaba como conductor del programa radial Jazz en la noche con Juan López Moctezuma de la desaparecida estación Rock 101. Su voz áspera y seductora todavía resuena en mi memoria. Muchos lo recuerdan como un loco. “Pero un loco maravilloso”, complementan habitualmente. No es difícil contradecir esto si observamos los cinco largometrajes que dirigió. El más famoso de ellos, sin duda, es Alucarda, la hija de las tinieblas (1978), esa joya protagonizada por Tina Romero, Susana Kamini, Claudio Brook y David Silva, entre muchos otros. Me aventuro a asegurar que junto con El vampiro (Fernando Méndez, 1957) y La invención de Cronos (Guillermo del Toro, 1993), es una de las mejores cintas de vampiros del cine nacional. No porque trate de la forma más conocida de estos seres. Su guión, escrito por Alexis Arroyo y el propio López Moctezuma, utiliza elementos de la novela Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu así como imaginería del Marqués de Sade y Edgar Allan Poe. La mujer como representante del mal, la religión y sus extremos, rituales orgiásticos y los significados de la sangre están presentes en una historia cautivadora, llena de imágenes oníricas y perturbadoras.

Estos datos anecdóticos son útiles para disfrutar mejor el estupendo documental Alucardos, retrato de un vampiro (2010) de Ulises Guzmán, que pude por fin ver ayer en la Cineteca Nacional de esta ciudad, en una sala casi llena. En su metraje las historias de Manolo y Lalo, dos jóvenes marcados por la marginalidad, el infortunio y la cinta más recordada de López Moctezuma, se entrelazan con la del cineasta (interpretado por Juan Carlos Colombo) en la recta final de su vida, la cual conocemos a través de los testimonios de personas cercanas a él: sus deudos (hijas y hermano), el imprescindible Carlos Monsiváis, el crítico de cine Mauricio Matamoros, el guionista Arroyo, el director de teatro Eduardo Ruiz Saviñón, miembros de su crew (como el hombre marcado permanentemente por las obsesiones del autor) y Tina Romero, la mismísima Alucarda. Todo salpicado de momentos delirantes –similares a los que vimos en la filmografía de López Moctezuma- como esa procesión en que se venera al motor del documental, la mujer desnuda que cabalga en el abandonado cine Ópera y presente en muchos momentos del relato, la expedición en busca del sitio donde se filmara la cinta original o las incontables recreaciones –muchas animadas-, todos ejecutados con pulcritud y eficacia. La cruzada de Manolo y Lalo –la de Ulises Guzmán- no es otra que la de todos los que admiramos y defendemos al género y sus artífices. Todos nos sentimos identificados con un actor –o actriz-, un director –o directora- o una película. Todos somos Alucardos.

La cinta ha merecido el reconocimiento de la crítica internacional y múltiples galardones. Pero el mejor premio –y objetivo de Guzmán- es presentar a este realizador a una nueva generación de espectadores. Y va por buen camino. Dos jóvenes diletantes del género, alumnos y amigos míos, viajaron desde Puebla para asistir a la proyección y regresaron a casa con la intención de descubrir la cinta que propició la fascinación de tantas personas.

Gracias, Ulises Guzmán, por traer de nuevo a la vida a Juan López Moctezuma con tanta fortuna. Tu pasión, la que has contagiado a muchos cinéfilos, mantendrá con vida a este divino vampiro.

A todos ustedes, fieles lectores de este espacio, gracias por acompañarme en el agonizante 2011. Que el año que llegará en unas horas sólo nos depare cosas buenas. Mi abrazo y mejores deseos.

Lo que vendrá

2011-12-27T11:13:00.000-08:00

2012 será un año interesante. No sólo por el centenario luctuoso de Bram Stoker, sino por la cantidad enorme de películas prometedoras que el internet se ha encargado de anticiparnos. He hablado de dos de ellas en ocasiones previas: La dama de negro, de James Watkins, a partir de un guión de Jane Goldman basado en la novela de Susan Hill, con Daniel Radcliffe (o Harry Potter, como todos sabemos) en el papel protagónico. La otra es Batman, el Caballero de la Noche asciende, tercera entrega y desenlace de la saga escrita y dirigida por Christopher Nolan, que sin duda se encamina a convertirse en la mejor serie de películas basadas en un héroe de cómic.

Entre el resto de títulos que ocuparán mi agenda se encuentran, en orden de interés, Prometehus, regreso de Sir Ridley Scott al universo sombrío que nos presentó en Alien, el octavo pasajero (1979). Esta cinta se encuentra, incuestionablemente, entre los diez mejores especímenes del género: es una cinta de ciencia ficción, pero también un relato de horror. De ella podría hablar horas. Hace unas semanas vi unos fragmentos de su edición en Blu ray y, a más de 30 años de distancia, me robó el aliento. No hablo de ella porque se haya especulado que la nueva aventura de Scott sea una precuela. Es cierto que su estética es similar y los diseños que H. R. Giger creara en 1979 tienen una notable influencia en el diseño de arte. Ahora con un libreto de Jon Spaihts y Damon Lindelof, Scott nos presentará una historia que ahondará en los orígenes de la raza humana y develará su parentesco con los seres que tanto temimos décadas atrás. Esperémosla en junio de 2012.

Sigue El Hobbit, un viaje inesperado, en la que Peter Jackson nos traslada de nuevo a la Tierra Media y a la imaginación de J. R. R. Tolkien. Para muchos puede perder lustre a 10 años de su laureada trilogía El Señor de los Anillos, al cúmulo de historias que han aprovechado los avances de la tecnología y a las enormes dificultades que atravesó su producción. La principal fue que el tapatío Guillermo del Toro abandonara la dirección del proyecto luego de trabajar dos años en él. Creo que esto es algo afortunado para nuestro compatriota. La mirada vigilante de Jackson y las presiones los estudios –MGM y New Line Cinema- no le hubieran permitido completa libertad creativa, pese a que el neozelandés le aseguraba incondicional apoyo y que incorporó mucha de su visión fantástica en el diseño de arte y el libreto. Este espectáculo reunirá nuevamente a personajes que conocimos previamente, como Bilbo Bolsón (Ian Holm), Gandalf el Gris (Ian McKellen), Frodo Bolsón (Elijah Wood), Saruman el Blanco (Christopher Lee), Legolas (Orlando Bloom), Elrond (Hugo Weaving), Galadriel (Cate Blanchett) y el formidable Gollum (Andy Serkis). Sigo preguntándome si el empeño de Jackson obedece a una auténtica necesidad de completar el relato o a un afán de lucrar –como George Lucas- con un producto que ya forma parte del corazón de una generación y reponerse del descalabro llamado Desde mi cielo (2009). Reservemos boletos para diciembre. Luego coloco a Los Vengadores, dirigida por el mago de la televisión Joss Whedon, cinta que reúne al dream team de superhéroes de Marvel comics. Sigo expectante por ver cómo incluirá tantos personajes de modo equitativo. Por lo pronto, cuando el Capitán América (Chris Evans) cuestiona las capacidades de Tony Stark (Robert Downey Jr.) sin su armadura, éste le responde que sin ella se limitaría a ser un genio, billonario, playboy y filántropo. Thor (Chris Hemsworth) observa la disputa y ríe disimuladamente. Eso puede enmudecer hasta a un dios. Y a cualquiera. También despertó mi curiosidad Hombres de negro 3, tercera cinta de la serie que Barry Sonnenfeld, basada en el cómic de Lowell Cunningham y con el apoyo de Steven Spielberg, iniciara en 1997. Los agentes K (Tommy Lee Jones) y J (Will Smith) regresarán en una trama que involucra viajes en el tiempo, amenazas a la Tierra y muchos extraterrestres. Podremos ver las dos ultimas en mayo del próximo año.

Remato brevemente con Frankenweenie, remake –en stop motion- del cortometraje –ya clásico- de 1984 escrito y dirigido por Tim Burton. Esta es la que más me preocupa. Si estiras demasiado una liga termina por romperse. Un cuento sustenta su efecto en la brevedad y el impacto, cosa que no siempre se puede sostener cuando se convierte en una historia de largo aliento. Veamos qué sucede en octubre.

Otro cuento de navidad

2011-12-23T09:41:00.000-08:00

La noche del pavo
Roberto Coria

Para Ofelia esa no era la feliz navidad que había imaginado. Los pleitos con sus tíos, sus cuñadas insoportables y la agitada vida social de sus amigos la obligaron a pasar la fiesta en casa, en compañía de su familia. “No siempre se tiene lo que se quiere”, pensó. Aun así decidió lucirse en la cocina. Había preparado dos tipos de ensalada, una deliciosa pasta, tres guarniciones diferentes y dos postres bajos en calorías (debía guardar la línea). En el lugar de honor de la mesa destacaba un gigantesco pavo que le tomó toda la mañana preparar. Ahora estaba recién salido del horno, mientras José (su esposo) luchaba con el corcho de la costosa botella de vino espumoso. El pequeño Pepe había dejado (a regañadientes) el sangriento videojuego y su hermana Yaris (según el acta de nacimiento se llamaba Yolanda) se despidió de sus amigas en Twitter para responder el llamado a cenar de su madre. Aún no era medianoche pero todos estaban hambrientos y querían terminar con el ritual para irse a sus habitaciones. Ofelia usó su mejor vajilla y los cubiertos de plata que le regaló su madre el día que se casó pues la ocasión lo ameritaba. Deliciosos olores saturaban el ambiente. En la sala el fuego de la chimenea y las luces del enorme cadáver de árbol (Ofelia odiaba el artificio, a pesar de sus incontables cirugías plásticas) recreaban una escena digna de una revista de decoración, de esas que compraba ansiosamente cada mes. El patriarca de la familia dio gracias al Creador (sin sentir auténtica gratitud) por el banquete y, ante el fastidio de sus hijos y la mirada complaciente de su mujer, tomó el trinche y el cuchillo eléctrico para irse directo a la pechuga de la gran ave. Todos tardaron en procesar lo que sucedió después. El pavo comenzó a temblar y súbitamente se irguió. Como lo leen. Se levantó y antes que el hombre reaccionara, le arrebató el cuchillo eléctrico y rebanó su garganta. Un chorro carmesí brotó de su yugular y salpicó a todos los presentes antes que, en medio de estertores, el padre se desplomara sobre la mesa (ensuciando el lujoso mantel). Las mujeres gritaron, horrorizadas, y huyeron hacia la cocina donde se escondieron en la alacena (que superaba en tamaño al departamento de muchas familias). Sólo el pequeño Pepe (temerario como era) se enfrentó al victimario de su padre. Cuando trató de tomar el trinche para defenderse, el pavo le hizo un gran corte en la muñeca. El niño retrocedió, al mismo tiempo que el alado saltó de la mesa. Pepe trató de parar la hemorragia con una servilleta (“al diablo lo que diga mamá”, pensó) y escrutó la habitación con la mirada, en busca de su adversario. Este surgió por debajo del mantel, hizo un corte veloz en las pantorrillas del niño, y una vez que lo derribó se lanzó con el cuchillo a su cara. En el interior de la alacena, cubiertas de sangre, desconcertadas e impotentes, Ofelia y Yaris escuchaban la masacre. Luego de un rato de silencio, Ofelia se armó de valor y, en contra de las súplicas de la joven, decidió salir a buscar ayuda. Abrió lentamente la puerta. Nada surgió a su paso (como pensaba sucedería). Por un instante pensó que todo era obra de su imaginación hasta que vio tumbado sobre la mesa al que alguna vez fue su marido y a Pepito en el suelo, en un gran charco rojo. Ahogó un grito y, sigilosamente, se dirigió a la sala para tomar el teléfono y llamar a la policía. La línea estaba muerta, justo como ella unos momentos después. De atrás del sillón, el pavo rodeó su cuello con el cable de las luces navideñas y apretó hasta que no pudo entrar más oxígeno en sus pulmones. El cuerpo inerte de la mujer se desplomó al lado del árbol que vistió con tanto esmero. En la alacena, Yaris escuchó horrorizada los últimos instantes de vida de su madre. Su cerebro no podía creer lo que estaba sucediendo. Lloró y lloró sin saber qué hacer. No supo cuánto tiempo permaneció en su escondite. Ruidos lejanos interrumpieron sus pensamientos (porque contrario a la percepción de sus padres y compañeros, sí pensaba). Aguzó el oído y distinguió gritos lejanos, genuinas muestras de miedo semejantes a las que vivió momentos atrás. También otros más fuertes que provenían de la misma cocina. Tuvo un instante de claridad y resolvió lo que debía hacer. En la semioscuridad encontró el objeto que posiblemente salvaría su vida. Salió aferrada a él, en silencio, al encuentro con su destino. Cuando sus ojos se acostumbraron a la iluminación, sintió cómo los vellos de su nuca se erizaban. El bote de basura estaba volcado y su contenido desparramado en la habitación. La puerta del refrigerador estaba entrecerrada y muchos envases y charolas yacían en el suelo. Sobre la mesa estaba el pavo. Pero lucía diferente. Sus patas no correspondían con su cuerpo (eran las de un pollo que su madre había comprado esa mañana en una tienda orgánica) y estaba concentrado en unir su cabeza a su cuerpo con la aguja y cáñamo de algodón (como hizo con sus extremidades inferiores) que usó su verdugo para amarrar sus piernas mutiladas e introducir relleno de carne y vegetales en su vientre. La chica contempló la maniobra del ave, casi hipnotizada. Ésta concluyó su improvisada cirugía y cobró conciencia que alguien lo observaba. Se volvió hacia Yaris y clavó en ella sus diminutos ojos. Se le arrojó de inmediato, salvajemente. La chica no dudó en arrojarle el polvo que contenía el frasco. El pavo retrocedió, en medio de convulsiones. Tosió (o al menos Yaris pensó que tosió) y comenzó a emitir escandalosos cloquidos de dolor. Segundos después la carne comenzó a ablandarse (como decía la etiqueta del frasco) y desprenderse de su cuerpo. Finalmente cayó inerte, ahora sí definitivamente.

Los medios dieron una gran cobertura a lo que sucedió esa navidad, pero ninguno acertó en la causa que hizo que los pavos volvieran a la vida y atacaran a sus consumidores. Algunos hablaban de radiaciones, de conspiraciones militares, de satélites que cayeron a la tierra y de las profecías mayas. Lo que era correcto es que casi todos los incidentes fueron fatales. La abuela de Yaris, tan pronto escuchó la noticia, tomó el primer vuelo de regreso de sus vacaciones en Oaxaca. Corroboró la aversión de su madre por las costumbres gringas. “Pobre México, tan lejos de Dios y tan cerca de los Estados Unidos”, le decía siempre. Cuando se reunió con su nieta la abrazó, tratando de compensarla por no estar a su lado durante el infierno que vivió. No había muchos motivos para celebrar el año nuevo, pero a pesar de ello decidió confortarla del modo que mejor sabía y aconsejaron las autoridades. Preparó un gran platón de romeritos.

No muestra demasiada piel

2011-12-22T09:26:00.000-08:00

No soy un gran admirador de Pedro Almodóvar, pero reconozco su talento y proyección. No por nada ha ganado el favor del público y la crítica especializada y recibido incontables galardones internacionales. He visto algunas de sus películas –Átame (1989), Tacones lejanos (1991) y Todo sobre mi madre (1999) son las que más recuerdo-. Fiel a sus temas y obsesiones –la sexualidad y sus conflictos, la ambigüedad de géneros, el poder femenino-, Almodóvar posee un ensamble actoral –Carmen Maura, Marisa Paredes, Penélope Cruz, Antonio Banderas, entre muchos otros-, el mérito de escribir las historias que filma y colaboradores frecuentes –el editor José Salcedo, el músico Alberto Iglesias y el cinefotógrafo José Luis Alcaine-. Todo ello hace a su cine un espectáculo disfrutable. Muchas actrices pelean por el privilegio de ser “Chicas Almodóvar”. Estudiosos de todo el mundo se han entregado a diseccionar su obra. En resumen, Almodóvar es un cineasta autor en todo el sentido de la expresión.

Hace meses leí que por primera vez iba a incursionar en el thriller y eso llamó mi atención. Me enteré que la historia giraría en torno a un “demente cirujano plástico que tenía cautiva a una mujer” y eso me atrajo aún más. Por ese momento acababa de leer Belleza roja (Fondo de Cultura Económica, 2005) de mi amigo Bernardo Esquinca y fui seguidor entusiasta (de las dos primeras temporadas) del binomio Mc Namara/Troy de la teleserie Nip/Tuck. Me recordó a esa maravilla francesa titulada Ojos sin rostro (Georges Franju, 1960). De hecho pensé que sería la base del libreto del artista manchego pero luego me leí que se basada en la novela Tarántula del escritor francés Thierry Jonquet –la cual me gustaría conocer-. Meses después –hace unas semanas- conocí el resultado: La piel que habito (2011). Diré en un inicio que es una película bien realizada. Su banda sonora –autoría de Iglesias- me recordó por momentos la que Bernard Herrmann compuso para Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960). La fotografía de Alcaine es pulcra y eficaz, lo mismo que el diseño de arte de Antxón Gómez. Sus actuaciones son competentes –el protagonista, con su cabello teñido, me recordó la inclemencia del tiempo-. Pero el resultado no me convenció del todo ni me pareció lo estremecedora y “enferma” que muchos me aseguraban. Robert Ledgard (Banderas) es un prominente cirujano plástico que atiende en su casa/clínica a una bella paciente llamada Vera Cruz (Elena Anaya). Con ella mantiene una relación ambigua. La observa obsesivamente a través de monitores y le procura todos los cuidados pero le impide abandonar –a punta de pistola- su cautiverio. Llega a auxiliarle en su cuidado Marilia (Paredes), antigua colaboradora con quien posee un vínculo especial y profundo. Aparece de pronto Zeca (Roberto Álamo), delincuente vestido de tigre que viola a la paciente y tiene un fatal destino. Sigue una historia con continuos saltos temporales, sub tramas no resueltas –ni necesarias o coherentes-, vínculos no utilizados y un desenlace que me hizo preguntarme “¿eso es todo?”. No abundo en explicaciones pues temo estropear el efecto a quienes no han visto la película. Sólo diré que no entiendo por qué Robert no concentró todo su dolor y frustración en el rostro que modeló. Eso hubiera sido realmente “enfermo”. Muchos lo justificarán diciendo que el amor y las obsesiones no son lógicos, y no puedo rebatir eso.

La piel que habito no es, según dicen los seguidores del director, la mejor cinta de Almodóvar, y posiblemente la olvide pronto. Lo que sin duda recordaré es el sismo que interrumpió la proyección (el del sábado 10 de diciembre). Ese no sólo me obligó a salir de la sala, sino a regresar el día siguiente a ver el metraje que me faltó y comprobar mi opinión.

Infame espera

2011-12-21T07:26:00.000-08:00

No puedo disimularlo. La espera me consume. Ya quiero que sea 20 de julio de 2012. La fecha caerá en viernes. Ese día estaré en el cine, seguramente en una función de medianoche, rodeado de otros fanáticos que comparten mi ansiedad por ver Batman: el Caballero de la Noche asciende (The dark Knight rises), la tercera entrega y conclusión de la saga que comenzara el talentosísimo Christopher Nolan con Batman inicia (2005) y siguiera en Batman, el Caballero de la Noche (2007). Acudiré con la completa convicción de que el cineasta romperá la infame fortuna de otras terceras partes basadas en personajes de historietas. Ahora el enemigo a vencer será Bane, personaje de identidad desconocida creado en 1993 por Chuck Dixon, Doug Moench y Graham Nolan. Su incursión en la historia del héroe obedeció a la necesidad de enfrentarlo a un nuevo rival, a un riesgo que significara un aumento en el interés de sus seguidores (con las consecuentes ganancias materiales para DC Comics). Bane es hijo de un guerrillero, oriundo del ficticio país caribeño de Santa Prisca. Creció –sobrevivió- en el brutal ambiente de la Prisión de Peña Dura, donde se desarrolló física e intelectualmente. Esto lo volvió elegible para la experimentación con una droga llamada Venom, una suerte de esteroide que aumentaba dramáticamete su fortaleza y ferocidad. No es extraño que Nolan lo haya elegido para cerrar su trilogía. Bane no sólo posee un dilema no resuelto con la figura de autoridad –su padre- sino representa todo lo que sería Batman de no haber contado con un protector sustituto y una fortuna económica. El villano será interpretado por Tom Hardy, a quien conocimos en La caída del Halcón Negro (Ridley Scott, 2001), RocknRolla (Guy Ritchie, 2008) y en El origen (Nolan, 2010). Su caracterización dista del enorme y musculoso sujeto enmascarado –muy semejante a un luchador de la AAA- que las historietas, las caricaturas y los videojuegos han popularizado. También del gigantón sin cerebro que encarnara Michael Reid MacKay en la muy terrible Batman y Robin (Joel Schumacher, 1997). Los hermanos Nolan -Christopher y Jonathan- , como ya nos han enseñado, apuestan por guiones realistas y este caso no será distinto. Los avances nos muestran a un Bane de estatura normal, a rape –como un miembro de la Hermandad Aria-, que usa una media máscara y una chamarra con forro de borrego que comete un espectacular acto terrorista en un estadio de fútbol. Creo que éste –el terrorismo- y la anarquía en un orden aparentemente idílico serán los ejes de una película que promete mucho. Cuando un barbado Bruce Wayne (Chistian Bale) pregunta qué quiere decir el cántico que escucha, recibe por respuesta una orden que todos los gobiernos temen: “levántense”. A esto hay que añadir la presencia de Anne Hathaway que interpretará a Selina Kyle/Gatúbela, quien le susurra al oído: “viene una tormenta”. Ahora la parte más difícil. A esperar.

Un cuento antes de navidad

2011-12-20T09:14:00.000-08:00

Una pequeña confusión o la chica muerta de la caja de cristal
Roberto Coria

Carta abierta a un defensor de Fred Roldán

2011-12-19T09:08:00.000-08:00

Estimado Anónimo:
Sería muy grato saber tu nombre, pues no sé si escribo esto a un producto de mi imaginación, a un extraterrestere, a un amigo de la persona que aludo en mi comentario o mejor, al mismísimo Fred Roldán. Decidí colocar esto como una entrada de mi blog porque tú expresaste tu sentir en un espacio público donde valoro la sana retroalimentación. Primeramente te recuerdo que toda opinión es subjetiva, y la tuya es el ejemplo de ello. Nunca me he erigido como el detentor de la verdad absoluta. Mi pensar se desprende de los más de quince años que tengo como investigador en los géneros de horror y fantasía –de toda una vida como aficionado- y como autor de obras de teatro que se han representado en la Universidad Nacional y en el Centro Cultural del Bosque. Yo discrepo cuando calificas a Fred Roldán como “el máximo exponente del teatro familiar (y no comercial)”. Reconozco su entusiasmo –hacer teatro en México es una labor ardua- pero critico severamente la calidad del producto que ofrece a las hordas de escolares que acuden a sus obras. En una entrevista radiofónica escuché las canciones del montaje y pienso que son totalmente irrespetuosas al espíritu de una novela –Drácula de Bram Stoker- a la que tanto debo y admiro. Sobre mi “sed del éxito ajeno”, gozo del favor de una buena cantidad de seguidores en los medios que me interesan y no necesito lucrar con la fama del Sr. Roldán. No envidio su fortuna ni su aceptación. Para rematar citaré las sabias palabras de mi abuela, “las opiniones son iguales que los traseros: todos tenemos”.
Recibe mis mejores deseos.
Roberto Coria.

Anónimo dijo...
Aunque ha pasado tiempo, quiero expresar que comentarios como los que hace este autor irresponsable solo son muestras de la sed de fama y éxito de las demás figuras contemporáneas de nuestro teatro, es indignante que diga tales cosas del máximo exponente del teatro familiar (y no comercial) en México, como lo es Fred Roldan, que fácil es tener un teclado y una computadora y refutar el trabajo de las personas con éxito nato. Porque no basa sus comentarios en encuestas del publico? o en Críticas objetivas? la respuesta es simple: porque de lo contrario su sed del éxito ajeno lo acabaría matando de soez envidia.

Verdes recuerdos de la infancia

2011-12-12T12:58:00.000-08:00

Uno de mis primeros encuentros con monstruos lo debo al Show de los Muppets. De producción británica a partir de las populares creaciones de Jim Henson, tuvo una exhibición regular entre 1976 y 1981. Entre sus invitados figuraron las principales estrellas de su momento: de Bob Hope a Tom Denver, de Roger Moore a Johnny Carson, de Mark Hamill a Vincent Price. El programa era, definitivamente, el mejor momento de muchos domingos en los que reinaba la euforia futbolística. Fue uno de los más gloriosos que transmitió el extinto Canal 13. Anunciaba el ocaso de día y el inicio de una nueva semana. Durante años los Muppets formaron parte de mi entorno inmediato, de mi familia. Por eso en mi memoria y afectos, aunque el nuevo doblaje se afane en llamarle por su nombre real, su líder siempre será la Rana René.

Muchos de los lectores de este espacio –los que pertenecen a mi generación- seguramente comparten mi opinión. Reconocer esta afición es necesario para disfrutar Los Muppets (James Bobin, 2011), cinta co escrita y protagonizada por Jason Segel quien, sin duda alguna, es un enorme admirador de estos entrañables personajes –su gozo es imposible de disimular-. La historia no es un derroche de creatividad, pues parte –como los mismos creadores reconocen- de un lugar común –salvar el teatro de los Muppets-, personajes y situaciones que conocemos ampliamente –un villano acartonado, un romance inequitativo, el anhelo vuelto realidad, el bien que triunfa sobre la maldad-. Pero su encanto recae en sus maravillosos títeres. La colorida truope que encabezaba el verde batracio ha caído en el olvido. Se ha disgregado de forma diversa. El oso Fozzie (Figaredo por estos rumbos) conduce un penoso espectáculo en Reno, Nevada, donde lucra con la popularidad que alguna vez tuvo; el Gran Gonzo es un magnate de los inodoros donde la gallina Camilla es su contadora; Miss Peggy (la Cochinita Pibil) es la editora de la versión francesa de Vogue, muy similar a Anna Wintour o a la Miranda Priestly de El diablo viste a la moda (David Frankel, 2006); el gerente Scooter (Ciriaco) trabaja en Google; el baterista Animal recibe terapia para el control de la ira donde su tutor es el comediante Jack Black. El entusiasmo del joven Walter, hermano menor de Segel y fan from hell del grupo, saca del retiro a sus ídolos para hacer un programa especial –un Muppetón- para reunir fondos para salvar su viejo hogar.

Como en el programa de televisión, los títeres gozan de una gran cantidad de actores invitados. Entre ellos están Mickey Rooney, Alan Arkin, Emily Blunt, Zach Galifianakis, Neill Patrick Harris, Whoopi Golberg y Selena Gómez, entre muchos otros. Adicionalmente posee un soundtrack robustecido por emblemáticos títulos ochenteros, en el que sobresale We built this city de Starship. Con ella de fondo construyen -reconstruyen- su sueño.
Si bien varios números musicales aletargan el relato –yo no deseaba ver a Chris Cooper, con todo y su Oscar, cantando- el efecto final se debe sin duda a la nostalgia. Los Muppets nos producen –como reconoce su protagonista- el tercer bien más preciado en la vida: alegría. Nos permiten recordar tiempos más simples y la cercanía a lo maravilloso que teníamos cuando éramos niños. Y este efecto no sólo lo causó en personas de mi edad. Los niños que poblaban la sala de cine estaban encantados. Al salir de su teatro, Los Muppets se encontraron no sólo con el reconocimiento que todos les debemos, sino con nuevas generaciones de admiradores.
La película gozó de una enorme aceptación –en la crítica y en la taquilla- en su estreno a pesar que muchos de sus artífices originales, como Frank Oz, la reprobaron. También se hizo merecedora de una posible censura por “retratar negativamente a la industria petrolera”. Como sea espero sinceramente que inyecte nuevos bríos a una popular y exitosa franquicia que posee ya un lugar en nuestro corazón.

Divino fantasma

2011-12-09T09:59:00.000-08:00

Memoria de un fantasma
Roberto Coria

Escribo estas palabras a 111 años de que Oscar Wilde, en la modesta habitación de un hotel parisino, exhalara su último aliento. Conocí uno de sus cuentos más populares, El príncipe feliz, cuando tenía 8 años, en una bella edición ilustrada que me procuró mi madre, editada y traducida al español por José Emilio Pacheco. Cuando crecí conocí y me estremecí por el genio inigualable del irlandés. Se convirtió así en uno de los autores que definieron mi amor por las letras y el arte dramático. En los albores del nuevo milenio, como un homenaje a Wilde en su centenario luctuoso, Vicente Quirarte escribió El fantasma del Hotel Alsace, obra que se montó con el auspicio de la Universidad Nacional bajo la dirección de Eduardo Ruiz Saviñón. Toda gran puesta en escena, al igual que una película o una serie de televisión, sustenta su efecto en una historia sólida y formidable. Así fue con el texto de Vicente, uno de los más bellos que he leído y presenciado. 11 años después, el talento y pasión de Abraham Feria le hicieron retomar la estafeta y nos presentó una obra solvente, que rendía tributo al planteamiento primigenio, pero que se movía con fuerza y personalidad propias. Para presenciarla había –literalmente- que descender al inframundo. En el sótano del Teatro Carlos Lazo, en un escenario austero, el director nos presentó a un Oscar Wilde decadente, con un negro sentido del humor (encarnado con gran eficacia por Gonzalo Blanco), conocedor de su desgracia pero que conservaba la vanidad del que se supo una vez “tan famoso como la Torre Eiffel”. Abraham supo explorar subtextos que el autor sugirió y lo hace de una forma agresiva y vigorosa: las preferencias sexuales y debilidades de Wilde. Su encuentro con el garçon (Diego Cuevas) representa la forma en que la sociedad victoriana –y aún en esta época- veía las relaciones homosexuales: como algo ilícito, un crimen que es mejor no mencionar. El Hada Verde del Ajenjo (Mirel García) fue en el nuevo montaje una dominatriz en diminuta ropa de cuero, que torturaba la lacerada alma y carnes del escritor. Guillermo Uribe interpretaba a un Bram Stoker sombrío, que rinde tributo a su creación más recordada, y que anuncia a su amigo el reconocimiento que está por venir. Cuestiona Wilde, “Ahora que el tiempo se me acaba”. Bram responde, “Ahora que el tiempo es todo tuyo. Ahora que el tiempo te pertenece”.
El trabajo de Abraham Feria es un decoroso homenaje a sus clásicos. Durante una mesa redonda, el joven director recordó la manera en que El fantasma orientó su vocación. Por eso, porque me siento completamente identificado con él, es un honor que haya puesto su mirada en un trabajo que yo mismo escribí, El hombre que fue Drácula. Como autor tengo la confianza que hará un trabajo espléndido con el que concebí como un homenaje al teatro y la amistad, y que el mismo Vicente Quirarte definió como “la aventura intelectual de un hombre que supo defender su insobornable vocación literaria a pesar de todos los obstáculos”.

Vampiros nada adorables

2011-12-07T09:39:00.000-08:00

En el panorama cinematográfico actual, dominado por “vampiros” que declaran su buen amor a jovencitas insulsas frente a un altar, las bocanadas de sangre fresca se agradecen. Esa fue la principal virtud de la maravilla sueca titulada Déjame entrar (Tomas Alfredson, 2008) o de la reelaboración de La hora del espanto (Craig Gillespie, 2011), cinta sin pretensiones que devuelve dignidad y malevolencia a los hijos de la noche. En esa misma línea se mueve Tierra de vampiros (Stake land, Jim Mickle, 2010), cinta post apocalíptica donde los monstruos del título son lo de menos. Fue inevitable que me hiciera recordar la muy reciente El último camino (John Hillcoat, 2009), adaptación de la novela de Cormac McCarthy y protagonizada muy eficazmente por Viggo Mortensen.

En una primera lectura, muchos de los espectadores de Tierra de vampiros podrían decir “esto ya lo he visto”. Tienen razón en cierta medida. Pero ya lo dije antes, “escribir un buen relato de horror es tan delicado como concebir un poema de amor. El éxito se logra al utilizar adecuada e innovadoramente las convenciones del género, cuando el autor es capaz de ensamblar dichos elementos, capturar la imaginación del lector y sorprenderlo”. En un futuro no lejano, muy en deuda con el de la novela canónica de Richard Matheson (no hace falta decir su título), los vampiros se han convertido en una abrumadora mayoría que lleva al colapso de las sociedades civilizadas. Los sobrevivientes se vuelven nómadas que sólo buscan su precaria subsistencia. Martin (Connor Paolo) es uno de ellos. El joven viaja con su familia hasta que una noche su destino cambia abruptamente. Tras el brutal asesinato de sus seres amados, queda bajo el cuidado de su inesperado salvador a quien sólo se refiere como el Señor (Nick Damici ), rudo cazador de vampiros que le enseña cómo mantenerse con vida en ese nuevo mundo. Ambos buscan llegar al Nuevo Edén, tierra prometida cuya existencia nadie ha comprobado. Ello demuestra una máxima: la esperanza muere al último y en la adversidad es el único alimento para seguir adelante. En su peregrinar el dúo –a quien se les une paulatinamente un variopinto grupo de personas- no sólo se enfrentan a peligros sobrenaturales sino, lo que es peor, a la maldad natural del hombre encarnada en el demente predicador Jebedia Loven (Michael Cerveris).

El guión del director Mickle y del mismo co estelar Damici tiene muchos aciertos. Toma la estructura básica del road movie, con escenarios que no son muy comunes en una película de este subgénero. Sus vampiros, muy semejantes a los zombis, tienen una notable cercanía con los que describe el folclore de la Europa central. No son seres lindos ni carismáticos. No les afectan los símbolos sagrados. Han perdido su identidad y capacidad de razonamiento, son increíblemente brutales y obedecen a un instinto primario: alimentarse. La dupla escritural propone algunas curiosidades, como que los colmillos de los vampiros son una suerte de moneda de cambio en el nuevo orden o que se pueden clasificar según la dificultad que supone exterminarlos. Al final la historia plantea un viaje iniciático, donde su joven protagonista evoluciona por la atroz experiencia. Un elenco de desconocidos (sólo en los créditos me enteré de la aparición de la otrora atractiva Kelly McGillis, interés amoroso de Tom Cruise en Top gun), efectos de maquillaje competentes pero limitados y una puesta en escena austera dan gran decoro a un relato que, espero, no genere una secuela. Porque mi amigo Miguel Ángel Arellano, en la obligatoria discusión posterior a la proyección, citó a Francis Ford Coppola en relación a la voracidad de los estudios, “hoy en día muchas películas se realizan en espera de generar franquicias”. El desenlace de Tierra de vampiros, con una vaga nota de esperanza, fue el oportuno. Ni más ni menos.
La cinta se estrenará de forma limitada en algunas salas comerciales este fin de semana, distribuida por la recién nacida Caníbal. Deseo prosperidad a la compañía y le auguro fortuna por confiar en propuestas inteligentes. Corran la voz.

Ejercicio de ocio (vampírico)

2011-12-05T11:29:00.000-08:00

¿Se han preguntado quiénes habrían sido los actores convocados si se hubiera filmado una versión de Drácula en la Época de Oro del cine nacional? He aquí mi dramatis personae:

Jonathan Harker. Pedro Infante. no se puede negar que el hombre arrastraba a las multitudes a los cines.
Arthur Holmwood. Jorge Negrete. Eso habría abierto las puertas a un dueto con Pedro.
Jack Seward. David Silva, para dar dimensión dramática al asunto.
Quincey Morris. Abel Salazar, lo que permitiría otro número musical.
Van Helsing. Andrés, Domingo o Fernando Soler. Todos eran muy buenos.
Mina Harker. Marga López.
Lucy Westenra. Miroslava.
La mamá de Lucy. Sara García.
Renfield. Germán Valdés "Tin Tán". En papeles serios era increíblemente eficaz. Y de paso, su hermano "El loco", "Borolas" y el "Ranilla" hubieran sido internos del manicomio del Dr. Seward.
Las 3 novias de Drácula. Ninón Sevilla, Yolanda Montes "Tongolele" y Rosita Quintana.
Gitanos de Drácula. Wolf Ruvinskis, Yeryé Beirute y similares.
Drácula. Carlos López Moctezuma. Mi amada Ana Luisa piensa que Ricardo Montalbán, por su aire de galán exótico. Germán Robles queda descartado por su aparición en El vampiro.
Todos dirigidos por Rafael Baledón o Juan Bustillo Oro.
Hagan su casting ideal...

La edad de los insectos

2011-12-01T12:08:00.000-08:00

Tengo el placer de conocer personalmente a muchos de los escritores mexicanos (vivos) que más admiro. La mayoría me honran con su amistad. Les debo incontables emociones y entrañables momentos. Pensé en ello ayer que llegué al desenlace de La octava plaga (Ficción Zeta, 2011), la más reciente novela de Bernardo Esquinca. Son muchos los aspectos que aprecio de su narrativa. Su prosa ágil y precisa, su respeto por autores fundamentales como David Lynch, Alfred Hitchcock o Stephen King, su gusto por la pornografía, el horror, la novela negra, el sensacionalismo y, sobre todo, la nota roja y los periódicos amarillistas. J (Will Smith) pregunta a su mentor K (Tommy Lee Jones) si busca información sobre el caso que indagan en Hombres de Negro (Barry Sonnenfeld, 1997). Por respuesta éste se dirige hacia el puesto de periódicos más cercano. Toma tres tabloides que tienen los encabezados más extravagantes e irrisorios. El novato le cuestiona sobre la seriedad de esos impresos. “Son el mejor periodismo investigativo”, responde el veterano. “Lee el New York Times si quieres. A veces aciertan”. La llamada nota roja ha sido tradicionalmente menospreciada por la sociedad, incluso dentro del medio noticioso. No sólo lucra con la desgracia ajena, sino utiliza el lenguaje más escandaloso para comunicársela a los demás. Pero si la estudiamos con cuidado descubriremos gran ingenio en el uso de las tipografías, los colores y las palabras. Todo en conjunto busca provocar el morbo del lector y, de paso, vender muchos diarios.

En este escenario se desarrolla precisamente la nueva historia que nos entrega Bernardo. Casasola (el apellido encierra ya un gran significado) es un periodista cultural caído en desgracia que acepta un empleo como reportero policíaco. Realiza esta labor sin ocultar su repudio e inexperiencia. Pero las cosas cambian cuando da seguimiento a una serie de crímenes cometidos por la misteriosa “Asesina de los moteles”.

A este drama el autor añade un elemento insólito, que nos anticipa la portada misma del libro: los insectos, esas criaturas presentes en este planeta antes que el hombre se apropiara de él. “Nosotros somos los verdaderos constructores de este planeta. Por eso nos pertenece”. Prefiero no arruinar la sorpresa, sólo diré que a sus futuros lectores que el relato me mantuvo cautivo hasta sus últimos instantes. Ellos encontrarán incontables guiños, desde la presencia de un apóstol –que se apellida como un seminal director mexicano de películas de horror- encerrado en un manicomio y que devora libros, entre ellos una edición de las Narraciones extraordinarias de Edgar Allan Poe, referencias a Richard Matheson, J. G. Ballard y Thomas de Quincey, la presencia de un inolvidable fotógrafo de nota roja, la breve mención a uno de mis cuentos preferidos del autor (el de “un entomólogo visitado por su esposa muerta”) y muchísimas reflexiones sobre la ciudad. Porque el escenario de la historia no tiene nombre; puede ser cualquier gran urbe “conformada por el material de las pesadillas”. Al final uno de sus personajes asegura: “Todos estamos en el mismo manicomio, los de dentro y los de afuera. Tan sólo nos divide un muro”.

En un post scriptum, Bernardo nos informa todas las fuentes a las que acudió en la construcción del relato –porque se nota que hizo su tarea- y el posible regreso de su protagonista. Ojalá esto suceda pronto.

Exequias para Eduardo Ruiz Saviñón

2011-11-30T08:31:00.000-08:00

La noche del pasado viernes, un grupo de devotos al teatro nos reunimos para celebrar los primeros 40 años de carrera de Eduardo Ruiz Saviñón, talentoso director escénico, niño terrible, melómano y cinéfago incorregible, incansable estudioso de las zonas oscuras del hombre. En el Auditorio Julián Carrillo de Radio UNAM, los maravillosos actores Elena de Haro, Mauricio Davison, Nicolás Núñez, Gilberto Pérez Gallardo, Gabriel Pingarrón, Simón Guevara y Guillermo Henry, así como los brillantes escritores Vicente Quirarte y Hugo Gutiérrez Vega, rodearon el cadáver exquisito del homenajeado y recordaron algunos de los momentos más ejemplares de su trayectoria. Fue un privilegio y un deleite ser orador en el acto, un funeral en vida digno del que el inolvidable poeta Manuel Núñez Nava calificó como "íncubo hematófago y necrosádico". Pedí su amable permiso a Vicente para reproducir su texto en este espacio, palabras muy justas y emotivas a un hombre al que debo mucho: el amor al arte dramático y la confirmación cotidiana que el miedo nos devuelve a ese maravilloso territorio llamado infancia.

Exequias para Eduardo Ruiz Saviñón

Vicente Quirarte

Por ello a sus exequias dolorosas

Luces han de faltar, flores y rosas

Francisco de Quevedo y Villegas

Si la poesía es infancia recuperada, Eduardo Ruiz Saviñón ha sabido y podido mantenerse fiel a los fantasmas que desde sus primeros años lo encontraron para iniciarlo y convertirlo en lo que ahora es: un cazador de sombras que anhela la claridad, un alquimista que purifica el horror para transformarlo en belleza. En su muy personal orquesta de pasiones, es un director cuyo conjunto está integrado por voces y gestos, temperamentos e inteligencias, cuerpos y almas, luces y notas que bajo su batuta apasionada y lúcida dan como resultado el hecho teatral marcado por su sello inconfundible.

En ese cada vez más lejano país llamado infancia, conocí a esos mismos fantasmas que han sido mis inseparables compañeros, de manera particular los monstruos que nacieron para él y para mí, sin que entonces nos conociéramos, en esa temporada cuando el mundo era blanco y negro, cuando cada criatura, cada grito, cada escena que corta el aliento nos llevaba a encontrar un paraguas y una máquina de coser sobre una mesa de disecciones. Todo niño se aproxima ese universo de horrores que altera su domesticidad. Escasos son, como Eduardo, quienes se afanan en demostrar que la oscuridad es otra luz.

Mi relación más profunda y gratificante con nuestro querido monstruo tuvo lugar cuando me encaminó a escribir una obra que tuviera como personaje a Oscar Wilde, en su centenario de entrada en la inmortalidad. No es una hipérbole afirmar que ese texto convertido por Eduardo en un hecho que modifica el tiempo y el espacio ha sido una de las experiencias más altas de mi vida.

Si el verdadero artista es un ser que nunca deja de jugar, Eduardo ha sido fiel a ese niño que lo habita, pero al cual ha tenido que domesticar, disciplinar. Sin dejar de ser arbitrario, pues el gran artista y el gran arte lo son y lo serán siempre, ha sabido incorporar a su sentido del espectáculo sus más arraigadas vocaciones: la iluminación, que estudia de manera obsesiva lo mismo en un tratado de arquitectura que en un concierto de rock, la música que es para él una liturgia, son tan importantes en sus obras como el trabajo de los actores, su asimilación del texto, la pausa en el momento preciso, todo lo cual contribuye a hacer del teatro una actividad colectiva e interdisciplinaria que lo lleva a establecer con su espectador una comunicación que se convierte en comunión, pues eso y no otra cosa debe de ser el teatro: transgresión de la sucia rutina y consagración del instante.

Exequias son, de acuerdo con el Diccionario de autoridades, “las honras funerales que se hacen al difunto”. Para Massimo Izzi, un monstruo es aquel “en cuyo aspecto o en cuyas pautas de comportamiento o manifestación se evidencian anomalías o variantes sustanciales respecto de la realidad natural.” Celebrar el día de hoy las exequias del monstruo es celebrar lo que se sale de la norma, aceptar en cada uno de nosotros lo excepcional. “La belleza ha de ser convulsiva o no ser”, dijo el joven clásico. Desde su Teatro Gótico, Ruiz Saviñón espanta y edifica. Hace del horror una experiencia estética. Monta la yegua de la noche y la conduce a la reincidente claridad del alba. Por todo eso hoy lo celebramos y agradecemos sus cuarenta años de hechicero, sus cuatro décadas de explorador de la conciencia humana.

Retratos de oscuridad

2011-11-29T07:35:00.000-08:00

En varias ocasiones he estado de acuerdo con populares canciones, pero pocas como la del compositor puertorriqueño Rafael Hernández: “Qué chula es Puebla”. Disfruto enormemente caminar por las calles de su Centro Histórico, de saborear su gastronomía y de encontrarme con entrañables amigos con quienes comparto estos placeres –el horror y la fantasía- que tanto defiendo. El sábado pasado ofrecí un taller dentro del X Congreso Internacional de Psicología Jurídica y Criminológica, en un espléndido salón de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla. Ante un salón poblado mayormente por estudiantes de Psicología y Criminología, hablé de crímenes reales llevados al cine. Para este fin mi cofrade Antonio Camarillo, usando una pequeña parte de sus amplios conocimientos en edición, me ayudó a preparar un video con fragmentos de cintas desde Ned Kelly (Gregor Jordan 2003), Enemigos Públicos (Michael Mann, 2009), Capote (Bennet Miller, 2005), El encierro (An american crime, Tommy O'Haver, 2007), Hollywoodland (Allen Coulter, 2006) hasta Amores asesinos (Todd Robinson, 2007) y Monster, asesina en serie (Monster, Patty Jenkins, 2003). El organizador del evento, Renato Gallardo, me comprometió a ofrecer otra charla en su siguiente emisión. Mientras llega la ocasión, comparto con ustedes el inicio y conclusión de mi disertación. Que los disfruten.

Retratos de oscuridad

Roberto Coria

Cuando los cineastas añaden la leyenda “basada en una historia real” al inicio de cualquier película, le dotan de un aura de misterio y la hacen casi irresistible. Primeramente porque despiertan la curiosidad –o morbo, si quieren llamarlo así- del espectador. Le permite convertirse en testigo y juzgador, trasponer la que la gente de teatro llama “la cuarta pared” y disfrutar, como el voyeurista, del drama que vivió otra persona. Posteriormente desde la perspectiva del deseoso de conocimiento porque, como dice la expresión popular, “el que no conoce la historia está condenado a repetirla”.

Hablar de cintas basadas en casos reales es un tema muy amplio. Si así fuera tendríamos que remitirnos a la Historia, desde los albores mismos de la cinematografía con El Acorazado Potemkin (1925) de Sergei Eisenstein, cinta!20que narra el motín!20del navío ruso del!20título hasta curiosidades como Presentando a Pancho Villa (Bruce Beresford, 2003), la cual relata los coqueteos del Centauro del Norte con la incipiente industria fílmica norteamericana. O a las biografías –bautizadas comobiopics- de importantes personalidades como Lawrence de Arabia(David Lean, 1962), Patton (Franklin J. Schaffner, 1970), Gandhi(Richard Attenborough, 1982), La Bamba (Luis Valdez, 1987), La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993), Ed Wood (Tim Burton, 1994), El aviador (Martin Scorsese, 2004) hasta Red social (David Fincher, 2010) y El discurso del Rey (Tom Hooper, 2010). Pero esas las haremos a un lado.

Haré lo mismo con los que se inscriben dentro delwestern, popular género del cine estadounidense, a pesar que muchos de sus especímenes se basan en las correrías de populares forajidos o guardianes de la ley, como Butch Cassidy y Sundance Kid (George!20Roy Hill, 1969), Los justicieros (George P. Cosmatos, 1993) o El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (Andrew Dominik, 2007). A esas tampoco las contemplaré en mi exposición.

Nos queda pues el cine de tema criminal, el cual nos compete e interesa a todos los aquí reunidos. Del héroe de mi infancia aprendí una máxima: el crimen deja cicatrices en todo lo que toca. Esto, naturalmente, se extiende a las Bellas Artes y entre ellas, obligatoriamente, al cine. Es muchas maneras es algo inevitable. Recordemos que por encima de su carácter artístico, conceptual o estético, el cine es una forma de entretenimiento. Y como la conducta criminal es una constante de las sociedades, en todas las épocas, hemos aprendido a convivir con ella. Incluso, a disfrutarla. Ese goce puede provenir de múltiples razones:

Por un placer culposo, como cuando contemplamos absortos el tabloide matinal. No olvidemos que éstos lucran con las dos pulsiones más importantes de la psique humana: eros y tanathos. ¿Qué incluye la portada y contraportada de estos periódicos? Al frente, el suceso más sangriento de la jornada. Al reverso, una mujer voluptuosa en una lúbrica semi desnudez. Thomas de Quincey, en su libro Del asesinato considerado como una de las bellas artes (1827), nos refiere a una sociedad de diletantes de la nota roja que se reunía periódicamente para discutir los más cruentos sucesos de la sociedad londinense de finales del siglo XIX, como los críticos que contemplan una pintura o una escultura. Disfrutar el cine de tema criminal puede generar malestar y remordimiento, especialmente en una época como ésta, dominada por la inseguridad, en donde el hallazgo de cadáveres y los políticos que se asesinan entre ellos es cosa de todos los días.
Porque estamos imbuidos en el aparato de procuración de justicia, donde el hecho criminal es el pan de todos los días. Psicólogos, Criminólogos y Criminalistas devoran con apetito científico estas noticias. Son parte de su objeto de estudio. En ese sentido, el gremio tiene una disculpa evidente.
Por una fatal aceptación de la realidad. En su novela La octava plaga (Ficción Zeta, 2011), el escritor Bernardo Esquinca reflexiona sobre las terribles acciones de los humanos. Uno de sus personajes, un veterano fotógrafo de nota roja, acepta con real pesimismo: “No cambiaremos, es nuestra naturaleza. La gran mayoría de los crímenes que cubrí no fueron realizados por asesinos fríos y meticulosos. Se trataba de personas comunes y corrientes, que cedieron a un arrebato de furia, provocado por celos, frustración o deseos de venganza. Cualquiera puede convertirse en asesino”.

Pero la maldad, el volverse al “lado oscuro”, no ocurre de la noche a la mañana. Es un viaje. O como diría un popular libro infantil, “una serie de eventos desafortunados”. Nadie se convierte en ladrón o asesino espontáneamente, se necesita de la confluencia de una gran cantidad de factores bio-psico-sociales. La conducta criminal es una escalada. Por ello examinaremos a diversos individuos por la modalidad delictiva que los caracterizaba. Hacerlo podría suponer un dilema por su relevancia o peligrosidad. Recordemos que todos los delitos son graves, sea el robo a transeúnte, el fraude o el homicidio. Su impacto social es aparte de la afectación que representa a quien lo padece.

¿Por qué disfrutar del cine de tema criminal? Decididamente no por hacer una apología del fenómeno, mucho menos por banalizarlo o glorificarlo. Las películas del tema son un retrato de nuestra sociedad. Dicen que la verdad duele e incomoda. Los criminales que acabamos de ver son personas comunes, como ustedes o yo. Los criminales son seres transgresores. No sólo de las leyes, sino de la moral, la ética y la religión. Representan nuestros sueños y nuestras pesadillas. Son un espejo donde todos, de una u otra manera, podemos reflejarnos.

Mandato incuestionable

2011-11-20T12:51:00.000-08:00

Ya lo dije antes, y me respaldan muchos especialistas: por cada buena película de horror hay, por lo menos, diez malas o pésimas. Ya he escrito sobre los factores que, en mi humilde juicio y experiencia, definen a estos lastimeros intentos. Pero cada que veo una resuenan en mi cabeza algunas preguntas: ¿los cineastas que hicieron esta cosa, cuando la estaban filmando, no se dieron cuenta que estaban haciendo una porquería? ¿Nadie en el equipo de producción anticipó al realizador sobre el fatal resultado? Dolores Fuller (Sarah Jessica Parker) estalla contra su aún pareja sentimental Ed Wood, Jr. (Johnny Depp) al final de la filmación de La novia del monstruo (Ed Wood, 1955) en el bioepic Ed Wood (Tim Burton, 1994). “Están todos locos. Desperdician sus vidas hacienda mierda que a nadie le importa. Sus películas son terribles”. La reputación y trascendencia que los filmes de Wood han alcanzado son incuestionables. Yo soy un gran admirador suyo. Pero algo que no podemos impugnar es que, en un prisma de realismo, sus películas son muy malas. Parte de su valor actual radica en que el cineasta las hacía con la convicción del que se sabe hacedor de una obra maestra. Pero los casos como el de él son muy pocos. Y mi amada Ana Luisa me hizo notar algo: fue hasta que tocó fibras personales cuando Dolores hechó en cara sus errores al cineasta, pues antes lo apoyaba ciegamente, incluso revisaba y aprobaba sus guiones.

Lo pensé ayer que me topé por accidente, en el recién nacido canal Pánico, con la cinta Simón dice, infamia escrita y dirigida por William Dear el año 2006 y protagonizada por el antiguo papá de Marty McFly (en Volver al futuro, Robert Zemeckis, 1985) Crispin Glover. No pienso desgastarlos –ni desgastarme- con los sórdidos detalles. Me basta con decir que es una slasher movie fallidísima, predecibe e irrisoria. Juega, sin ninguna gracia, con fórmulas conocidas –y mejor utilizadas- y con artefactos que arrojan picos de minero a diestra y siniestra. En resumidas cuentas, pésima. Lo peor es que en la portada del DVD que les presento (que encontré en la red, por supuesto, porque nunca la compraría) dice "la mejor película de horror del 2009". Evidentemente la cinta toma su título del popular juego infantil cuyo origen puede remontarse a la antigua Roma pero que conocemos por la entrañable caricatura sesentera Supercán o en los labios de Jeremy Irons en la tercera entrega de Duro de Matar (Die Hard with a vengeance, John McTiernan, 1995). Lo que al villano le faltó ordenar es “Simón dice… apaga la televisión”.

Exequias para un monstruo

2011-11-15T08:20:00.000-08:00

Y siguen los anuncios. El próximo viernes 25 de noviembre de 2011 a las 20:30 horas, en la Sala Julián Carrillo de Radio UNAM (Adolfo Prieto 133, col. del Valle) se celebrará el homenaje "Las exequias del monstruo" por los 40 años de carrera teatral de Eduardo Ruiz Saviñón. Participarán Vicente Quirarte, Martha Aura, Hugo Gutiérrez Vega, Elena de Haro, Guillermo Henry, Nicolás Núñez, Gabriel Pingarrón, Mauricio Davison, Gilberto Pérez Gallardo y su servidor Roberto Coria. Allá nos vemos.

Ecos Mórbidos 2

2011-11-14T11:14:00.000-08:00

La música ocupó los reflectores de la pasada emisión de Mórbido. Cuando tuve en mis manos el catálogo del festival, de inmediato me cautivó un texto que rendía tributo, con gran respeto y erudición, a una película que estimo entrañablemente. Pedí a su autor, el periodista y escritor Miguel Cane, su permiso para compartirlo con ustedes en este espacio. Como me lo concedió amablemente, lo publico. Que lo disfruten.

Glam Horrorock

Miguel Cane

En 1973, la carrera cinematográfica de Brian De Palma ya era bastante extensa cuando filmó esta sátira cáustica y ultrasofistiacada (y muy violenta) de la industria discográfica ostensiblemente basada en El Fantasma De La Ópera de Gastón Leroux con elementos del Fausto de Goethe, El Retrato de Dorian Gray y una fuerte dosis de glam rock.

DePalma ya había alcanzado reconocimiento con su inquietante homenaje a Hitchcock, Hermanas, que había realizado por muy poco dinero en Nueva York y estaba a unos meses de consolidar los filmes que rodó en 1974-75, Obsesión y la monumental Carrie: Extraño presentimiento, que cimentarían su carrera. Mientras tanto, su nombre hacía las rondas en los estudios, que se abrieron para ofrecerle proyectos: 20^th Century Fox le dio carta blanca para que hiciera lo que quisiera. El resultado fue un guión escrito por él mismo, con una asociación con el músico Paul Williams: un ingenioso pastiche que ágilmente mezclaba géneros como el musical, la comedia negra, el melodrama y el terror.

Para ello contó con actores con los que ya había trabajado en su obra, como William Finley o Gerrit Graham (como el amaneradísimo Beef), reservando el rol de villano sin escrúpulos para Paul Williams, un maquiavélico genio musical que responde al nombre de Swan con su imperio en la discográfica Death Records, mientras que Jessica Harper – que años más tarde alcanzaría la cima del alarido como la protagonista de la estilizadísima Suspiria, de Argento – fue la elegida para encarnar a Phoenix, pálida y temblorosa jovencita que florece en absolutamente fabulosa rockstar.

De este modo, El Fantasma del Paraíso retoma la figura arquetípica del aliado de Satán, representada en el cruel Swan, capaz de todo con tal de acumular el mayor número de discos de oro en su suntuoso despacho. En su camino se cruza el pobre infeliz Winslow Leach, talentoso compositor con problemas de autoestima, al que despoja de su obra maestra, convenientemente llamada Fausto, y manda al bote a traición. No se imagina que Leach, por un accidente brutal con una prensa de discos de vinilo, terminará transformado en un monstruo vengador.

Contemporánea de The Rocky Horror Show, que ese año hizo su debut en teatro, ésta cinta es la primera ópera rock de terror de la historia del cine, aunque en la cinta hay múltiples géneros que cuajan de forma equilibrada: De Palma se va hasta la cocina y prepara un plato espectacular que probablemente no sea del gusto de todos: lo mismo la mezcla de clásicos literarios, y otros elementos como las coreografías de Busby Berkeley, la angustia gótica de Murnau y el expresionismo alemán, así como los infaltables elementos hitchcockianos (la escena de la ducha, que maneja un tono terrorífico para luego dar un giro más bien de carcajada) y las rúbricas del propio director (su clásico travelling circular, la cámara subjetiva con largos planos-secuencia y las pantallas divididas que alcanzaría a manejar con maestría en Carrie), hacen de esto un delirante y barroco musical, que en su momento suscitó estupefacción, y eventualmente derivaría en película de culto.

No obstante, el tiempo es el mejor crítico: hoy por hoy, El Fantasma del Paraíso ha envejecido con elegancia, sostiene su colmillo mordaz, y demuestra la habilidad de su director, que captura una época de rock, excesos y maquillaje, dejándola como un tesoro negro a descubrir.

Dignificar el miedo

2011-11-13T11:06:00.000-08:00

Mañana lunes 14 de noviembre seré invitado a participar en el Festival del Horror en las Bellas Artes de la UNAM. Primeramente, de 17 a 18 horas, ofreceré la charla inaugural del evento titulada "El miedo en las Bellas Artes". Posteriormente. de 18 a 20 horas, moderaré la mesa redonda "Criaturas de la Noche, el Monstruo en la Cultura", con mis queridos amigos la escritora Norma Lazo y Pablo Guisa , director del Festival Mórbido y co conductor de la versión en podcast de este blog. Será en el Salón de Usos Múltiples del Estadio Olímpico Universitario (Auditorio de recreación), costado sur, Estacionamiento 8 (al fondo). Espero verlos allá.

Ecos Mórbidos 1

2011-11-11T10:46:00.000-08:00

¡Feliz primer siglo, Vincent Price!*

Roberto Coria

En enero de 1976 dos iconos de la cultura popular occidental se encontraron frente a frente. Uno fue un célebre títere de guante, el otro uno de los más memorables actores del cine de horror de todos los tiempos. En su calidad de anfitrión, la Rana René agradeció al invitado –en nombre propio y de todos los monstruos que conformaban el elenco del programa- su visita al Show de los Muppets. El huésped, Vincent Price, respondió con una sonrisa galante, serena: “nunca he conocido un monstruo que no me agrade”. El batracio le preguntó después sobre sus capacidades para convertirse en vampiro. “Es el epítome del arte dramático”, respondió el Mercader de la Amenaza y presumió un par de colmillos. Segundos después, René mostró unos caninos similares. “Algunos aprenden más rápido que otros”, reconoció Price. Luego el personaje se lanzó al cuello del actor, gracias a sus enseñanzas. Este diálogo anticipa el papel que Price –quien nunca antes se había puesto capa y colmillos- haría suyo pocos años después en The Monster Club (Roy Ward Baker, 1981), cinta que Mórbido seleccionó para honrarlo en el centenario de su natalicio.

Vincent Leonard Price nació el 27 de mayo de 1911 en un hogar acomodado de San Louis, Missouri. Su natural inclinación por las actuación y las artes lo llevó hasta el teatro y, posteriormente, al cine. Y le estamos agradecidos por ello. Recordar a Vincent Price es un deber para todos los diletantes del género. El actor poseía la capacidad de proyectar encanto y galantería, así como producir el más inquietante temor. Así lo demostró en entrañables películas como El museo de cera (Andre de Toth, 1953), La mosca (Kurt Neumann, 1958), La casa en la colina embrujada (William Castle, 1958) o El aguijón de la muerte (William Castle, 1959). En su enorme filmografía destaca el ciclo de adaptaciones de obras de Edgar Allan Poe, donde fue dirigido por Roger Corman. Ambos entablaron una amistad memorable. “Algunas de las mejores personas que conozco se distinguen por interpretar personajes monstruosos”, declaró Corman sobre él. Poseen un lugar especial en el corazón de muchos. La caída de la casa Usher (1960), El pozo y el péndulo (1961), El entierro prematuro (1962) y, la que para muchos es la mejor, La tumba de Ligeia (1964). La venganza fue algo que lo distinguió en su última época, sea como el músico desfigurado en El abominable Dr. Phibes (Robert Fuest, 1971) y su secuela El Dr. Phibes ataca de nuevo (Robert Fuest, 1972), o como el actor shakesperiano Edward Lionheart en El Teatro de sangre (Douglas Hickox,1973). De ella siempre atesoraré un parlamento que bien podría estar dirigida!20contra los detractores de la corriente cinematográfica que tanto amamos: “¿Qué saben los críticos de la sangre, el sudor y las lágrimas que se derraman en una puesta en escena? ¿Qué saben de la dedicación, de los esfuerzos, de los sacrificios de hombres y mujeres a la profesión más noble? ¿Qué pueden saber ellos, idiotas sin talento, que sólo escupen bilis sobre el esfuerzo de los demás, porque ellos mismos carecen de la capacidad de crear?”

Sus apariciones en otros medios fueron igualmente memorables. Comencemos por la televisión. No sólo enfrentó a Batman (Adam West) como el malvado Cascarón, sino protagonizó uno de los mejores episodios de Galería nocturna: una adaptación del cuento El regreso del brujo de Howard Phillips Lovecraft. También prestó su voz al cortometraje Vincent (1987), en el cual un joven cineasta llamado Tim Burton le declaraba su completa devoción. El protagonista Vincent Molloy, que no era otro sino el propio Burton, aseguraba que su más grande anhelo de la infancia era ser como Vincent Price. El cineasta continuó más tarde su admiración en El joven manos de tijera (Edward Scissorhands, 1990).

A diferencia de algunos de sus más brillantes personajes, Vincent encontró espacio para el amor: a la cultura prehispánica, a la pintura, a la escultura, a las letras, a la cocina, al buen beber y a tres mujeres con las que engendró dos hijos, Vincent y Victoria. Era, en el más estricto sentido del calificativo, un hombre renacentista. Por encima de ello están los afectos que cultivó, pues todos los que le rodearon afirman que era un gran ser humano.

El filme con el que Mórbido lo celebra es definitivamente una de sus más divertidos, un curioso guiño para todos los que gozamos la otredad que tan bien representó. En su parte más notable, Price hace un recuento histórico de las atrocidades que ha cometido el hombre –el mayor de todos los monstruos- antes de cantar The monster mash, famosa creación de Bobby Pickett que la agrupación que da título a la película adoptó. Mejor vínculo entre el miedo, la risa y la música, imposible.

Y sobre el tema de la presente emisión de Mórbido, finalicemos con un poco de nostalgia. Esta noche, de camino a casa, nos estremecerá su macabra carcajada, querido Maestro Price, con la que corona el video musical Thriller (John Landis, 1983). Este cortometraje, que está por cumplir su tercera década, pervive en nuestra memoria como un homenaje a su genio y como catapulta al éxito del también desaparecido Michael Jackson. Su risa sardónica, perturbadora, es imperecedera y seguramente fascinará a los cinéfilos dentro de 100 años más.

*Texto publicado en el catálogo de la cuarta emisión de Mórbido, Festival Internacional de Cine de Terror y Fantasía, celebrado en octubre de 2011 en Tlalpujahua, Michoacán.

70 mil visitas

2011-11-11T09:29:00.000-08:00

Este blog fue visitado en más de 70 mil ocasiones desde su creación en 2009. Gracias a todos por hacer de este su espacio y por la genrosidad de regalarme su tiempo. Les mando a todos un abrazo.

Devolver la humanidad a los muertos

2011-11-10T11:38:00.000-08:00

La cultura popular nos ha enseñado que un zombi, en solitario, no representa una gran amenaza, pues un hombre en plenitud de sus capacidades puede enfrentarlo fácilmente. La historia es diferente cuando se trata de varias decenas. Ahí radica el elemento más perturbador de este monstruo: una multitud de ellos significa una muerte segura. Son el equivalente a una turba de linchamiento, irracional, con quién no se puede entablar diálogo alguno. “No somos machos, pero somos muchos”, dice la expresión popular. Y estamos acostumbrados a percibir la amenaza zombi como una masa informe, sin personalidad. Acaso es curioso ver sus atuendos. “Mira, la zombi enfermera”. “Mira, el zombi trajeado”. “Mira, el niño zombi”. Sin olvidar la obligada zombi desnuda, tal como nos la presentó George Romero en La noche de los muertos vivientes en 1968.

Pero hace unos días descubrí, gracias a mi amigo Israel Rodríguez, un estupendo cortometraje que devuelve su identidad a los muertos. Se titula “Everything dies”. Este es parte del fenómeno The walking dead, la teleserie creada por Frank Darabont a partir de los cómics de Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard. Si ustedes la han seguido, recordarán que en su primer episodio el asistente de comisario Rick Grimes (Andrew Lincoln), al salir del coma y encontrarse con un escenario apocalíptico descubre, arrastrándose lastimeramente en el pasto, a una zombi partida por la mitad, en avanzado estado de descomposición. La escena le impacta profundamente. Posteriormente Rick regresa y le dispara a la cabeza como un acto de misericordia, “poniendo fin a su sufrimiento”. Bajo la dirección de Greg Nicotero, brillante artista de maquillaje convertido en productor y cineasta, el guión de John Esposito nos presenta a Hannah (Lilli Bridsell), un ama de casa común que lucha por sobrevivir –junto a su esposo e hijos- al despertar de los muertos. El trágico fin de sus días marca su breve aparición en la odisea de Rick. Su historia parecería irrelevante a simple vista, pero es un recordatorio de su paso por este mundo. Porque tendemos a olvidar que todos esos zombis que tanto nos aterrorizan en la pantalla –chica o grande- fueron personas, hijos de alguien, padres de alguien, esposos de alguien. Eso cobra relevancia en un momento donde el discurso oficial y mediático se afana en etiquetar a las víctimas de la atrocidad como “las muertas de Juárez” o “las bajas de la guerra contra el narco”. En sus últimos momentos al lado de sus seres amados, Hannah enfrenta la verdad inevitable que da nombre al corto: “todo muere”.
Ve "Everything dies"

Los verdaderos cazafantasmas

2011-11-03T12:52:00.000-07:00

Saber qué existe después de la muerte es una de las principales inquietudes de la raza humana. Han tratado de responder esta interrogante personas de las más variadas disciplinas, en todos los países, en todas las épocas. En la nuestra se han vuelto muy populares los llamados cazafantasmas, personas que han ocupado numerosos espacios en los medios de comunicación, publicado incontables libros y aparecido en igual número de programas televisivos, incluso en los dedicados a los espectáculos y “chismes” de los famosos. Sobra decir que la gran mayoría son charlatanes que investigan un fenómeno sin ningún rigor científico. Porque abordar un tema así, susceptible de la desconfianza, exige el rigor que ofrecen las ciencias exactas. Estos intrépidos personajes sólo se limitan a recorrer cementerios o casas abandonadas con una cámara con visión nocturna, haciendo evidente –a través de todo tipo de gemidos- su sobresalto en la búsqueda de lo desconocido.

Los cazafantasmas son precisamente los protagonistas de la ópera prima del joven cineasta español Carles Torrens, discípulo de su compatriota Rodrigo Cortés, a quien debemos Sepultado (2010), espléndido ejercicio de cinematografía en una sola locación –un ataúd-. Pero esa es otra historia. Carles presentó en el pasado Festival Mórbido su largometraje Emergo (2011), cinta que en un primer acercamiento rinde tributo a uno de los gimmics que popularizó William Castle en la década de los 50. La cinta se presentó en la pasada emisión del Festival de Sitges, donde fue tratada de forma desigual por críticos y la audiencia. Aquí en México fue electa como la favorita de los espectadores de Mórbido, lo que valió a su realizador el Golden Skull del festival. Y es por algo.

Con pesimismo evidente, mi querido Bernardo Esquinca dice –en labios de su personaje Casasola en su novela La Octava plaga (Ficción Zeta, 2011)- “todas las historias posibles ya están contadas; la gran condena de los literatos es que no pueden ser originales, por más que se lo propongan”. Si la intención no es innovar –en el cine de horror- la gracia de una propuesta radica en utilizar bien los elementos acotados. Así sucede en el caso de Emergo. Nos encontramos ante una historia de fantasmas, correctamente realizada sin mayores pretensiones que asustar a su audiencia. Lo logra sobradamente, hay que precisar. Su cercanía a otras películas como El proyecto de la Bruja de Blair (Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, 1999), Cloverfield (Matthew Reeves, 2008) y tantas otras le han merecido juicios injustos. La referencia más notable que suelen citar los detractores de Torrens es Actividad paranormal (Oren Peli, 2007), cinta que no acaba de convencerme por razones que he platicado en el pasado. En este caso –el de Emergo- no nos encontramos ante lo grabado por una pareja de yuppies, ni con un “video localizado” entre las pertenencias de alguien desaparecido, sino con el documento de un grupo de parapsicólogos, quienes descartan todo tipo de causas antes de aceptar la existencia de lo fantasmal. Emergo, a partir de un guión del propio Cortés, sigue pues las andanzas de tres parapsicólogos ante el llamado de auxilio de un viudo en cuyo hogar suceden todo tipo de fenómenos aterradores. Los investigadores usan la más variada tecnología –desde detectores de movimiento, sensores infrarrojos, luces estroboscópicas, termómetros, un aparato pixeleado y un larguísimo etcétera- y la acción está documentada con múltiples formas de videograbación. He ahí uno de sus aciertos. Luego están los rostros desconocidos de su reparto. Torrens reveló que Jeffrey Combs –estrella de Re-animator y actor fundamental del género- estuvo a punto de protagonizar la cinta. Esto hubiera sido emblemático, pero fue un beneficio sin duda alguna. El que no reconozcamos a los personajes otorga verosimilitud a un relato que puede ambientarse en cualquier lugar. No olvidemos parlamentos memorables: “huir de un fantasma es una gran descortesía, pues les cuesta muchísimo trabajo materializarse”. Al final, la presencia de lo extraño hace evidente la disfuncionalidad de una familia. Ahí reside justamente uno de los principales horrores que causa la cinta. Los momentos de genuino sobresalto, si bien se pueden anticipar, son estremecedores y efectivos. Me precio de no ser un novato en el tema, pero la película consiguió asustarme.

Emergo tendrá distribución comercial en nuestro país al inicio de 2012. Yo auguro a Torrens la mejor respuesta del público y en definitiva espero ver su siguiente proyecto, porque estoy seguro que no hemos visto su mejor trabajo.

Documentar el fin del mundo

2011-10-26T10:33:00.000-07:00

Terminó el drama, y ¿por qué no se adelanta nadie al proscenio a saludar? Porque sólo hubo uno que sobrevivió al naufragio.

-Herman Mellville, Moby Dick (1851)

El relato canónico de las aventuras marinas, que cité hace un instante, nos enseñó que el que sobrevive lo hace para contar la historia. Cuando analizas la obsesión del cineasta en ciernes Jason Creed (Joshua Close) por documentar el despertar de los muertos en Diario de los muertos (George A. Romero, 2008), comprendes los afanes –con un desenlace trágico- del yuppie Hudson Platt (T. J. Miller) en Cloverfield (Matthew Reeves, 2008) por videograbar el ataque de un colosal monstruo a la “ciudad que nunca duerme”: si no está en cinta, no existe. Esa es una de las premisas de la quinta aventura de la saga del hombre que redefinió la imagen cinematográfica del zombi. Al encontrarse en el centro de un suceso sin precedentes, la cabeza de un equipo de estudiantes de cine emprende su documentación sin otro propósito que dejar un testimonio de los hechos, “para ayudar a otros a sobrevivir”. Creed busca incluso, al primer respiro, un modo de conectarse a Internet para subir sus imágenes a la red, con más de 70 mil visitantes en menos de 8 minutos. Al final, su esfuerzo es vano.

La cinta de Romero puede compararse a primera vista con la estupenda [Rec] (Jaumé Balagueró y Paco Plaza, 2007), ejercicio minimalista filmado cámara en mano que da verosimilitud periodística a la repentina y desafortunada experiencia de la reportera Ángela Vidal (Manuela Velasco). Ya insistí que descartemos su secuela –por amor al zombi-. Las dos cintas son muy diferentes, pese a sus coincidencias. Mientras [Rec] sigue las acciones de un destacamento de bomberos, la cinta de Romero a un grupo de jóvenes cineastas –muy similar al mismo crew que filmó La noche de los Muertos Vivientes en 1968 o a los niños de Súper 8 (J. J. Abrams, 2011)- que pretenden hacer una B-movie sobre una momia que persigue a una bella joven. En ambos casos –en [Rec] y El diario de los muertos- se topan con la irrupción de lo extraño en su universo doméstico. Esto modifica la forma de percibir la realidad de sus personajes. Pero en la segunda historia, grabar todo –hacerlo patente al mundo- se convierte en un motivo de supervivencia. Siempre he reconocido a las películas donde sus escenas son tomas continuas y de largo aliento por toda la planeación que implican. Las dos son impecables a ese respecto. Sólo por ello merecen mi respeto.

Mientras en La noche de los Muertos Vivientes la tecnología falla y la ausencia de información certera es uno más de los factores que causan angustia en sus personajes, en Diario de los muertos la facilidad de acceso a éstas no ayudan demasiado. Tantas voces –mensajes de texto, blogs, Youtube, Facebook y demás- no hacen más que acrecentar el caos.

Romero está más que conciente de las lecturas socio-políticas de sus historias. En la que precedió a la cinta que reseño, La tierra de los muertos (2005), los zombis no son más que una metáfora de los inmigrantes centroamericanos que buscan llegar a la Tierra Prometida, atraídos por su brillo y aparente oferta de bienestar, una amenaza para la clase acomodada, instalada en su paraíso de artificio. El “zombi jefe” (Eugene Clark) es el trabajador clasemediero común, ataviado con overol y que guarda recuerdos –como en El día de los muertos (1985).- de su ocupación mundana.

En su desenlace nos enfrentamos, como en toda buena película de zombis, a un futuro pesimista. Y como advierte Robert Kirkman en su serie de cómics The walking dead –creada en contubernio con Tony Moore y Charlie Adlard, que acabo de conocer gracias a mi amigo Wilbert Dzul-, aunque llegues a un final aparente, siempre deseas más. A Diario de los muertos sigue La supervivencia de los muertos (2010), que me daré a la tarea de buscar. ¿Alguien la ha visto?

El triunfo de los zombis

2011-10-24T11:56:00.000-07:00

Más allá de cualquier malestar por la desorganización del Hallow Fest, triunfa mi felicidad por haber conocido a George Andrew Romero, el hombre que redefinió la imagen del zombi cinematográfico. Roger Corman dijo alguna vez que “los hombres capaces de proyectar los mayores horrores suelen ser las mejores personas”. Romero lo confirma. Amable y receptivo al entusiasmo de sus seguidores, se toma tiempo para hablar con ellos, apenarse por las alabanzas que le dedican e incluso para avisar cuando el flash de la cámara no se activó en la obligada fotografía. Es un hombre dos veces grande. En mi encuentro con él pude reconocerle, en un torpe inglés debido al nerviosismo, que su película me enseñó que el horror puede ser respetable. Me refería –por supuesto- a La noche de los muertos vivientes (1968), cinta que creció hasta convertirse en objeto de culto, estudiada por eruditos de la Historia, la Sociología, las Ciencias Políticas, la Comunicación y la Medicina, parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Una obra maestra del horror, en resumidas cuentas. Muchos se afanan en minimizar la trascendencia de la película y el talento de su artífice, pero a ellos puedo responder: el creador de una historia capaz de sobrevivir el paso del tiempo, que se puede estudiar desde tantas aristas, es un gran cineasta. Y lo curioso es que Romero no imaginaba el alcance de la cinta. Imagino su rodaje muy similar al del grupo de niños de Súper 8 (J. J. Abrams, 2011), alimentados por el entusiasmo y la magia del séptimo arte, conscientes del poder de la fantasía y el horror. Coincidentemente –gracias a mis queridos Samantha Patiño y Guillermo Benítez- pude ver esa misma noche El diario de los muertos (2007), quinta entrega de la saga zombi del Maestro Romero. Si el desconocimiento de las causas del despertar de los muertos era una de las principales angustias de los protagonistas de la primera cinta –y uno de sus principales aciertos-, la abundancia de información no es de mucha ayuda en esta ocasión. El Internet –con sus miles de blogs, el Facebook y el Youtube-, con sus numerosas voces, sólo contribuye al caos. El mismo caos que reinó en el Hallow Fest, del que se quejan docenas de devotos. Romero seguro se sintió en los zapatos de los personajes –no zombis- de sus películas. Ello me obliga a reprochar que una figura de su tamaño haya sido el centro de una actividad que tanto decepcionó a muchos. Si el evento hubiera estado en mis manos habría reunido a un panel de expertos –desde cinéfilos hasta epidemiólogos- para disertar sobre su obra. El zombi debió ser pues el protagonista del festival, no vampiros –charla a la que fui convocado- ni asesinos en serie. Espero que esto no ahuyente al padre de los zombis modernos y confío –como dice la canción- que habrá tiempos mejores, porque aún hay George Romero para rato.

Un drama de supervivencia a la vieja usanza

2011-10-19T09:24:00.000-07:00

Ayer inició la segunda temporada de The walking dead, la teleserie creada por Frank Darabont a partir de la serie de cómics de Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard. Esto se convirtió en un evento debido a que el zombi ha demostrado su rentabilidad como personaje de ficción. Aquí he hablado extensamente de las razones de su atractivo. El programa ha sido nominado a numerosos premios y recibido alabanzas de la crítica especializada. Muchos pueden cuestionar esto pues, básicamente, se trata de una historia que hemos visto en incontables ocasiones. Es un drama de supervivencia mil veces narrado y al que estamos familiarizados por contemplar cientos de películas de desastres. Precisamente he ahí su encanto.

La historia sigue a Rick Grimes (Andrew Lincoln) un asistente del comisario de King County, Georgia (en los cómics es del pequeño pueblo de Chyntiana, Kentucky, pero eso es lo de menos), que es herido en cumplimiento del deber y entra en estado de coma. Meses después despierta y se encuentra con un escenario apocalíptico. Los muertos caminan. Emprende entonces la búsqueda de su esposa (Sarah Wayne Callies) e hijo (Chandler Riggs), y en el camino se convierte en la cabeza de un variopinto grupo de supervivientes. Su lucha por escapar de las garras de los caminantes (¿por qué no les llaman zombis, si la cultura popular es tan poderosa?) se convierte en el eje de la trama. Una mujer dependiente de su hermana, un anciano ávido de compañía, una mujer golpeada por su marido, un par de hermanos con tendencias criminales, un nerd oriental y un triángulo amoroso crean el verdadero conflicto del programa. Los zombis (caminantes, perdón) son una amenaza siempre presente, pero sus desencuentros sólo vuelven más vulnerables a los desafortunados personajes. ¿No es esa la naturaleza humana? La serie aporta poco a la figura del zombi moderno tal como la estableció George A. Romero en 1968 y se encuentra muy en deuda con Exterminio (28 days later, 2002, Danny Boyle). De hecho podría leerse como lo sucedido en Estados Unidos en el momento del brote de esa película. Acaso puede ser fresca la idea de embarrarse con vísceras de muerto para mimetizarse entre la horda de zombis. Pero ya vimos eso en Mimic (Guillermo del Toro, 1997). Algo digno de reconocérsele es romper estereotipos. Los que parecieran desalmados vándalos hispanos son sólo otros humanos que luchan por sobrevivir. En el último episodio de su primera temporada logran llegar a las instalaciones del Centro de Control de Enfermedades de Atlanta, Georgia, y ahí enfrentan su desalentador futuro. No obstante Rick y su grupo deciden seguir adelante. Nuevamente, naturaleza humana.

En las siguientes semanas les acompañaremos en su odisea. Es curioso que escriba esto a días de conocer al mismo George Romero en el Hallow Fest 2011 y de enterarme que Zombieland, la popular película de 2009, se convertirá en una serie de televisión que pretende beneficiarse del fenómeno. Y es que, literalmente, hay zombis para todos.

Complemento taxonómico

2011-10-18T12:37:00.000-07:00

Y ahora que con la distancia de los días reflexiono sobre la taxonomía del cazador de vampiros que publiqué en este espacio la semana pasada, creo que omití dos categorías:

1. El cazador de vampiros institucionalizado, o el que es sólo el brazo ejecutor de una organización consagrada a la destrucción de los hijos de la noche. En la estupenda pero breve serie de televisión británica Ultravioleta (1998. No tiene relación alguna con la cinta de Milla Jovovich), Michael Colefield (Jack Davenport) es un detective de Scotland Yard que, ante la desaparición de su amigo Jack (Stephen Moyer de True blood), descubre la existencia de los vampiros y es reclutado por La Congregación de la Doctrina de la Fe (grupo ultra secreto auspiciado por el Gobierno de Reino Unido y el Vaticano) para detener sus planes de dominación mundial. Colefield puede clasificarse también como un cazador de vampiros involuntario. En Hellsing, la popular serie de manga (convertida luego en animé) de Kouta Hirano, la Real Orden de los Caballeros Protestantes, también conocida como la Organización Hellsing, fue fundada por Abraham Van Helsing (tras los eventos descritos en Drácula) para enfrentar el mal en todas sus oscuras manifestaciones (principalmente vampiros), de forma muy similar a la serie inglesa Demons. Y ya hablé de Jack Crow, el mercenario que recibe órdenes y fondos del Vaticano de la novela Vampiro$ de John Steakley (1990), llevada a la pantalla grande en 1998 por John Carpenter.
2. El lobo solitario. Es el cazador de vampiros que se vale de sus propios medios para la eliminación del monstruo. No suele tener aliados, ni posee ningún tipo de afiliación, ni recursos gubernamentales. Es una suerte de free lance. Incluso, como algunos personajes políticos, puede ser considerado como “un peligro” para la sociedad. Su cruzada está alimentada por motivaciones personales o teológicas. El personaje fundamental del gremio, Abraham Van Helsing, pertenece a esta categoría.

Queda complementada mi taxonomía.

Feliz no cumpleaños, Maestro Wilde.

2011-10-16T10:20:00.000-07:00

‎"En el interior encontraron, colgado de la pared, un espléndido retrato de su señor tal como lo habían visto por última vez, en todo el esplendor de su juventud y singular belleza. En el suelo, vestido de etiqueta, y con un cuchillo clavado en el corazón, hallaron el cadáver de un hombre mayor, muy consumido, lleno de arrugas y con un rostro repugnante. Sólo lo reconocieron cuando examinaron las sortijas que llevaba en los dedos". -Oscar Wilde, El retrato de Dorian Gray (1890).

Taxonomía del cazador de vampiros

2011-10-12T09:39:00.000-07:00

A propósito de Peter Vincent (Roddy McDowall en 1985 y David Tennant en 2011) recuerdo que no he hablado en este espacio del cazador de vampiros, personaje indispensable en todo relato de esta naturaleza porque es él quien pone “sazón al caldo” o, en este caso, ajo. Si todo héroe requiere de un enemigo que se coloque en el lado opuesto de la moneda y haga más evidentes sus virtudes y legitimidad de su cruzada, el vampiro necesita un contrincante a la altura de sus poderes, experiencia y sagacidad. Porque, a pesar de su naturaleza malvada, es imposible negar que nuestra atención (y a veces simpatía y solidaridad) se centra en el vampiro. Y si, seducidos por su encanto y a pesar de sus intenciones, nos colocamos del lado del monstruo, el cazador lo pondrá en los más diversos riesgos y generará la emoción indispensable en todo drama.

Debemos a muchos eruditos una aproximación a su naturaleza, porque no debemos olvidar que en la antigüedad estos monstruos representaban una inquietud y una amenaza real para las personas. Desde el Tratado sobre espectros y espíritus nocturnos (1581) del teólogo suizo Louis Lavater, el abad benedictino Dom Agustin Calmet y su Tratado sobre los resucitados, excomulgados, Upires o Vampiros, Vrykolakas de Hungría, Moravia y Silesia (1751), al capítulo que Francois Marie Arouet, mejor conocido como Voltaire, les dedicó en su Dictionnaire Philosophique (1764), o a Las cartas eruditas y curiosas (17432-1760) del sacerdote español Benito Jerónimo Feijoó y las investigaciones (la más notable, El vampiro, sus parientes y amigos, 1928) del excéntrico inglés Montague Summers, considerado como la mayor autoridad en el estudio de los vampiros en su época, la figura del cazador de vampiros se ha enriquecido a través de la literatura y, posteriormente, el cine. El conocimiento fatal de la existencia del monstruo es fortuito en muchos casos, aunque como afirma en una conferencia magistral (el capitulo 18 de Drácula de Bram Stoker, 1897) el más famoso miembro del gremio, Abraham Van Helsing, “los vampiros existen... algunos de nosotros lo sabemos por experiencia. Y aunque no hubiéramos tenido la prueba de nuestra propia desgracia, las enseñanzas y las narraciones antiguas son concluyentes para cualquier persona sensata”. Y dicen que todo depende del cristal con que se mire. En la novela La voz de Drácula (Fred Saberhagen, 1975), una apología del monstruo en primera persona, Van Helsing es presentado como un demente sádico que busca aniquilar al vampiro por envidia de sus poderes e inmortalidad.

De forma paralela al vampiro, su Némesis ha evolucionado para mantenerse a la altura de su rival. Porque después de todo, “si el vampiro es un ser oscuro, el cazador debe tener un corazón aún más sumergido en las tinieblas, de no ser así, ni siquiera hallaría el valor para enfrentar a su presa”, remarca Vicente Quirarte. Por ello, he aquí una breve taxonomía del cazador de vampiros.

1. El cazador de vampiros clásico. Más académico que hombre de acción. Posee los conocimientos para enfrentar al monstruo a través de la penosa experiencia y una vida dedicada a su estudio con la finalidad de destruirlo. Posee, necesariamente, los medios materiales para enfrentarlo (el popular kit de cazador de vampiros, con cruces, ajos, estacas y demás). Por esto, de ser necesario, requiere de “ensuciarse las manos” o, en su defecto, es la cabeza de una cofradía de valientes que ponen a su servicio sus dotes físicas, como una especie de director de orquesta. Abraham Van Helsing es el mejor representante y modelo de esta categoría. En una vena más cómica, el Profesor Abronsius (Jack McGowran) de La Danza de los Vampiros (Roman Polansky, 1967) o el Profesor Von Patoven (Von Goosewing, en su idioma original) de la caricatura británica El Conde Pátula (Count Duckula) son sus dignos herederos. Y añadamos a la larga lista de personajes de este grupo a Abraham Setrakian, creación reciente de Guillermo del Toro y Chuck Hogan en la serie de novelas Nocturna (The Strain, 2009), un judío sobreviviente de los horrores del holocausto nazi que conoció otra forma de horror en las barracas del campo de concentración de Treblinka. Setrakian se convierte en la guía de un equipo conformado por un epidemiólogo, un exterminador de plagas y un pandillero latino.

2. El action hero. Es la versión vigorosa del cazador tradicional. Además de estar versado en la naturaleza de su oponente, ha desarrollado sus capacidades físicas a niveles extremos y una actitud feroz para enfrentarlo. El fuego se combate con fuego. En Blade (Steve Norrington, 1998), Wesley Snipes interpreta al afamado personaje de Marvel Comics, quien recibe la guía del cazador Abraham Wistler (Kriss Kristofferson) y está versado en todo tipo de artes marciales. En Van Helsing (Stephen Sommers, 2004) Hugh Jackman encarna a Gabriel Van Helsing (no Abraham) un fiero servidor (sin memoria, como los caballeros) del Vaticano que enfrenta al triunvirato de monstruos sagrados de los Estudios Universal (Drácula, Frankenstein, y el Hombre Lobo), apoyándose de sus intrépidas habilidades y una parafernalia que rinde homenaje a las películas de James Bond 007. Jack Crow es un violento mercenario al servicio del Vaticano en la novela Vampiro$ (1990) de John Steakley, llevada tiempo después por John Carpenter a la pantalla grande (en 1998), donde James Woods interpreta al cazador de vampiros.

3. El cazador de vampiros involuntario. Seth Gecko (George Clooney) es un malechor que escapa, junto a su sádico hermano Richie (Quentin Tarantino) en busca de la Tierra Prometida (en la película Del crepúsculo al amanecer, Robert Rodríguez, 1996). En el camino se topan con un sanguinario clan de vampiros y emprenden el antiquísimo ritual de la supervivencia. Los hermanos Gecko no buscaban salvar a la humanidad. Las circunstancias los obligaron a luchar por sus vidas y, de paso, por las de otros. En la novela Salem´s lot (1975), Stephen King nos presenta a otro más de sus alter egos, el escritor Ben Mears, quien viaja al pueblo del título para exorcizar demonios personales y termina asumiendo el dudoso honor de encabezar a un equipo de cazadores conformado por un sacerdote alcohólico y sin fe, un doctor, un profesor y un niño contra el malvado vampiro Kurt Barlow. En la televisión Mears fue encarnado por David Soul (1979, Tobe Hooper) y Rob Lowe (2004, Mikael Salomon).

4. El cazador de vampiros práctico, o el que se ha formado por la cultura popular. Debido a que el vampiro es parte de una cultura que aún los niños conocen, todos poseemos una idea clara de sus poderes y debilidades gracias al teatro, la literatura, el cine, los juegos de rol, los cómics o el Internet. Así sucedió con el Peter Vincent de 1985, antiguo actor de cintas de horror que gracias a combatir en incontables ocasiones a los hijos de la noche en el cine se convirtió en un cazador experimentado. O está el caso de los hermanos Edgar y Alan Frog (Corey Feldman y Jamison Newlander), dueños de una tienda de cómics que poseen los conocimientos para derrotar al malvado clan de Los muchachos perdidos (Joel Schumacher, 1987).

Feliz no cumpleaños, Maestro Welles.

2011-10-10T11:28:00.000-07:00

"Sólo hay una persona en el mundo que va a decidir qué voy a hacer. Y esa persona soy yo" -Charles Foster Kane (Orson Welles) en El ciudadano Kane (1941).

Feliz no cumpleaños, Maestro Poe.

2011-10-06T22:26:00.000-07:00

Edgar Allan Poe creó mundos para eludir un mundo real. Pero los mundos que soñó perdurarán. El otro es apenas un sueño. --Jorge Luis Borges.

La pieza que falta en el rompecabezas

2011-10-04T09:33:00.000-07:00

Resulta irónico que el elemento que fortaleció y volvió memorable una mediana B movie de 1985, La hora del espanto (Fright nigth, Tom Holland, 1985), sea el más débil en su reelaboración para el nuevo milenio (Noche de miedo, Frigth night, Craig Gillespie, 2011), un remake disfrutable que tiene como virtud vindicar la figura del vampiro que tanto minó la saga Crepúsculo. Y ese elemento es Peter Vincent, el intrépido cazador de vampiros. Ya mencioné que fue interpretado en su momento por el veterano Roddie McDowall como un homenaje a Peter Cushing, Vincent Price y las cintas de la casa Hammer. Ahora le da vida David Tennant, actor escocés que se distingue por haber interpretado al Dr. Who y al demente “Barty” Crouch en Harry Potter y el cáliz de fuego (Mike Newell, 2005). Su Peter Vincent ya no es un actor decadente que presenta viejas películas de horror en la televisión, sino un mago (tipo Criss Angel, “Mindfreak”) de un espectáculo de Las Vegas, extravagante, alcohólico, atraído por la figura del vampiro (posee una impresionante parafernalia relacionada con los hijos de la noche) porque sus padres fueron muertos por uno. Creo que ese es su principal error. En el guión de Tom Holland (el de 1985) su encanto radicaba en el súbito conocimiento que el universo ficticio que le dio popularidad por años era una terrible realidad. Tenía entonces que vencer sus miedos y hacer frente al monstruo, armado por la experiencia que ganó a lo largo de los años en el cine.

Por lo demás, la cinta funciona muy bien. La acción inicia inmediatamente (a diferencia de su predecesora), su escenario es verosímil y posee actuaciones competentes, comenzando por su malvado protagonista Jerry (Collin Farrel), una presencia que proyecta la energía sexual y malevolencia inherentes al personaje. Cuando el valiente Charlie Brewster (Anton Yelchin) intenta rescatar a su desafortunada vecina Doris (Emily Montague) de la casa del vampiro, se ocultan a escasos metros de él. En ese punto me dije “si no se ha dado cuenta de su presencia, me va a decepcionar”. Escapan afortunadamente, indemnes en apariencia. Pero al poner un pie en el exterior, la chica estalla y se convierte en un montón de cenizas (se ha transformado en vampiro) mientras en el interior Jerry, sonriente, se regodea en lo inútil del esfuerzo del chico. Esa es la esencia del vampiro. Es como un gato que se divierte con el temor del ratón. Se encuentra a la cabeza de la cadena alimenticia. Ya lo aclaraba en una conferencia magistral el vampiro Weyland (en la novela de 1980 El tapiz del vampiro, de Suzie McKee Charnas), “en la naturaleza, los depredadores no se permiten el lujo de esas tristezas y melancolías románticas que los seres humanos les atribuyen”.

Pero regresemos a la cinta que nos ocupa. Al terminar de verla me sentí satisfecho pero con una sensación semejante a cuando terminas de armar un gran rompecabezas y te das cuenta que te falta una pieza para completarlo. Cuando terminas de lamentarte, te enfocas en el siguiente. Así, confío que será la primera de una serie de cintas que nos devolverán al monstruo que tanto admiramos.

¿Las segundas partes (literarias) pueden ser buenas?

2011-09-30T09:56:00.000-07:00

Siempre he tenido opiniones enfrentadas por el trabajo de Stephen King. Su posición en el género horrorífico es indiscutible aunque a veces, como bien afirma mi querido amigo Ricardo Bernal, es “el equivalente a una Big Mac con queso”. Es autor de novelas entrañables (sobre todo en su primera época), como Carrie (1974), Salem´s Lot (1975, bautizada en estos rumbos como La hora del vampiro), Cujo (1981), Christine (1983) y El ciclo del hombre lobo (1983), entre muchísimas otras. Es también uno de los escritores más llevados al cine: entre los responsables de traducir sus pesadillas a la pantalla grande destacan nombres como Stanley Kubrick, Brian De Palma, Tobe Hooper y Frank Darabont, que de ninguna manera son novatos en su oficio. Lo que más disfruto en tiempos recientes son sus cuentos, contenidos en antologías como Pesadillas y alucinaciones (1993) y Todo es eventual (2003). Y siempre será digno de mi reconocimiento su ensayo Danza macabra (1981), un erudito estudio del tema en la cultura occidental, de la misma forma en que lo hiciera Howard Phillips Lovecraft en El Horror sobrenatural en la literatura (1927).

Ahora King anunció, durante la ceremonia en que la Universidad George Mason le entregaba un merecido reconocimiento, que actualmente escribe la secuela de una de sus novelas más populares, El resplandor (1977), obra que aglutina algunos de sus temas más recurrentes (el escritor como personaje, el niño con facultades paranormales, la presión que convierte a un hombre bueno en malvado, la familia promedio enfrentada a lo sobrenatural, los lugares –casas u hoteles- que poseen una infame memoria). De todos sus trabajos la novela es uno de mis favoritos. Como dije antes, Stanley Kubrick la llevó al cine en 1980 y Mick Garris la transformó en una miniserie en 1997. Stephen Jones y Kim Newman la colocan en el lugar 77 en su libro Horror 100 best books (Carrol & Graf, 1998). En él Peter Straub, talentosísimo escritor estadounidense y compañero de King en muchas batallas, califica la novela como “una obra maestra”. Y Peter Straub es digno de todo crédito.

Cuando reproduje la noticia en mi muro de Facebook recibí comentarios entusiastas. Otras personas, como yo, tienen serias dudas. La máxima “las segundas partes nunca son buenas” no se cumple todas las ocasiones. Lo confirman, en el terreno del cine, Francis Ford Coppola con El Padrino, parte 2 (1974) o Christopher Nolan con Batman, el Caballero de la Noche (2008). Sucede algo distinto en la literatura, donde los resultados suelen ser catastróficos. Así pasó, por ejemplo, con la abominable continuación Drácula, el no muerto (Dacre Stoker, 2008), donde el heredero del afamado autor irlandés traiciona la obra canónica del vampirismo.

Me asaltan algunas preguntas. ¿Stephen King decidió retomar una de sus historias más afamadas para capitalizar su éxito? ¿Todo es por voracidad mercantilista? ¿Obedeció a un genuino impulso creativo? ¿Será tan buena como la novela original? King reveló que el texto se centrará en Danny Torrance, ahora un adulto que conserva sus poderes psíquicos y lucha con el terrorífico recuerdo se su célebre estancia en el Hotel Overlook. También que se enfrentaría a vampiros. Sólo podemos esperar y desear lo mejor. Que King no comulgue con los vampiros de Crepúsculo, es un buen inicio.

Píntalo de negro

2011-09-28T09:55:00.000-07:00

Casi acaba el mes patrio. Antes de que eso ocurra debo platicar de una de las aportaciones, en el terreno de las letras mexicanas, más relevantes de este año. Se trata de la novela Hielo negro de mi buen amigo Bernardo Fernández Bef, compañero de muchas batallas y hombre con el que comparto muchas pasiones (la literatura, los cómics, la ciencia ficción, el cine de horror). Él me invitó a presentar el libro el pasado domingo en la Feria del Libro de Reforma. Fue especialmente significativo que nos encontráramos casi al pie del Ángel de la Independencia, porque leer –sea cual sea el tema que nos encante- nos hace libres.

“El bien no hace gran literatura”, afirma mi querido Vicente Quirarte. Lo compruebo cada mañana que las noticias me recuerdan hechos lamentablemente cotidianos como las ejecuciones en el norte del país, las decapitaciones, los entierros clandestinos, la corrupción en todos los niveles y, sobre todo, el narcotráfico. Precisamente en este submundo (que ya no es tan subterráneo) se sitúa la historia de Bef. El tema no ha sido indiferente para el quehacer artístico nacional, como demuestra la narrativa de Elmer Mendoza o el teatro de mi querido Alejandro Almazán. El mismo Bef ya lo había explorado en Tiempo de alacranes (Joaquín Mortiz, 2005), obra que no sólo obtuvo el reconocimiento del público, sino el Premio Nacional de Novela Otra vuelta de tuerca –convocado por el Instituto Queretano de Cultura y CONACULTA- y el Premio Memorial Silverio Cañada a Mejor Primera Novela Policíaca de la Semana Negra de Gijón en el 2006. Y ahora Hielo negro le valió el Primer Premio de Novela Grijalbo. Los tres premios son más que merecidos.

Desde sus primeros momentos –el asalto de un comando armado disfrazado de gorilas a una farmacéutica- el relato, muy cercano al cómic, al realismo mágico y a las películas de Robert Rodríguez, atrapa sin tregua al lector. Narra el choque de dos trenes a toda velocidad. Por una parte, en la cara luminosa de la moneda, se encuentra Andrea Mijangos, una ruda agente de la Policía Judicial capitalina. Ella es una mujer enorme, de facciones bellas, que anda en una motocicleta –en solitario, como todo gran héroe- y es muy mal hablada. En el otro extremo está Elizabeth “Lizzy” Zubiaga, líder del ficticio Cártel de Constanza, mujer atractiva –toda una femme fatale-, con aspiraciones artísticas y extremadamente peligrosa. Ella busca desarrollar el Hielo negro del título, el “Santo Grial de las anfetaminas”. Básicamente es una historia de venganza, ese “platillo que sabe mejor frío”, como decían los Klingon. En el proceso Bef –porque hizo su tarea- retrata lo mejor y lo peor de la Procuraduría de Justicia de la capital del país –y en general de las instituciones dedicadas a la impartición de justicia del país-, con sus deficiencias, sus vicios, su corrupción indignante, su lenguaje florido, pero sobre todo con la auténtica capacidad, honradez y vocación de muchos de sus elementos –que por fortuna los habemos-.

En el relato brillan personajes que se encuentran a la altura de los más destacables de El complot Mongol de Rafael Bernal, o a los que nos presenta Paco Ignacio Taibo II en la saga de Héctor Belascoarán Shayne: El Járcor, el compañero –o “pareja”- de Andrea; el Bwana, peligroso sicario y, mi favorito, El Médico, químico en jefe del Cártel de Constanza, auténtico sociópata que viste traje negro y usa sombrilla y bombín.

En víspera de la presentación leí una crítica que apareció en la Revista Letras Libres, injusta y severa, a diversos aspectos de la obra. Precisamente ellos, antes de recibir cualquier influencia, fueron los que me hicieron disfrutarla: la alternancia de las voces narrativas, su lenguaje desenfadado y que escuchamos todos los días o ese capítulo –el cuarto- que reproduce –fielmente- el frenesí de un adicto bajo los efectos de estimulantes del sistema nervioso central. Cuando dije que Bef hizo su tarea, lo hizo muy bien a este respecto.

Y remataré con aspectos personales, si atendemos a la máxima de que toda obra de arte posee un carácter autobiográfico. El hermano de Andrea es dibujante de cómics, como el mismo Bef, y es admirador de Linterna Verde, Batman y el Hombre Araña –como Bef-. Su fascinación por la cultura pop es evidente, como su afición por las novelas de Stephen King y piezas musicales que marcaron a muchos, desde Miguel Bosé y Joaquín Sabina a Metallica, Ministry y Tom Waits.

Sólo puedo concluir con mi más grande enhorabuena a Bef en espera que muchas personas comprueben cuanto he dicho y, sobre todo, que llegue pronto su próxima novela. Porque su mejor trabajo, estoy seguro, aún no ha sido publicado.

Asuntos pendientes, o de changos y vampiros.

2011-09-27T09:09:00.000-07:00

El trabajo es grato, necesario (para algunos) y cruel, porque a veces te aleja de lo indispensable. Entre los pendientes de este blog hay dos críticas aparecidas en la sección Primera Fila del Periódico Reforma los viernes 2 y 9 de septiembre, respectivamente, ambos de Ernesto Diesmartínez. Hablan, con justicia, de dos películas que disfruté enormemente. Los dejo aquí, para su consideración.

Toma chango tu planeta

Ernesto Diesmartínez

Esta es la historia de un científico irresponsable que por no soportar los cambios en su vida, cambió el mundo entero. Esta es la historia de un esclavo que, ¿habrá leído a Camus?, ha aprendido que para rebelarse hay que decir que no.

Se trata de El planeta de los Simios (R)Evolución (Rise of the Planet of the Apes, EU, 2011), la esperada precuela de la clásica cinta de ciencia ficción de 1968 protagonizada por Charlton Heston.

Aunque podría alegarse que esta película es una re-elaboración de la cuarta entrega de la saga original, la B-movie La conquista de el Planeta de los Simios (Thompson, 1972), el capcioso guión de Rick Jaffa y Amanda Silver replantea toda la historia como si sólo hubiera existido el primer filme –al que se cita, ingeniosamente, por cierto, en más de una ocasión.

Así, el origen de la rebelión simiesca se explica por cierta droga experimental que el joven científico Will Rodman (James Franco) ha creado para curar el Alzheimer de su anciano padre gagá (John Lithgow).

Cuando Will administra esa sustancia a Caesar, un pequeño chimpancé que ha criado/adoptado como hijo/mascota, el simio de marras resultará un ser más inteligente que toda nuestra clase política junta.

En la segunda parte seremos testigos, entonces, de la rebelión de Caesar en contra de nosotros, los (in)humanos que irresponsablemente decidimos sobre todo aquello en lo que no tenemos derecho.

La revolución de estos peludos secuestrados/torturados/desposeídos se convertirá en un emocionante espectáculo visual, sin que en ningún momento se pierda el origen moral de la rebelión. Si le dimos a Caesar una conciencia, ¡por qué nos extrañamos que la use?

Sin duda, parte de su éxito radica en la captura digitalizada del movimiento, la tecnología a través de la cual Andy Serkis encarna al complejo, orgulloso y resentido Caesar, el personaje más interesante de la cinta.

Estamos ante la más reciente generación de efectos especiales y el uso de ellos impresiona de verdad. Pero esta tecnología sería nada sin el talento de Serkis, quien ha creado un personaje genuinamente carismático. De una vez advierto: si Serkis no es nominado al Oscar, eso sí sería una auténtica “changadera”.

Vampiros como Dios manda

Ernesto Diesmartínez

Al inicio de Noche de miedo (Frigh night, EU-India, 2011), palomero remake de la bien recordada cinta ochentena La noche del espanto (Holland, 1985), los otrora mejores amigos Ed (el inolvidable “McLovin Christopher Mintz-Plasse) y Charlie (Anton Yelchin) empiezan a discurrir por qué Charlie no cree que su nuevo vecino Jerry (Colin Farrell), sea un vampiro, como lo afirma histéricamente Ed.

En cierto momento de la discusión, Ed le dice a Charlie que sí, que Jerry es un chupasangre, una criatura de la noche, un depredador feroz y sin entrañas, nada que ver con los vampiros ñoños y romantocoides de la saga para féminas adolescentes Crepúsculo (2008-2012).

Y, en efecto, lo más refrescante de Noche de miedo es ver, de nuevo y en pantalla grande, un vampiro hecho y derecho: Collin Farrel exuda seguridad, fuerza, sexualidad y peligro. Nada de besitos en la mano ni miraditas románticas: este vampiro va por sangre, mujeres y cuellos.

La trama, adaptada por la especialista Marti Noxon (productora/guionista de innumerables capítulos de Buffy, la Cazavampiros/1997-2002), permanece fiel en líneas generales a la historia original, aunque aquí la acción empieza casi de inmediato, pues el vampiro de Farrell es poco sutil: tiene prisa y no se anda por las ramas.

La elección de Las Vegas para la ambientación de este refrito es inspirada. ¿Cómo no se le ocurrió a nadie antes? En Las Vegas hay mucha población flotante, la gente sale de los casinos de noche y luego duerme durante el día: el lugar perfecto para que un vampiro se alimente como Dios manda.

También el reparto de esta nueva versión es muy bueno, incluso mejor que el del filme original, a excepción del personaje clave del “mata-vampiros” Peter Vincent, interpretado en 1985 por Roddy McDowall y en esta versión por David Tennant.

No es culpa de Tennant, pero su personaje es el más apagado de todo el filme. En lugar de ser un viejo actor de películas de vampiros, el nuevo Peter Vincent es un vulgar, grosero y alcohólico “ilusionista” que tiene un chatísimo espectáculo “vampiresco” en algún casino de Las Vegas.

Por todo lo anterior, resulta ser mala competencia para el encantador McDowall, que terminaba robándose la película de 1985. Aquí, la verdad, Tennant hasta estorba.

La visión de los vencidos

2011-09-20T11:09:00.000-07:00

La emoción inunda el aire. Hoy inicio mi nuevo curso sobre vampiros en el Centro Nacional de las Artes. Pero aún hay tiempo de finiquitar asuntos pendientes.

El reinicio –o reboot- de una franquicia cinematográfica se debe a dos razones fundamentales: porque en otro momento demostró ser un negocio redituable para los grandes estudios o porque cayó en desgracia (y de la gracia del público). En ese sentido es una especie de deslinde de responsabilidades, como ocurrió con la fallidísima Spiderman 3 (Sam Raimi, 2007). En el mejor de los casos porque su historia tiene lecturas inagotables, dignas de explorarse en la época actual. Así sucede con la espléndida novela del francés Pierre Boullé, El Planeta de los Simios (1963), la cual fue llevada con maestría –aunque estaba muy lejana del relato original- por Franklin J. Schaffner en 1968. Sobra decir que la cinta es indispensable para todos los amantes de la ciencia ficción (que desprendió secuelas, series de televisión y un remake) y un referente en la cultural popular que ha sido homenajeada –incluso- por la familia Simpson. La obra de Boullé critica notablemente la estructura de la sociedad occidental a través de una especie muy semejante al hombre (los primates del título), del mismo modo que George Orwell lo hiciera años antes en Rebelión en la Granja (1945). Tras su colorida alegoría, realiza una sentencia que tiene mucho sentido (lamentablemente) para la especie animal: “todo lo que camina sobre dos pies, es enemigo”.

Esto podría aplicarse a El Planeta de los Simios: (R)evolución (Rise of the planet of the Apes, Rupert Wyatt, 2011). La cinta puede leerse como una precuela de la historia (fílmica) original, pero a la vez es un reinicio. Narra el drama de Will Rodman (James Franco, más lúcido que en la pasada entrega del Oscar), un científico de la farmacéutica Gen-Sys quien trata de desarrollar una cura contra el Mal de Alzheimer (de la cual se beneficiaría su propio padre). Pero no todo es noble. El camino al infierno está pavimentado de buenas intenciones, dice siempre un querido amigo. Como sucede en el desarrollo de muchos medicamentos y productos para el consumo humano, las compañías realizan pruebas preliminares en animales, en este caso en chimpancés. Luego de administrar el fármaco en la bella Ojos Brillantes, Rodman advierte un prodigioso aumento en su inteligencia. Pero súbitamente la chimpancé entra en un frenesí que obliga a sus captores a sacrificarla y terminar la investigación. Luego Rodman advierte la causa del arrebato: sólo quería proteger a su cría, un pequeño chimpancé al que el científico bautiza como César y que, en apariencia por remordimiento pero más maravillado porque su madre le transmitió su intelecto superdesarrollado, toma bajo su protección. César crece y advierte las enormes diferencias entre él y los humanos. “¿Soy una mascota?”, le pregunta a Will, su “padre”. La incomprensión del hombre lo lleva al encierro. Ahí se da cuenta de la opresión de que su especie es objeto, como el maltrato del malvado cuidador Dodge (Tom Felton, alias Draco Malfoy en la saga de Harry Potter). “Simios estúpidos”, le dice a César el sabio orangután Maurice (en lenguaje de señas) al ver el sin sentido en que viven sus congéneres. Se da cuenta del poder que pueden tener si están unidos, y lo demuestra con lo difícil que es romper un puñado de ramas. Así, César les administra la droga y comienza la revolución.

Uno de tantos aciertos del libreto de Rick Joffa y Amanda Silver es hacer evidente que los simios (al igual que ningún animal) no son malos. Ese sentimiento es exclusivo del hombre. César no busca vengarse, sino rescatar a los suyos del zoológico de San Francisco y del laboratorio para refugiarse en un santuario. Cuando un gorila está a punto de atacar a un policía indefenso, César lo detiene, a pesar de que éstos tienen órdenes de matarlos. Minutos después el mismo gorila da su vida para proteger a su líder, acto genuino de lealtad y heroísmo. Los simios no buscan diseminar la droga (que tiene efectos mortales en los humanos) que eventualmente asegurará su lugar como la especie dominante del planeta.

La cinta tiene muchos guiños para los aficionados. No sólo el protagonista principal (que de ninguna manera es James Franco) tiene el mismo nombre que llevara Roddy McDowall en La conquista del planeta de los Simios (J. Lee Thompson, 1972) y Batalla por el Planeta de los Simios (Arthur P. Jacobs, 1973), hijo de Cornelius (el mismo McDowall) y Zira (Kim Hunter), personajes fundamentales de la cinta original (la de 1968). César aparece armando un modelo a escala de la Estatua de la Libertad. Conocemos también una noticia televisiva sobre el viaje espacial de la nave Icarus (la misma de Charlton Heston). Y el guiño más notable: la línea “¡Quítame las garras de encima, simio inmundo!” ahora en voz de Felton, cuyo destino debió tener su más notorio papel. Y hay más. La escena donde el poco escrupuloso Jacobs (David Oyelowo) entra a su compañía, no dejó de recordarme a Los pájaros (1963) de Alfred Hitchcock.

En apariencia el primer aspecto que brilla en la película son los elaborados efectos de Weta digital, la compañía de Peter Jackson. De hecho es la primera cinta de la serie que los usa (en todas sus anteriores los simios fueron encarnados por actores maquillados). De ellos el más notable es César, al que da vida el actor Andy Serkis (el mismo que hiciera al Gollum en El Señor de los Anillos y al gigantesco King Kong, ambas del propio Jackson) gracias a la técnica llamada Motion capture. Se habla incluso de una nominación al Oscar para Serkis por su excepcional trabajo. A pesar de lo sorprendentes que resultan, los efectos están al servicio de la historia, no son su sustento.

Más allá, la historia tiene relevancia en una época en que por más que se defiendan los derechos de los animales continúan ocurriendo grandes atrocidades. Es inevitable ligar a esto una lectura política, de opresión y, por qué no, un mensaje sobre la paternidad responsable. Al igual que la criatura de Frankenstein, César no pidió ser dotado de intelecto y conciencia. Al final triunfa la irracionalidad del hombre y ésta lo conduce irremediablemente a su exterminio. Todo lo anterior, como dijo alguna vez mi amigo Rafael Aviña, en una cinta deslumbrante de principio a fin.

De esta cinta seguiré hablando en la versión podcast de Horroris causa con mis cofrades Pablo Guisa, Antonio Camarillo y mi buen amigo Carlos del Río. Ahí nos escuchamos.

La pesadilla interminable

2011-09-12T10:52:00.000-07:00

No tenía intención de escribir sobre el tema, pero no puedo evitarlo. Prácticamente todo el pasado fin de semana, la televisión revivió los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. El recuerdo es imborrable. Todos podemos relatar lo que hacíamos en ese momento al enterarnos de la noticia (yo acababa de llegar a mi entonces oficina en los Servicios Periciales de Iztapalapa cuando José Gutiérrez Vivó dio la nota en el desaparecido noticiero Monitor). A lo largo de los años hemos visto cientos de veces las imágenes de los dos aviones estrellándose contra las torres del World Trade Center. Hemos visto idénticas ocasiones el espectacular incendio que causó en ellas, con docenas de personas arrojándose al vacío desde los pisos superiores para escapar de las llamas. Hemos visto los dos edificios colapsarse en medio de una gigantesca nube de polvo y escombros. Conocemos, gracias a la impresionante cobertura que los medios informativos dieron al suceso, los testimonios de cientos de testigos y víctimas. Pero el hecho no deja de ser sobrecogedor. En un momento donde las noticias terribles se han convertido en algo cotidiano en nuestra sociedad y donde la historia nos demuestra que tal vez no es la mayor tragedia que ha conocido la raza humana, los efectos en la memoria y sentir de la sociedad occidental son no tienen precedentes. Esa es la esencia del auténtico horror. Lo que más me impresionó fueron los videos tomados por transeúntes donde los bomberos de la Ciudad de Nueva York contemplaban, con miedo e incredulidad evidentes en sus rostros, las dimensiones de la conflagración y a pesar de ello se internaron en el infierno en busca de ayudar a las víctimas. Eran –porque muchos no sobrevivieron- hombres con familias y sueños, con motivos para vivir. Mayor expresión de heroísmo, imposible.

Con orgullo, el Presidente de Estados Unidos anunció hace unos meses la muerte del responsable intelectual de la masacre, Osama Bin Laden, líder de la organización terrorista Al Qaeda que, irónicamente, gozó del apoyo de anteriores administraciones estadounidenses. Por ello se han hecho las más variadas teorías de conspiración gubernamental. No discutiré sobre su posibilidad o imposibilidad (de los Gobiernos puedo esperar todo), ni si el pueblo estadounidense merecía el atentado tras cientos de años de abusos contra otras culturas, ni compararé la magnitud del hecho respecto a otras desgracias, como la que actualmente vivimos en nuestro país. Las muertes sin sentido son abominables aquí, en cualquier época, en cualquier lugar.

Inevitablemente las bellas artes se nutrieron del suceso, sea como un tributo a las víctimas o como un homenaje póstumo a los cientos de héroes que la enfrentaron. El cine trató de capturar el episodio en cintas como Vuelo 93 (Paul Greengrass, 2006) y Las torres gemelas (Oliver Stone, 2006). Pero mucho antes de estas cintas, el complejo de edificios ocupó un lugar importante en la industria fílmica estadounidense como símbolo y representante de la más grande de sus ciudades, de la capital del Imperio. Las escaló un gigantesco y popular gorila en King Kong (John Guillermin, 1976), fueron vistas en Los Cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984) y destruidas por invasores extraterrestres en Día de la Independencia (Roland Emmerich, 1996), las visitó el insoportable Kevin McAllister (Macauley Culkin) en Mi pobre angelito 2, perdido en Nueva York (Chris Columbus, 1992) e incluso usadas por El Hombre Araña (Sam Raimi, 2002) para tender una red que atrapara un helicóptero piloteado por asaltabancos, en un trailer que se suprimió tras los atentados.

El lugar que ocuparan las Torres, conocido como la Zona Cero, fue elegido por Guillermo del Toro y Chuck Hogan en su novela Nocturna como guarida y nido del Amo, el malvado vampiro Jusef Sardú. Cuando su protagonista, el epidemiólogo Ephraim Goodweather, preguntó a su guía y mentor Abraham Setrakian por qué había elegido ese lugar, el anciano respondió: “Porque se sintió atraído. Los topos construyen sus madrigueras en los troncos muertos de los árboles caídos. La gangrena nace en las heridas. Sus orígenes están en la tragedia y el dolor”.

Pero el momento que mejor captura el deseo del pueblo estadounidense –que la desgracia nunca hubiera ocurrido- ocurre la escena final de la primera temporada de la teleserie Fringe. La agente Olivia Dunham (Anna Torv) discute con William Bell (Leonard Nimoy), fundador y propietario de la siniestra Massive Dynamics y éste le pregunta si tiene conciencia dónde se encuentra. La cámara se aleja y revela que ocupan una oficina en la Torre Sur del World Trade Center. Evidentemente se trata de un universo paralelo, eje central del programa. Pero no estamos en otro lugar. Aún cuando así fuera, estoy seguro que habría desgracias de otro tipo.

Crisis de la mediana edad (de los guionistas) o la cosecha de remakes nunca se acaba.

2011-09-06T11:45:00.000-07:00

Las personas de mi generación visitaron el país llamado infancia en la década de los ochenta. Fue un momento colorido, que muchos se afanan en satirizar (recuerdo por lo pronto el programa de televisión Horribles ochenta). La era de Ronald Reagan, Margaret Tatcher, los zapatos Top sailer, el grupo Flans, las hamburguesas Burger Boy, dejó una huella imborrable en la memoria en nosotros. Más allá, todos recordamos el infame terremoto que azotó México una mañana de septiembre de 1985, cuyo efecto aún se siente en nuestros días. Ese mismo año brilló en la cartelera estadounidense una modesta película de horror, tan frecuentes en ese entonces (por esos años nacieron Freddy Krueger y Jason Voorhees) titulada Fright Night (los genios mexicanos del subtítulo le pusieron, adecuadamente, La hora del espanto), escrita y dirigida por Tom Holland. En honor a la verdad (y se que muchos se me lanzarán al cuello), no es una gran película. Su historia es convencional y su vampírico protagonista (Chris Sarandon) no deja de recordarme al cantautor Sergio Fachelli. Pero con el paso del tiempo, y en gran medida por la nostalgia, se ha convertido en un clásico, a la altura de especímenes muy superiores como El ansia (Tonny Scott, 1983), Al caer la oscuridad (Kathryn Bigelow, 1987) o Los muchachos perdidos (Joel Schumacher, 1987).

Buena parte de su éxito se debe, sin duda alguna, al intrépido cazador de vampiros Peter Vincent (Roddy McDowall), homenaje más que evidente a Peter Cushing, Vincent Price y las películas de la Hammer Films de la década de los cincuenta. La antigua estrella de cintas de horror –transformado en un presentador de televisión como Elvira, la Reina de las Tinieblas (Cassandra Peters)- es su mejor aportación, la que le otorgó perdurabilidad. Es cierto que tiene elementos divertidos como la mojigata Amy (Amanda Bearse) y el truculento Evil Ed (Stephen Geoffreys) que se transforma en lobo, y toca temas muy en boga en ese momento (como la sexualidad responsable entre los jóvenes y el divorcio), pero ello no es suficiente para recordarla. Necesitamos la presencia de Peter Vincent.

En unos días se estrenará su inevitable remake, tema que tanto he discutido en este espacio, con Collin Farrell como el vampiro Jerry Dandridge y David Tennant como Peter Vincent, personaje ahora influenciado –según los avances que he visto- por fenómenos televisivos contemporáneos como el escapista Chris Angel y la cultura dark. Esta tendencia –el remake- ha ocupado enormes espacios de este blog. Nos pone al tanto de la falta de creatividad de Hollywood para experimentar con nuevas historias que revitalicen al vampiro y nos hace concientes del paso del tiempo. Sólo resta esperar hasta su estreno.

Horrores subterráneos para antes de terminar el mes.

2011-08-31T11:39:00.000-07:00

Este no es un comercial. En la televisión de paga mexicana, pocas opciones son tan sensibles y respetuosas del género horrorífico como el Canal Space. Ha programado muchas películas populares, y eso se agradece. Pero más especiales son sus rarezas, como ese delicioso serial de largometrajes para televisión Películas para no dormir, inspirados en los viejos programas españoles Historias para no dormir, de ese genio poco reconocido en nuestro país llamado Narciso Ibáñez Serrador. Pero esa será otra historia. Las últimas semanas han transmitido una cinta que en estas latitudes fue lanzada directamente en video, seguramente por su “alto” contenido sanguinolento y porque no superó la mojigatería de la censura: Masacre en el tren de la muerte (The midnight meat train, Ryhuei Kitamura, 2008), basada en el estupendo cuento de Clive Barker. Este relato es parte de sus Libros de Sangre, indispensable antología para todos los diletantes del horror. Parte esencial de la historia es Mahogany, “un cazador nocturno: como Jack el Destripador, Gilles de Rais, una encarnación viviente de la muerte, un espectro con cara humana. Atormentaba los sueños y provocaba terrores”. En la adaptación fue interpretado por el actor británico Vinnie Jones, a quien recordamos –como decía Troy McClure- en películas como X-men, la batalla final (Brett Rattner, 2006), Swordfish, acceso autorizado (Dominic Sena, 2001), 60 segundos (Dominic Sena, 2000), Snatch, cerdos y diamantes (Guy Ritchie, 2000), Swordfish, acceso autorizado (Dominic Sena, 2001), 60 segundos (Dominic Sena, 2000) y Juegos, trampas y dos armas humeantes (Guy Ritchie, 1998), o como presentador del reality Vinnie Jones´ toughest cops , o como invitado en la comedia de espionaje Chuck o en la poco afortunada serie La Capa. Su rostro inexpresivo y presencia amenazante le viene al carnicero como anillo al dedo. Para los dos Mahogany, el del cuento y el de la película, las costumbres son muy importantes. “Llevaba su sobrio traje habitual con la corbata marrón bien anudada, los gemelos de plata (regalo de su primera esposa) puestos en las mangas de su camisa inmaculadamente planchada, el pelo, fino, reluciente de brillantina, las uñas cortadas y limadas y la cara lavada con colonia. Su bolsa estaba a punto. Las toallas, los instrumentos y su delantal de mallas”. Por fortuna, al cerrar el libro o apagar el reproductor, ambos se quedan ahí. El personaje me resulta particularmente aterrador porque las víctimas de mi perfil le son atractivas. “Muy pronto saldría la riada del teatro. Siempre proporcionaba uno o dos cuerpos robustos. La intelectualidad bien alimentada, sosteniendo los resguardos de sus billetes y opinando sobre los entretenimientos del arte; sí, habría algo ahí”. El testimonio de un inesperado testigo –Leon Kaufman - describe muy bien las acciones de Mahogeny: “El cadáver más cercano a él eran los restos del joven cubierto de espinillas que había visto en el vagón número uno. El cuerpo colgaba cabeza abajo, meciéndose adelante y atrás al ritmo del tren al unísono con sus tres compañeros; una obscena danza macabra. Sus brazos se columpiaban, fláccidos, de las articulaciones de los hombros, en las que se habían practicado cuchilladas de una pulgada o dos de profundidad para que los cuerpos se balancearan con más elegancia”.

La cinta añade personajes y situaciones a la historia original (una pareja sentimental, un amigo homosexual, una oscura obsesión), como sucede muy a menudo, pero el guión de Jeff Buhler trata con gran respeto la imaginería oscura de Barker –de hecho la cinta se confeccionó con su mirada vigilante como productor-. La fotografía de Jonathan Sela no sólo captura adecuadamente los sombríos túneles del sistema subterráneo neoyorkino, sino transmite una sensación de angustia al espectador, como lo demuestra esa cámara que se mueve por las habitaciones del refugio del cazador, ese fatal golpe al desafortunado ejecutivo (Ted Raimi, hermano de Sam Raimi, como una aparición especial) o los vertiginosos desplazamientos por los vagones del metro en sus escenas finales.

Pero lo mejor de todo es, al menos para mí, la terrible figura de Mahogany, quien se coloca dignamente al lado de monstruos clásicos. Porque los instrumentos cortantes –y quien los usa- siempre provocarán pavor al respetable.

¿Suelen usar el metro cotidianamente, en especial a altas horas de la noche?

Feliz viaje.

Feliz cumpleaños, Mary Shelley.

2011-08-30T07:46:00.000-07:00

Hoy cumple 214 años, Señora Shelley, y sigue más joven que nunca. Su hijo más célebre nos recuerda cotidianamente la oscuridad que yace en el corazón de los hombres, sin importar cuán nobles sean sus intenciones.

Asuntos vampíricos (nacionales) pendientes

2011-08-29T07:36:00.000-07:00

Y ya que promociono mi nuevo curso en el Centro Nacional de las Artes, finiquitaré un asunto pendiente (antes de concluir el mes). El pasado 26 de julio ofrecí una plática en el Tercer Taller de Perfeccionamiento de Guión de Largometraje de Horror, convocado por el Instituto Mexicano de Cinematografía en la maravillosa casona que alberga a la Sociedad de Directores de México. Prometí a los participantes publicar en este blog el texto que sirvió de eje a mi exposición. Se trata de un tema al que regreso con frecuencia. Espero que ellos y ustedes, queridos lectores, lo disfruten.

La invasión de los vampiros o cómo puede renacer en el cine mexicano (en 9 tomas).

Roberto Coria

Tercer Taller de Perfeccionamiento de Guión de Largometraje de Horror. IMCINE.

Dicen que le tercera es la vencida. La primera ocasión que debí compartir con ustedes mis fascinación por el cine de vampiros, el 12 de julio pasado, debí atender compromisos imprevistos e impostergables. La segunda, el 19 de julio anterior, situaciones ajenas a mí me lo impidieron. Las dos fechas eran especialmente emblemáticas para el tema: en ellas se celebró el no-cumpleaños 131 de Tod Browning, el cineasta al que debemos la versión de Drácula (1931) protagonizada por Bela Lugosi, y el cumpleaños de mi querido amigo Vicente Quirarte, poeta, ensayista y enorme estudioso de los hijos de la noche, respectivamente. Pero heme aquí, finalmente. Hoy es una ocasión muy especial para mí. Me acompaña Bárbara Pérez Curiel, nieta del entrañable Federico Curiel, cineasta apasionado a quien debemos algunas de las mejores películas del Santo y artífice de una serie de joyas –muy pertinentes esta tarde- de las que hablaré posteriormente. Ella se encuentra en la antesala de ser aceptada en las filas del Centro de Capacitación Cinematográfica, así que tenemos a una cineasta en ciernes entre nosotros. Bienvenida, querida Bárbara, doblemente.

Toma 1

En los minutos iniciales de El vampiro (Fernando Méndez, 1957), un hombre alto y delgado, elegantemente vestido con capa, medallón y frac –el grandioso Germán Robles-, observa con ojos depredadores la ventana de una hacienda surgida de una película del México rural de mediados del siglo XX. En un instante, envuelto por la neblina nocturna, el hombre se transforma en un murciélago y vuela hasta el interior del dormitorio de una bella mujer –Carmen Montejo-. Ella lo observa sorprendida, con horror, especialmente por sus afilados colmillos, antes que el intruso se le lance encima y corran los créditos de la película, enmarcados por la partitura inquietante de Gustavo César Carrión y un grito desgarrador. La escena rinde tributo a los mejores momentos de las cintas de horror de los estudios Universal –con una maravillosa escenografía de Gunther Gerzso- y nos recuerda a la figura de Don Juan: el hombre que entra furtivamente durante la noche en la recámara de la joven damisela para robar su virtud. También cobra vigencia en una época en la que el fenómeno Crepúsculo cautiva la imaginación –en las letras y la oscuridad de la sala de cine- de las quinceañeras ávidas de la inmortalidad y belleza eterna que puede obsequiarles la pasión del vampiro, de su sensualidad desbordada –incluso irresponsable- y el ansia de apropiarse de la noche y sus secretos.

“Al contrario de otras criaturas de la noche, cuya contemplación y cercanía nos provocan pánico inmediato, el vampiro es la más próxima a los humanos, tanto en lo que se refiere a sus características físicas como a la relación que mantiene con sus víctimas en potencia”, nos recuerda Vicente Quirarte. Es por ello que El vampiro se coloca por delante de otros especímenes del catálogo de cintas de horror producidas en nuestro país y hace brillar a Germán Robles como el gran monstruo del cine nacional. Robles es considerado por David J. Skaal, erudito del cine de horror, como “la respuesta mexicana a Bela Lugosi” y aparece en la portada de su libro V is for vampire. Definitivamente su imagen debe mucho a la que inmortalizara el actor rumano en 1931, pero su interpretación del Conde Karol de Lavud es memorable, antecedente indispensable para comprender el erotismo y bestialidad que transmitió Christopher Lee en las películas de la casa británica Hammer Films. “Yo quería hacer a un vampiro cachondo”, declara Don Germán frecuentemente en entrevistas. Uno de los tantos aciertos de El vampiro, además de su ensamble actoral y la espléndida fotografía de Rosalío Solano, es la historia de Ramón Obón, que toma a un monstruo persistente en el folclore europeo y lo sitúa en un ambiente familiar y reconocible. Se permite sumar incluso leyendas de aparecidos y fantasmas, tan abundantes en la provincia mexicana. Precisamente de este último beneficio adolece su secuela, El ataúd del vampiro (Méndez, 1958), traslación de todos los elementos anteriores a la gran ciudad. Demuestra, como bien nos advirtió H. P. Lovecraft, que “no está muerto lo que puede yacer eternamente”. Pese a ello posee momentos aterradores, como la persecución que la sombra del malvado protagonista hace a una desafortunada mujer por las calles desiertas de la ciudad –que no son otras que las de los Estudios Churubusco-. La mente detrás del éxito de las dos cintas –y de tantas otras-, el actor y productor Abel Salazar, proyectaba la realización de una tercera entrega. Robles, estigmatizado ya por el monstruo, declinó la oferta. “Esa la va a hacer tu madre”, sentenció. ¿Cómo hubiera sido una tercera parte de El vampiro? Eso nos brinda la posibilidad de la conjetura y el juego de la imaginación.

Toma 2

A pesar de sus esfuerzos, Germán Robles nunca pudo escapar de la marca del vampiro. Prueba de ello son la estupenda serie de largometrajes dirigidos por Federico Curiel que comenzaron con La maldición de Nostradamus (1961) y fueron continuados por La sangre de Nostradamus (1962), Nostradamus, el destructor de monstruos (1962) y Nostradamus, el genio de las tinieblas (1962). Robles encarna a un descendiente del legendario profeta Michele de Notre-Dame –Nostradamus, para los amigos-, quien es un vampiro ataviado con capa y bombín, que usa una barba “tipo candado” y tiene un ayudante jorobado, quien trata de convencer de la existencia de la otredad al escéptico Profesor Durán (Domingo Soler) y a su asistente Antonio (Julio Alemán) y al mismo tiempo revivir a su ancestro. Nostradamus hace fatales predicciones para todo el que se cruce en su camino. El serial cuenta con un inteligente guión de Alfredo Ruanova y Carlos Enrique Taboada. Esta historia fue la primera aproximación al tema fantástico del celebrado autor de Hasta el viento tiene miedo (1968) y El libro de piedra (1969). Las apariciones sorpresivas de Nostradamus, en rincones donde reina la oscuridad más profunda, sin duda inspiraron a Guillermo del Toro para otorgárselas a Rasputin (Karel Roden) en Hellboy (2004).

Toma 3

El vampiro es la primera gran cinta del tema filmada en el país, pero de ninguna manera es la primera en habla hispana. Podemos ubicar al más notable antecedente en los albores mismos del cine de horror occidental como una gran industria. Cuando Carl Laemmle, Jr., quien decidía el rumbo de las creaciones de los Estudios Universal, emprendió la producción de la versión cinematográfica de la obra teatral de John Balderstone y Hamilton Deane –basada a su vez, como todos sabemos, en la novela de Bram Stoker- comprendió la necesidad de realizar versiones de sus películas para los mercados extranjeros, toda vez que la técnica del doblaje para las nacientes cintas habladas no estaba depurada. Por ello encargó a George Melford que rodara, de manera paralela al equipo que encabezaba Tod Browning, una versión en habla hispana. Este ejercicio le permitiría reducir costos toda vez que empleaba el mismo guión y escenarios. Mataba dos vampiros con la misma estaca, podría decirse. Para el papel protagónico, el que interpretara Bela Lugosi en la producción estadounidense, eligieron al actor Carlos Villarias, a Eduardo Arozamena como el profesor Van Helsing, Pablo Álvarez Rubio como Renfield y a Lupita Tovar como Eva –Mina-, el oscuro deseo del vampiro. Ahora, un sacrilegio: me sumo al pensar de críticos como David J. Skaal y Leonard Wolf, quienes aseguran que la versión española de Drácula supera actoral y estilísticamente a la de Browning, a pesar de que fueron creadas a partir del mismo molde. Los movimientos de cámara, más ágiles y propositivos, el erotismo más evidente, las actuaciones más convincentes la hacen estremecedora y la colocan de la manera más digna junto a su hermana más célebre. Esta opinión no resta mérito de forma alguna a la dimensión del que Bela Lugosi convirtiera en su interpretación más memorable. Dos últimos vínculos: Eduardo Arozamena, originario de la Ciudad de México, fue un renombrado actor de reparto que conocimos en cintas inolvidables como Ahí está el detalle (Juan Bustillo Oro, 1940), Flor silvestre (Emilio Fernández, 1943) y Yo maté a Juan Charrasqueado (Chano Urueta, 1949); Lupita Tovar, nativa de Matías Romero, Oaxaca, ya encarnó a una hija de la noche en Santa (Antonio Moreno, 1932), adaptación de la novela homónima de Federico Gamboa y joya de los inicios de la cinematografía nacional. Ella sigue viva. Mañana, 27 de julio, cumplirá 101 años de edad. En entrevistas siempre defendió el esfuerzo de sus co-protagonistas. “Estábamos decididos a hacer una gran película”.

Toma 4

Si la sangre es la vida para el vampiro, los lazos que de ella emanan son sagrados. En El vampiro, el Conde Lavud viaja desde los bosques de Bakonia para consumar su venganza por la muerte de su vampiresco hermano a manos de los campesinos del ficticio pueblo de Sierra Negra –hay un volcán que se llama así en el estado de Puebla- restaurar su imperio del miedo y de paso reclamar la posesión de la hacienda Los Sicomoros. Es el cacique que busca mantener la supremacía territorial a toda costa. En la más reciente La invención de Cronos (1992), opera prima del tapatío Guillermo del Toro, conocemos la desafortunada historia del mercader de antigüedades Jesús Gris (Federico Lupi) y su viaje accidental a la oscuridad. Transformado en un vampiro por el insecto que reposa en un ingenio mecánico, su nieta Aurora (Tamara Shanath) se convierte en su guardiana, la detentora de su secreto. Le prepara incluso un improvisado ataúd con su cajón de juguetes. En los momentos finales de la cinta, preso del ansia, el vampiro se encuentra a punto de saciar sus apetitos con la niña. Antes de hacerlo se detiene, gracias a la conciencia repentina del lazo que los une. Ella le permite recobrar la lucidez y su humanidad. La familia es importante para el vampiro, sea por los motivos más nobles o perversos, como sucede en el cuento La familia de los Vourdalak (1839) de Alexei Tolstoi donde Gorcha, el patriarca de un clan serbio, tras un viaje nocturno y su posible encuentro con vampiros locales, regresa a casa para acechar a sus hijos y nietos.

Toma 5

El vampiro genera devoción en sus sirvientes y sus admiradores. Por lo que respecta a los primeros, éstos le procuran su fidelidad sea por miedo o por la promesa de la vida eterna. En El mundo de los vampiros (Alfonso Corona Blake, 1961), el Conde Sergio Subitai (Guillermo Murray), ataviado con la reglamentaria capa negra, frac y medallón, controla a una hueste de horribles vampiros con cara de papel maché por el embrujo de las notas de un piano. Su rival, Rodolfo Sabre (Mauricio Garcés), contraviene sus órdenes gracias a sus dotes musicales. Pero una forma de lealtad más férrea es la que procura Frau Hildegarda (Bertha Moss) al Conde Sigfried von Frankenhausen (Carlos Agosti) en El vampiro sangriento (Miguel Morayta, 1962) y su continuación La invasión de los vampiros (Morayta, 1963), película que amablemente presta su título a este escrito. Más violento es Barraza (Yerye Beirute), criminal cuya voluntad es diezmada por el influjo del Conde Lavud en El ataúd del vampiro, auténtico dolor de cabeza para el gallardo Dr. Enrique Saldívar (Abel Salazar) y su bienintencionada lucha para exterminar al monstruoso protagonista.

Toma 6

A partir de la película seminal, la figura del vampiro nacional se transformó, del cadavérico pero encantador hombre alto, a figuras femeninas, sensuales y voluptuosas. En Santo contra las mujeres vampiro (Alfonso Corona Blake, 1962), Lorena Velázquez encarna a Thorina, lideresa de un clan de féminas de ultratumba que ponen en jaque al emblemático paladín de la justicia. De la cinta son conocidos algunos fotogramas, donde las vampiras exhiben una sensual desnudez, en una versión destinada a los públicos europeos. En la secuela de la historia, Santo en la venganza de las mujeres vampiro, el rol protagónico es ahora de Gina Romand, la “rubia de categoría” como la Condesa Maya. En 1978 Juan López Moctezuma, cineasta que nos entregó cintas extrañas, eróticas y desconcertantes, dirigió Alucarda, la hija de las tinieblas, interesante híbrido de las obras del Marqués de Sade y Carmilla, de Joseph Sheridan LeFanu. La historia sigue la reclusión en un convento de la joven Justine (Susana Kamini) y su relación con Alucarda (Tina Romero). Si bien la historia está cargada de elementos demoniacos y de un velado matiz vampírico, el mejor momento es sin duda el aquelarre que preside un macho cabrío y el surgimiento de Justine de un ataúd anegado de sangre. Pero sin duda el giro más inusual a la figura del vampiro lo dio Guillermo del Toro en La invención de Cronos. Su protagonista, gris como su apellido, es un anciano cuya vitalidad está menguada por el inevitable paso de los años, conduce un automóvil antiguo y atiende su negocio de reliquias. Ahí descubre por accidente el artefacto que le da nombre a la cinta, en el cual reposa un milenario insecto que le devuelve cuanto ha perdido, con fatales resultados.

Toma 7

Parte del ciclo de todo mito cinematográfico que comienza a mostrar desgaste, como sucedió con las entrañables películas de horror de los Estudios Universal, es coquetear con otros géneros. Lo mismo sucedió al vampiro nacional, que se sacrificó para el lucimiento de los cómicos del momento, del mismo modo que hicieron Bela Lugosi y Lon Chaney, Jr. en Abbot y Costello contra Frankenstein (Charles Barton, 1948). La primera de las cintas que lo demuestran, que incluye la participación fortuita del mismísimo Germán Robles en su momento de máxima gloria, porque en sus propias palabras accedió a aparecer en ella como un favor al protagonista cuando tomaba un descanso durante la filmación de El ataúd del vampiro, es El castillo de los monstruos (Julián Soler, 1958). Hilarante es el momento en que su astro, Antonio Espino “Clavillazo”, huye despavorido del vampiro favorito de todos. Luego tocó su turno a Eulalio González “Piporro” en La nave de los monstruos (Rogelio A. González, 1960), curioso híbrido de cine de ciencia-ficción, horror, comedia y estampa del México rural, donde el popular "Rey del taconazo" es seducido por los encantos de Lorena Velázquez que interpreta a la vampira alienígena Beta. También debemos recordar Échenme al vampiro (Alfredo B. Crevenna, 1961), una comedia de misterio tipo Scooby Doo, de tres episodios, que involucra a un grupo de codiciosos herederos y a un presunto vampiro interpretado por Yerye Beirute. De sirviente a vampiro, ascenso más que merecido.

Toma 8

Y todo mito no puede escapar de las infamias. En la industria occidental, por cada buena película de vampiros podemos contar, al menos, diez malas o pésimas. La primera que recuerdo es El imperio de Drácula (Federico Curiel, 1967) donde Erick del Castillo se pone la capa y encarna al vampiro Barón Draculstein, con todo y su recio acento ranchero. Inevitable es Chiquidrácula (Julio Aldama, 1984), que lucra con la fama del entonces niño maravilla Carlitos Espejel y su papel en una conocida serie de comedia del momento. Su trama es simple. Un niño de un barrio pauperizado se disfraza como un pequeño aristócrata vampiro para alejar del alcoholismo a su pariente Adalberto Martínez “Resortes”. Más reciente es El vampiro teporocho (Rafael Villaseñor Kuri, 1989), en la que Pedro Weber “Chatanuga” encarna a un desaliñado chupasangre que se coloca condones en los colmillos para evitar infecciones. Al menos esto puede leerse como una metáfora del sexo responsable en la era del VIH. Más aterradora –por mala- es Curado de espantos (Adolfo Martínez Solares, 1992), cuya insultante trama cruza el camino de un vampiro revivido en una excavación prehispánica y posterior dueño de un burdel de mala muerte (Roberto “Flaco” Guzmán) con dos curanderos albureros y lujuriosos (Alfonso Zayas y César Bono), su enano ayudante (René Ruiz “Tuntún”) y una voluptuosa arqueóloga (Lina Santos). Peor, imposible.

Para rematar añado un ejemplo más, gracias a mi espíritu intrépido: la película Drácula mascafierro (Víctor Manuel “El Güero” Castro, 2001). Su premisa, insultante por sí misma, implica la persecución de un linaje de vampiros encabezado por Roberto “Flaco” Guzmán (quien ya interpretó a un vampiro en la terrible Curados de espatos) quienes transforman en homosexuales a las victimas de su mordida. Los valientes cazadores de monstruos, patéticos “machos” mexicanos, huyen de esta posibilidad como de la peste. Confieso, por salud mental, que sólo soporté 15 minutos de su metraje. El guión del propio Castro, adalid del cine de albures de los años ochenta, carece de la menor pizca de gracia, buen gusto e inteligencia. Lo prueban la insultante escena donde una celulítica devota del vampiro mayor pretende realizarle una felación, ese pene de plástico o los diálogos absurdos entre los heroicos e ignorantes protagonistas. Por favor, cuando la vean anunciada en la televisión de paga, evítenla.

Toma 9

¿Hacia dónde se dirige el vampiro nacional? Para muchos estudiosos dignos de todo mi respeto, como Julio Patán, es un monstruo que ha tocado fondo y se ha deslavado completamente. Yo creo, y no porque sea uno de sus grandes admiradores, que aún tiene mucho que ofrecernos. Las letras pueden ser una buena manera de reconocer sus posibilidades. El cuento No se duerman en el metro, publicado en 1994 en una serie que Revista de revistas del periódico Excélsior dedicó a los hijos de la noche, es un gran ejemplo. Su autor, Mario Méndez Acosta, los traslada, con verosimilitud testimonial al calor de las copas, hasta los túneles del sistema de transporte colectivo de la capital mexicana. Concluye con una terrible advertencia: “¡No se duerman en el Metro! Si lo hacen, corren el peligro de, por lo menos, no volver a dormir nunca más con tranquilidad”. Con mucho humor, a través de una breve comunicación epistolar, la escritora regiomontana Patricia Laurent Kulick lo aborda en Se solicita sirvienta, con el acierto de nunca mencionar la palabra “vampiro”. La misma autora emplea el mismo tono, con una pizca de malevolencia, en El invitado (Selecciones del Reader´s Digest, 1998), donde luego de divertirse como el gato hace con el ratón, el vampiro remata a su futura víctima con un sarcástico “querida, sin el beneficio del juego la eternidad sería mortalmente aburrida”. Pero mi historia favorita es La ruta del hielo y la sal (Ediciones Vid, 1998), recientemente nominada a los españoles premios Ignotus 2010 en la categoría de novela corta. Debemos este triunfo de la ficción nacional al poblano José Luis Zárate. Su relato es, en resumidas cuentas, el capítulo que omitió Bram Stoker en Drácula y que nos presentó brevemente en una bitácora de navegación, el del viaje de la goleta Démeter de Varna a Whitby. Su protagonista, el capitán del navío, lucha con sus propios demonios y con un misterioso polizón que diezma paulatinamente a su tripulación. Zárate rinde un respetuoso tributo a una novela a la que tanto debo sin siquiera nombrar su título ni al malévolo personaje que se lo proporciona. Otra posibilidad que puede dar nuevo impulso al vampiro es explorar cuanto lo asemeja al ser humano. No sus debilidades, sino sus carencias. Un regreso a su origen. Mi amigo José Francisco Macedo –apasionado y erudito de la figura del vampiro- bien lo dijo, “en mi época el vampiro era temido, no tímido”. El creador no debe repetir el esquema del Louis de Point du Lac de Anne Rice (Brad Pitt en la película de Neil Jordan), ni al delicado Conde Saint Germain de Chelsea Quinn Yarbro, mucho menos al insufrible Edward Cullen de la multicitada serie Crepúsculo (un vampiro “maricón”, según Paco Ignacio Taibo II, calificativo que no hace alusión en modo alguno a preferencias sexuales), es decir, al vampiro “sensiblero”, el que lamenta ser un vampiro. “Hace doscientos cuarenta años que no veo la luz del día, dice el vampiro que vi en la última película”, recuerda con ironía Jorge Ibargüengoitia en su divertido ensayo Vida de los vampiros. El monstruo que me gusta, como a Guillermo del Toro, es el que disfruta su posición en el pináculo de la cadena alimenticia, que acepta y se regocija en su otredad. Como dice sabiamente el vampiro Lestat de Anne Rice, “si estás condenado a vivir hasta el fin de los tiempos, mejor haz una fiesta de todo ello”. Ahora bien, en una época donde los adolescentes –y muchísimos adultos- consideran su juventud como un valor, no como una virtud efímera, el miedo a envejecer –a la corrupción del cuerpo, a la pérdida de la belleza y la plenitud- puede ser también una preocupación del vampiro. Así le sucedió a Narciso o al Dorian Grey de Oscar Wilde. “La vanidad, definitivamente mi pecado favorito”, fue la última línea de Al Pacino en El abogado del diablo (Taylor Hackford, 1997). Más sabe el diablo por viejo que por diablo. Las adicciones, los desordenes alimenticios, las enfermedades de transmisión sexual, la soberbia que puede albergar al saberse casi omnipotente, su maridaje con otros géneros (¿se han imaginado a unos vampiros narcotraficantes?), son temas por explorar. Dejé a un lado sus cualidades como monstruo humano. Ayer vi un estupendo largometraje para televisión, con credibilidad documental, que rememoraba los crímenes de Richard Trenton Chase, apodado por el escenario de sus delitos y su vocación hematófaga como El vampiro de Sacramento. El arte imita a la realidad, aunque ésta siempre rebasará a la ficción. Todos lo anterior puede asegurar la inmortalidad del vampiro. En el cine nacional aún puede resurgir. No a través de un remake de El vampiro (ojalá eso nunca suceda), pues son lamentables los resultados de las reelaboraciones de Hasta el viento tiene miedo y El libro de piedra. La permanencia del vampiro reside en su capacidad de evolucionar, de adaptarse al entorno como hace el ser humano mismo. Después de todo, son nuestro reflejo.

Curso ¡Vampiros!

2011-08-26T09:57:00.000-07:00

¡Vampiros!

Curso impartido por Roberto Coria

Invitados especiales: Vicente Quirarte, Pablo Guisa, Antonio Camarillo y Guadalupe Gutiérrez.

Antecedentes.

Hoy más que nunca estamos conscientes de que los vampiros están presentes entre nosotros y han constituido una subcultura que ha desplegado sus alas sobre prácticamente todas las manifestaciones culturales. Vicente Quirarte argumenta que su figura es algo cotidiano en nuestros días y forma parte de una mitología que aún los niños conocen, mientras Jorge Ibargüengoitia afirma que la gente común y corriente sabe más de estas criaturas que de los otomíes.

El vampiro se encuentra fuertemente posicionado en el imaginario colectivo de la humanidad y sus raíces yacen en el folklore de los pueblos. Podemos rastrear sus huellas en la tradición hebrea, en la antigua Grecia, en Roma, en China, en África, e incluso entre los Aztecas y los Mayas. Esto aseguró su trascendencia hacia la literatura, el teatro, el cine, los cómics y la televisión.

En los últimos tiempos, los artistas han buscado reinventar la estructura del monstruo, para asegurar su vigencia. El curso ¡Vampiros! es una invitación para que el lector novicio se interne en el mundo y los misterios del vampiro. Al mismo tiempo, pondrá a prueba los conocimientos del iniciado. Es un viaje, a vuelo de murciélago, a través de los orígenes del mito, sus múltiples connotaciones, sus referentes literarios y algunas de sus representaciones artísticas más significativas.

Objetivo: Proporcionar un vistazo a los orígenes, historia y evolución de la figura del vampiro en las bellas artes, a través del análisis de obras emblemáticas del tema.

Dirigido a: Personas interesadas en adentrarse en los misterios del vampiro. Escritores, cineastas, sociólogos, público en general, aficionados de la literatura y cine de horror.

Contenido temático.

Introducción. En el principio fue la sangre. Eros y tanatos, o de la fascinación por la sangre y la muerte. Inicio de las creencias en vampiros. Cazadores de vampiros. Fisiología, poderes y debilidades.

Vampiros en nuestra lengua, de Benito Jerónimo Feijoó al chupacabras. –Vicente Quitarte.

El vampiro en la naturaleza y a la luz de la ciencia médica. El murciélago vampiro y sus parientes. Enfermedades físicas. Catalepsia, rabia y porfiria.

Asesinos en serie, esquizofrénicos, hematófagos y otros monstruos. Erzebeth Bathory, John Haig, Jeffrey Dahmer y compañía. ¿Cómo investigarían las ciencias forenses un caso de vampirismo?

El vampiro en el diván: psicoanálisis del monstruo. –Guadalupe Gutiérrez.

El vampiro en la literatura. Definiendo géneros. Clasificación del relato de vampiros. Antes de Drácula, o albores de la literatura vampírica. El relato gótico y los precursores. El vampiro de John William Polidori y Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu. Bram Stoker, padre de Drácula. La ruta gastronómica de Drácula. La cocina rumana se encuentra con la cocina británica.

Después de Drácula. Los herederos de Bram Stoker. La renovación literaria del mito. Textos vampíricos 1950-2009, de Richard Matheson y Soy leyenda a Crepúsculo de Stephanie Meyer.

A capa y estaca: historia del cine de vampiros 1. De Nosferatu a Déjame entrar.

A capa y estaca: historia del cine de vampiros 2. Desde México con amor. –Pablo Guisa.

Vampiros en el teatro. Versiones escénicas más importantes. Drácula va a Broadway: John Balderstone, Hamilton Deane y Bela Lugosi. Bram Stoker y El hombre que fue Drácula.

El vampiro en la televisión, las historietas, el internet y los juegos de rol. –Antonio Camarillo.

De la vigencia del vampiro en nuestros días. Prospectiva del vampiro como personaje en el relato fantástico, de Crepúsculo a Nocturna.

Duración: 24 horas, divididas en 12 sesiones de dos horas, los martes y jueves de 18:00 a 20:00 horas en el salón de usos múltiples del CENIDIM.

Inicio: 20 de septiembre de 2011.

Sede: Centro Nacional de las Artes. Calzada de Tlalpan 79 esquina Río Churubusco, colonia Country Club.

Costo: $911.00. Descuentos a estudiantes y maestros (consulte bases)

Informes e inscripciones: Módulo de Extensión Académica. Torre de Dirección, 1er. piso. Tel. 4155 5000 ext. 1040.

Bibliografía

1. Belford, Barbara. Bram Stoker, a biography of the author of Dracula. Da Capo Press. Nueva York, 1996.

2. Calmet, Agustin. Tratado sobre los vampiros. Mondadori, Madrid. 1991.

3. Coria, Roberto. El hombre que fue Drácula. Libros de Godot, México. 2007.

4. Gubern, Román. Las raíces el miedo. Antropología del cine de horror. Tusquets Editores, Barcelona. 1979.

5. -------------. Máscaras de la ficción. Anagrama, col. Los Argumentos, Valencia. 1998.

6. Märtin, Ralf-Peter. Los Drácula. Tusquets editors. España, 1983.

7. Mc Nally, Raymond; Florescu, Radu. In search of Dracula. Houghton Mifflin Company. Nueva York, 1994.

8. Melton, J. Gordon. The vampire book: The encyclopedia of the undead. Visible Ink Press. Minnesota, 1999.

9. Ramsland, Katherine. The science of vampires. Berkley Boulevard books. Nueva York, 2002.

10. Quirarte, Vicente. Del monstruo considerado como una de las bellas artes. Paidós. México, 2006.

11. Skaal, David J. V is for vampire. Penguin books. Nueva York, 1996.

12. Siruela, Jacobo (comp.) El vampiro. Ediciones Siruela, Madrid. 2001.

13. Stoker, Bram. Drácula. Traducción Manuel Núñez Nava. CONACULTA. México, 2002.

14. Wolf, Leonard. Dracula, the connoisseurs guide. Broadway books. Nueva York, 1997.

La vida después de Hogwarts

2011-08-24T10:37:00.000-07:00

En la entrada anterior de este blog destaqué mi admiración por el reparto de la hoy extinta saga de Harry Potter. Sus actores de apoyo tienen una carrera sólida y una reputación bien establecida en el cine y el teatro, y ello me hace preguntarme sobre el futuro de sus jóvenes intérpretes. ¿Los grandes estudios piensan ocupar a Rupert Grint, Emma Watson o Tom Felton (Ron Weasley, Hermione Granger y Draco Malfoy, respectivamente)? Más allá, ¿ellos piensan continuar su carrera actoral? Por lo pronto el que más ha brillado es el protagonista de la serie, Daniel Radcliffe, quien se esfuerza por sacudirse del estigma del joven hechicero. Así lo ha demostrado su incursión en otros proyectos cinematográficos (Los chicos de diciembre, Rod Hardy, 2007) y en el teatro. En este rubro ha participado en las obras Equus y ¿Cómo tener éxito en los negocios sin realmente intentarlo?, por las cuales obtuvo el reconocimiento de la crítica especializada. Ahora tiene un reto formidable por delante.

La dama de negro es una novela escrita en 1983 por la autora británica Susan Hill. La historia se inscribe en la más pura tradición del ghost story victoriano, un subgénero del relato de horror que nos ha brindado especímenes ejemplares de las plumas de Joseph Sheridan Le Fanu, Montague Rhode James, Bram Stoker, Wilkie Collins, Arthur Conan Doyle, Robert Louis Stevenson, F. G. Loring y Algernon Blackwood, entre otros. En 1987 el dramaturgo Stephen Mallatratt decidió llevarla a los escenarios. Para ello empleó la idea de “teatro dentro del teatro”, donde el protagonista Arthur Kipps narra su encuentro con la otredad a un actor en busca de exorcizar los recuerdos tormentosos que le acosan.

La obra se montó en México en 1994, con éxito contundente. La mayor causa de ello fue, sin duda, la formidable actuación de Germán Robles, quien interpretaba 8 papeles diferentes en un montaje estremecedor, que no da al espectador oportunidad de respirar tranquilo hasta su terrible desenlace. Tuve el placer de ver la obra en cuatro ocasiones y en diferentes etapas, todas con el Maestro Robles. Años después tuve el gusto de conocerlo en la Universidad del Claustro de Sor Juana –las piernas me temblaban de emoción-, realizar algunos proyectos con él e, incluso, recibir sus consejos para hacer lecturas dramatizadas. Tras su salida de la obra, otros histriones han retomado la estafeta, como Rafael Sánchez Navarro, Juan Carlos Colombo, Odiseo Bichir y Alejandro Tomassi. No cuestiono sus capacidades, pues no los he visto en escena. Pero ninguno alcanzará, al menos en mi corazón, la dimensión del maravilloso protagonista de El vampiro (Fernando Méndez, 1957) y La maldición de Nostradamus (Federico Curiel, 1961).

En unos meses se estrenará una nueva versión cinematográfica de La dama de negro, dirigida por James Watkins a partir de un guión de Jane Goldman –ya se había hecho una en 1989-. A la espléndida fotografía de Tim Maurice-Jones –la cual es evidente en el tráiler que comenzó a circular en la red- se suma el valor emocional de ser producida por la casa británica Hammer, cuyo ilustre pasado admiramos todos los diletantes del cine de horror. Y destaca especialmente la presencia del joven Radcliffe, quien calzará los zapatos de Arthur Kipps. No oculto la emoción que el estreno de la cinta me produce. Conoceremos si existe vida después de Hogwarts.